Hört mir gut zu, ihr Snobs, die zeitgenössische Kunst hat gerade ihre außergewöhnlichste Stimme in der Person von Allison Katz gefunden. Diese Künstlerin aus Montreal, die seit ihrem Studium an der Columbia Universität in London lebt, revolutioniert heute die Codes der Malerei mit einer provokativen Intelligenz, die jede Leinwand zu einem Erkundungsterritorium macht, in dem sich das Intime und das Universelle, das Triviale und das Erhabene begegnen.
Angesichts der aktuellen bildkünstlerischen Produktion, die oft von einem reaktionären Sentimentalismus oder einer neurotischen Perfektion gefangen ist, bietet Allison Katz eine radikale Alternative. Ihre Arbeit wirkt wie ein notwendiges Erwachen, ein heilender Schlag, der einer oft zu selbstsicheren Kunstszene verabreicht wird. Die Ausstellung “Artery” im Camden Art Centre 2022 war in diesem Sinne ein Manifest: dreißig Werke, die den Galerieraum in ein Labor der Bedeutung verwandelten, in dem jedes Bild mit den anderen in einem poetischen Zusammenhang stand, der sich den traditionellen Kategorien entzog.
Die Signatur als bewegliches Territorium
Der Ansatz von Katz hinterfragt frontal den Begriff des “Signatur-Stils”, der den Markt der zeitgenössischen Kunst noch immer beherrscht. Wo andere Künstler eine beruhigende stilistische Kohärenz pflegen, betreibt sie eine kontrollierte Form von Schizophrenie, die vom hyperrealistischen Trompe-l’oeil bis zu den karikaturhaftesten Kompositionen reicht. Diese Wandelbarkeit ist nicht zufällig: Sie hinterfragt die Mechanismen der künstlerischen Anerkennung, jene Ökonomie des Wiedererkennbaren, die Kunst allzu oft auf Branding reduziert.
In Akgraph (Tobias + Angel) (2021) bilden die Buchstaben M, A, S und K ein kalligraphisches Gesicht über der geisterhaften Darstellung von Tobie et l’Ange von Verrocchio. Ms. Allison Sarah Katz wird buchstäblich MASK, was zeigt, dass künstlerische Identität ebenso sehr durch die Maske wie durch die Offenbarung entsteht. Dieses Werk fasst den Ansatz der Künstlerin perfekt zusammen: das Autobiografische vermischt sich mit der Kunstgeschichte, die Signatur wird zum Motiv, das Intime universalisiert sich.
Das Spiel mit ihrem eigenen Namen zieht sich wie ein obsessiver roter Faden durch ihr gesamtes Werk. AK wird zu AKA (“alias”), Allison verwandelt sich in “All Is On”, was diese grundlegende Faszination für den Akt des Benennens zeigt, die die Künstlerin beansprucht. Diese Praxis von Anagrammen und Wortspielen ist nicht zufällig: Sie offenbart ein tiefes Verständnis der sprachlichen Mechanismen, die unsere Beziehung zur Welt steuern.
Die wiederkehrende Verwendung von Reisstückchen, die auf die Bildoberfläche geklebt sind, stellt eine weitere Signatur dar, paradoxerweise. Diese texturalen Elemente brechen die Autonomie des illusionistischen Bildes und erinnern ständig an die Materialität des malerischen Objekts. In The Other Side (2021) bedecken diese Körner die Darstellung eines sich bewegenden gelben Hahns, was einen Effekt von Bestäubung erzeugt, der sowohl an Geflügelfutter als auch an Glitzer eines Kabarett-Acts erinnert.
Literatur und narrative Strategien
Der Einfluss von Virginia Woolf durchdringt Katz’ Praxis tiefgehend, die regelmäßig diese woolfianische Definition von Poesie zitiert: “eine Stimme, die auf eine Stimme antwortet” [1]. Dieses dialogische Verständnis von künstlerischer Schöpfung strukturiert ihren gesamten Ansatz. Wie die modernistische Schriftstellerin lehnt Katz die Reinheit des Monologs ab und betrachtet jedes Werk als ein engagiertes Gespräch mit der Kunstgeschichte, der Popkultur und ihrer eigenen Biografie.
Diese literarische Dimension zeigt sich in ihrer Art „zu malen, wie sie schreibt”, nach ihren eigenen Worten, indem sie um visuelle Zitate herum konstruiert. Ihre Gemälde funktionieren wie Romane in Fragmenten, wobei jedes wiederkehrende Motiv, Hähne, Kohlköpfe, Münder und Aufzüge, ein persönliches Vokabular entwickelt, das sich von Leinwand zu Leinwand bereichert. Diese semantische Anhäufung erinnert an die narrativen Techniken von Gertrude Stein oder James Joyce, bei denen die Wiederholung allmählich Sinn schafft.
Die Ausstellung “Artery” veranschaulichte diesen literarischen Raumansatz perfekt. Die fünf Gemälde von Mündern, präsentiert in einer Chevron-Anordnung auf freistehenden Wänden, verwandelten die Galerie in eine komplexe erzählerische Struktur. Jede “epiglottale Perspektive”, um den schmackhaften Ausdruck von Brian Dillon zu verwenden, rahmte disparate Szenen ein, einen ornamentalen Hahn, eine Katze mit digitalen Reflexen und die Künstlerin selbst in einer Miu Miu-Werbung, wodurch ein fragmentarischer Erzählungseffekt entstand, bei dem der Sinn aus den Zwischenräumen hervorging.
Diese erzählerische Strategie findet ihren Höhepunkt im systematischen Einsatz von Selbstironie und Anti-Humor. The Cockfather (2021) zeigt einen Eierbecher in Form eines Hahns, stolz aufgerichtet in einer dunklen Höhle, der die Absurdität des männlichen künstlerischen Egos in einem Bild komprimiert. Der Titel, der sowohl an Hipster-Restaurants als auch an Francis Ford Coppola erinnert, offenbart die Fähigkeit, das Triviale in Episches zu verwandeln, eine Eigenschaft zeitgenössischer, besonders einfallsreicher Literatur.
Die Serie Cabbage (and Philip) (2013-2020) illustriert ebenfalls diese literarische Dimension. Jeder Kohl, mit manischer Sorgfalt gemalt, steht neben der Silhouette von Philip, dem Partner der Künstlerin. Diese “Stillleben-Porträts” entziehen sich den traditionellen Gattungen der Malerei und erschaffen gleichzeitig eine persönliche Mythologie, in der das Intime universell wird. Das Anekdotische verwandelt sich in das Archetypische und offenbart diese “Unmöglichkeit, der Malerei würdig zu sein”, die Katz beansprucht und die paradoxerweise die Quelle ihrer expressiven Kraft ist.
Der Einfluss von Clarice Lispector, einer weiteren literarischen Referenz der Künstlerin, zeigt sich in diesem rätselhaften Umgang mit dem Alltäglichen. Dieses Zitat der brasilianischen Schriftstellerin, das Katz sehr schätzt: “Ich habe sie nicht entziffert. Aber sie hat mich auch nicht entziffert”, könnte als Epigraph für ihr Gesamtwerk dienen. Wie der Sphinx von Lispector widerstehen Katz’ Gemälde einer eindeutigen Interpretation, während sie beständig zur Sinnsuche einladen.
Die zeitliche Dimension, bei Woolf von zentraler Bedeutung, findet bei Katz eine originelle plastische Umsetzung. Ihre “flüchtigen Pigmente”, ein Verweis auf Joshua Reynolds’ Experimente mit instabilen Farben, hinterfragen die Beständigkeit der Kunst. Diese Faszination für kontrollierten Zerfall offenbart ein Verständnis von malerischer Zeit, das über die bloße Darstellung hinausgeht und die Ontologie des Bildes selbst berührt.
Psychoanalyse und subjektive Konstruktion
Das Werk von Katz steht in einem eindrucksvollen Dialog mit Lacans Theorien der Spiegelphase und der subjektiven Konstruktion. Ihre zahlreichen Selbstporträts, niemals frontal, stets schräg, offenbaren ein intuitives Verständnis der von Jacques Lacan beschriebenen Mechanismen der Identifikation. Das Ego, so der französische Psychoanalytiker, entsteht durch die Identifikation mit einem äußeren Bild, einem grundsätzlich entfremdenden Prozess, der dennoch den Zugang zur Subjektivität strukturiert [2].
Diese konstitutive Entfremdung findet bei Katz eine besonders eindrucksvolle plastische Umsetzung in ihren ‚Mund‘-Gemälden. Diese inneren Perspektiven, inspiriert von André Derain, verwandeln das Sprechorgan in einen Sehrahmen. In M.A.S.K. (2021) malt die Künstlerin sich von innen aus ihrem eigenen Mund, schafft eine Vorrichtung, in der das betrachtende Subjekt und das betrachtete Subjekt in einem schwindelerregenden Mise-en-Abîme verschmelzen. Diese radikale Umkehr der traditionellen Perspektive verweist direkt auf Lacans Analysen über die Konstitution des Ichs durch den Blick des Anderen.
Die Wiederkehr des Motivs des Aufzugs in ihrem Werk ist in dieser psychoanalytischen Perspektive besonders interessant. Elevator III (Camden Art Centre) (2021), dieses eindrucksvolle Trompe-l’oeil, das die Ausstellung ‚Artery‘ eröffnet, fungiert als perfekte Metapher des Identifikationsprozesses. Die perfekte Illusion lädt die Betrachterin dazu ein, in einen Raum einzutreten, der nur durch die Darstellung existiert, und imitiert so die ursprüngliche Erfahrung der Spiegelphase, in der sich das Kind mit einem Bild identifiziert, das es für die Realität seines Seins hält.
Diese psychoanalytische Dimension zeigt sich auch in der Behandlung der körperlichen Fragmentierung, einem zentralen Thema bei Lacan. Die keramischen Nasenskulpturen, diese ‚Nose/Ass‘, die in einem einzigen Objekt das Atmungs- und das Exkretionsorgan kondensieren, verweisen direkt auf den von der Psychoanalyse beschriebenen ‚zersplitterten Körper‘. Diese Werke materialisieren diese Angst vor Fragmentierung, die der imaginären Einheit des Ichs vorausgeht, und offenbaren die triebhaften Fundamente jeder Identitätskonstruktion.
Die Beziehung zum Anderen, ein zentrales Konzept in Lacans Theorie, strukturiert ebenfalls Katz’ kuratorischen Ansatz. Ihre Ausstellung ‚In the House of the Trembling Eye‘ im Aspen Art Museum im Jahr 2024 veranschaulichte diese Dimension perfekt. Indem sie ihre eigenen Werke mit Fragmenten von Pompeji-Fresken und Objekten aus lokalen Privatsammlungen vermischte, schuf sie einen zeitlichen Dialog, der offenbarte, wie sich das zeitgenössische Subjekt durch Identifikation mit Bildern aus anderen Zeiten und Orten konstituiert.
Diese kuratorische Praxis verlängert logisch ihre malerische Praxis. Wie sie ‚durch Zitate malt‘, stellt sie aus, indem sie Sinnkonstellationen schafft, die über eine bloße Gegenüberstellung hinausgehen. Die Anordnung des Raumes nach dem Plan der römischen Domus zeigte ein ausgeklügeltes Verständnis der Projektions- und Identifikationsmechanismen, die unsere Beziehung zu Bildern bestimmen. Jeder Saal, Atrium, Triclinium und Tablinum funktionierte als Theater der Subjektivität, in dem die Werke nach einer unbewussten Logik miteinander im Dialog standen.
Die wiederholte Verwendung der Signatur als visueller Bestandteil, die von ihrem traditionellen Platz in die Bildmitte verschoben wird, realisiert dieses Problem der Identifikation. In mehreren Werken bilden die Buchstaben ihres Namens buchstäblich ein Gesicht und offenbaren, dass Identität gleichermaßen auf symbolischer Eintragung wie auf spiegelnder Anerkennung beruht. Diese Praxis verweist direkt auf Lacans Analysen zur symbolischen Entfremdung, die jeder subjektiven Konstitution vorsteht.
Hin zu einer Poetik der Unbestimmtheit
Die Originalität von Katz liegt in ihrer Fähigkeit, das Rätsel aufrechtzuerhalten und gleichzeitig Sinn zu schaffen. Ihre Werke widerstehen eindeutigen Interpretationen, ohne jemals in einen unnötigen Hermetismus zu verfallen. Diese produktive Spannung erinnert an die besten Errungenschaften der Konzeptkunst, jedoch bereichert um eine malerische Sinnlichkeit, die rein intellektuellen Praktiken oft fehlt.
Ihre Behandlung der historischen Kunst veranschaulicht diesen Ansatz perfekt. Anstatt direkt zu zitieren, arbeitet sie mit Anspielungen, Überlagerungen und subtilen Umdeutungen. Posterchild (2021), diese Neuinterpretation eines Plakats der Londoner U-Bahn aus den 1930er Jahren, vermischt persönliche und kulturelle Bezüge nach einer assoziativen Logik, die sowohl Freud als auch Warburg heraufbeschwört. Das Originalplakat, das die Reize von Hampstead preist, wird zur Grundlage einer persönlichen Mythologie, in der Kindheit in Montréal, das gegenwärtige London und die italienische Kunst des Quattrocento zusammenprallen.
Diese Poetik der Unbestimmtheit findet ihren schönsten Ausdruck in der Serie der Münder. Diese unmöglichen Ausschnitte, die das Sprachorgan zu einem Fenster zur Welt machen, erzeugen eine permanente Wahrnehmungsstörung. Wir sehen durch den Mund, wir sprechen durch die Augen, die Sinne verschmelzen in einer kontrollierten Synästhesie, die die Komplexität unserer sensorischen Beziehungen zur Realität offenbart.
Der Einsatz von “flüchtigen” Materialien, diesen instabilen Pigmenten, die sich mit der Zeit verändern, trägt zu dieser Ästhetik der Unbestimmtheit bei. Wie die Farben von Reynolds, die schließlich erblassen, integrieren Katz’ Werke ihr eigenes Werden und verweigern die beruhigende Fixierung der traditionellen Kunst. Diese offene Zeitlichkeit verwandelt jedes Gemälde in einen Prozess statt in ein fertiges Objekt.
Die Wiederkehr bestimmter Motive, Hähne, Kohlköpfe, Nasen und Aufzüge, schafft ein persönliches Vokabular, das sich ständig weiterentwickelt. Jedes erneute Auftauchen bereichert das Motiv mit neuen Bedeutungen und schafft ein semiotisches System in ständiger Expansion. Der Hahn von The Other Side steht im Dialog mit dem von The Cockfather, Philips Kohlköpfe korrespondieren mit denen früherer Ausstellungen und schaffen ein Netz von Entsprechungen, das das gesamte Werk strukturiert.
Dieser Ansatz offenbart ein tiefes Verständnis der Mechanismen des kulturellen Gedächtnisses. Wie Jungs archetypische Symbole häufen Katz’ Motive Bedeutungsschichten an und bewahren zugleich ihre Fähigkeit zur unmittelbaren Evokation. Diese persönliche symbolische Ökonomie steht im Dialog mit den großen ikonographischen Systemen der westlichen Kunst, ohne sich jemals darauf zu reduzieren.
Der allgegenwärtige Humor wirkt als Lösungsmittel für Gewissheiten. Diese visuellen Wortspiele, ikonographischen Umdeutungen und kulturellen Augenzwinkern schaffen eine kritische Distanz, die jede Sakralisierung verhindert. Katz’ Kunst ist ernst, ohne sich selbst zu ernst zu nehmen, tiefgründig, ohne Schwere, komplex, ohne Komplikation.
Die Ausstellung als Gesamtwerk
Die architektonische und szenografische Dimension von Katz’ Arbeit ist ebenfalls interessant. Ihre Ausstellungen beschränken sich nicht darauf, Werke zu präsentieren: Sie schaffen bedeutungsvolle Umgebungen, in denen der Raum selbst Bedeutung trägt. Dieser Ansatz offenbart ein erweitertes Verständnis von Malerei, das den traditionellen Rahmen des Bildes überschreitet, um die gesamte ästhetische Erfahrung einzubeziehen.
Die Hängung von “Artery” illustriert diese Dimension perfekt. Die freistehenden Wände des zweiten Saals, exakt in der Breite der Leinwände gebaut, verwandelten den Raum in ein optisches Labyrinth, in dem der Betrachter abwechselnd die Gemälde der Münder und Philips Kohlköpfe entdeckte. Diese räumliche Choreografie offenbarte unerwartete Entsprechungen zwischen den Werken und schuf einen Metadiskurs über die Beziehungen zwischen Sichtbarem und Verborgenen, Vorder- und Rückseite, Öffentlich und Privat.
Dieses szenografische Konzept findet seinen Höhepunkt in “In the House of the Trembling Eye”. Indem sie die Struktur der pompejanischen Domus in den zeitgenössischen Museumsraum übertrug, schuf Katz eine schwindelerregende zeitliche Vorrichtung, in der Antike und Zeitgenossenschaft miteinander in Dialog traten. Diese Archäologie der Gegenwart offenbarte die Beständigkeit bestimmter symbolischer Strukturen über die Jahrtausende und stellte unsere Annahmen über die künstlerische Moderne infrage.
Die wiederkehrende Verwendung von Plakaten als Ausstellungselemente zeigt eine ausgeklügelte Reflexion über die Zeitlichkeiten der Kunst. Diese Ankündigungen, die für jede Ausstellung entworfen wurden, fungieren als eigenständige Werke, die das Erlebnis über dessen offizielle Dauer hinaus verlängern. Im Galerieraum ausgestellt und dann als Sammlungsobjekte aufbewahrt, stellen sie die Grenzen zwischen Kunst und Kommunikation, zwischen Werk und Dokumentation in Frage.
Diese Praxis des Plakats zeigt auch ein ausgeprägtes Bewusstsein für die Mechanismen der künstlerischen Promotion. Indem Katz ihre eigenen Kommunikationsmittel schafft, übernimmt sie die Kontrolle über eine Dimension, die von Künstlerinnen oft vernachlässigt wird. Diese Plakate, die ihren visuellen Wortschatz gemäß den Codes des Grafikdesigns variieren, offenbaren die Verbindungen zwischen Kunst und Kulturindustrie.
Eine kritische Zeitgenossenschaft
Im aktuellen künstlerischen Kontext, geprägt von einer problematischen Rückkehr zur traditionellen Figuration und einer zunehmenden kommerziellen Standardisierung, schlägt Katz’ Arbeit einen alternativen Weg vor. Ihre Ablehnung kitschiger Vereinfachungen ebenso wie von billigen Provokationen zeigt eine seltene künstlerische Reife. Sie beweist, dass es möglich ist, zugänglich zu sein, ohne gefällig zu sein, komplex, ohne hermetisch zu wirken, zeitgenössisch, ohne opportunistisch zu sein.
Diese kritische Haltung zeigt sich besonders in ihrem Verhältnis zur Kunstindustrie. Ihr Auftritt in einer Werbekampagne von Miu Miu, die sie später als malerisches Material in M.A.S.K. verarbeitet, offenbart eine Fähigkeit, mit den Codes des Spektakels zu spielen und dabei eine kritische Distanz zu bewahren. Diese Strategie der Infiltration, bei der das Spiel akzeptiert wird, um es besser umzulenken, erinnert an die besten Erfolge der kritischen Kunst der 1960er Jahre.
Ihr internationaler Erfolg, die Teilnahme an der Biennale von Venedig 2022, Ausstellungen in den renommiertesten Institutionen sowie die Vertretung durch internationale Galerien haben sie nicht von ihren grundlegenden Fragestellungen abgebracht. Dieser Widerstand gegen die Verlockungen des Marktes enthüllt eine künstlerische Integrität, die in einem von kommerziellen Logiken oft korrumpierten Umfeld Bewunderung hervorruft.
Die jüngste Entwicklung ihrer Arbeit, geprägt von einer Komplexifizierung der Ausstellungsdispositive und einer Erweiterung ihres konzeptuellen Spektrums, zeigt eine Künstlerin auf dem Höhepunkt ihrer Reife. Allison Katz hat jene seltene Zone erreicht, in der technische Virtuosität und konzeptuelle Tiefe sich gegenseitig nähren, um eine wahrhaft persönliche künstlerische Sprache zu schaffen.
Ihre Fähigkeit, ihren Ansatz ständig zu erneuern und dabei eine tiefe Kohärenz zu bewahren, zeugt von einem außergewöhnlichen Verständnis der zeitgenössischen Malerei. In einer Welt, die von Bildern überflutet ist, gelingt es ihr, visuelle Objekte zu schaffen, die den Blick fesseln und zum Nachdenken anregen. Diese Fähigkeit des Anhaltens, des Aussetzens des zeitgenössischen visuellen Flusses, ist vielleicht ihr größter Erfolg.
Die Intelligenz von Katz liegt in ihrer Fähigkeit, Zwänge in kreative Chancen zu verwandeln. Die Grenzen des malerischen Mediums werden zum Anlass für Erfindungen, die Codes der traditionellen Ausstellung werden umgedeutet, um neue Erfahrungen zu schaffen, kulturelle Referenzen werden recycelt, um neue Bedeutung zu generieren. Diese transformative Alchemie offenbart ein authentisches künstlerisches Temperament, das seinen Ansatz fortwährend regenerieren kann, ohne je seinen roten Faden zu verlieren.
Die Arterie und das Herz
Angesichts des Werks von Allison Katz erkennen wir die Distanz zwischen wahrer Kunst und ihren zahlreichen zeitgenössischen Fälschungen. Wo andere sich mit der Illustration ihrer Intentionen begnügen, erfindet sie eine Sprache. Wo andere bewährte Formeln wiederholen, wagt sie das Unbekannte. Wo andere zu gefallen suchen, wählt sie das Hinterfragen.
Der Titel “Artery” klingt heute wie eine perfekte Metapher für ihren künstlerischen Ansatz. Die Arterie versorgt, nährt und erhält das Leben. Sie verbindet das Herz mit den Extremitäten, gewährleistet den lebenswichtigen Kreislauf, ermöglicht Austausch und Erneuerung. Diese zirkulatorische Funktion übernimmt Katz voll und ganz in der zeitgenössischen Kunstlandschaft. Ihre Werke lassen den Sinn zwischen Vergangenheit und Gegenwart, Intimität und Universellem, Trivialem und Erhabenem zirkulieren.
Diese Fähigkeit des Fließens offenbart eine tief großzügige Auffassung von Kunst. Allison Katz lehnt sowohl Hochmut des Elitarismus als auch populistische Demagogie ab und schafft Werke, die gleichzeitig den aufgeklärten Liebhaber und den neugierigen Neuling ansprechen. Diese Zugänglichkeit wird niemals erleichtert: Sie resultiert aus einer technischen und konzeptuellen Beherrschung, die es erlaubt, die komplexesten Themen mit scheinbarer Einfachheit zu behandeln.
Ihr Einfluss auf die junge Künstlergeneration ist bereits spürbar. Dieser hybride Ansatz, der malerische Virtuosität mit konzeptueller Raffinesse, Autobiographie mit theoretischer Reflexion, Humor mit Tiefe verbindet, eröffnet neue Wege für eine zeitgenössische Malerei, die oft in reduzierenden Alternativen gefangen ist. Sie beweist, dass es möglich ist, zugleich in der Tradition verwurzelt und resolut zeitgenössisch, persönlich und universell, zugänglich und herausfordernd zu sein.
Katz’ Werk zeigt auch die entscheidende Bedeutung von Intelligenz in der zeitgenössischen Kunstschaffung. Angesichts eines Kunstmarkts, der oft von Modeeffekten und Marketingstrategien dominiert wird, erinnert sie daran, dass wahre Kunst ebenso aus Gedanken wie aus Empfindung entsteht. Diese intellektuelle Dimension entzieht der Emotion das Leben nicht, sondern nährt und bereichert sie und schafft Werke, die dem Verschleiß der Zeit und der visuellen Übersättigung standhalten.
In einer Welt, in der Bilder sich vermehren, ohne Bedeutung zu schaffen, in der Kommunikation zu oft die Gemeinschaft ersetzt, in der Unmittelbarkeit die Dauer verwischt, erinnert uns die Kunst von Allison Katz an die Tugenden von Langsamkeit, Nachdenklichkeit und fortschreitender Vertiefung. Ihre Gemälde erfordern Zeit, Zeit zum Schauen, Zeit zum Verstehen und Zeit, ihre subtilen Zauber wirken zu lassen. Diese spezifische Temporalität, die sich der zeitgenössischen Unmittelbarkeit entzieht, ist vielleicht ihr wertvollster Beitrag.
Die kanadische Künstlerin bietet uns letztlich mehr als einen bemerkenswerten Werkbestand: Sie gibt uns eine Lektion kreativer Freiheit. Ihre Fähigkeit, beständig neue plastische Lösungen zu erfinden, ihren formalen Wortschatz ständig zu erneuern und zu überraschen, während sie ihre tiefe Kohärenz bewahrt, offenbart die unendlichen Möglichkeiten, die der zeitgenössischen Malerei noch offenstehen. In einem oft von Pessimismus und Wiederholung geprägten Kontext ist diese schöpferische Energie ein wertvoller Anreiz.
Denn es geht wirklich um Energie. Die Energie jener, die ausgetretene Pfade ablehnen, die Energie jener, die Zwänge in Freiheiten verwandeln, die Energie jener, die weiterhin an die spezifischen Kräfte der Malerei in einer Welt voller digitaler Bilder glauben. Diese Energie gibt Allison Katz großzügig an jene weiter, die sie zu empfangen wissen, und schafft um ihr Werk jene Gemeinschaft freier Geister, die das wahre Publikum der zeitgenössischen Kunst bildet.
Das Werk von Allison Katz erinnert uns daran, dass Kunst auf ihrem höchsten Niveau diese “geheime Transaktion” bleibt, von der Virginia Woolf sprach, diese “Stimme, die auf eine Stimme antwortet”, die die Jahrhunderte durchquert und das Bewusstsein vereint. Im zeitgenössischen visuellen Lärm gelingt es ihr, diese eigenständige Stimme hörbar zu machen, die jeden verwandelt, der sie zu hören weiß. Diese Fähigkeit der Verwandlung, individuell und kollektiv, ist vielleicht das schönste Versprechen ihrer Kunst: das eines Welt, in der Intelligenz und Sensibilität, Tradition und Innovation, das Persönliche und das Universelle endlich harmonisch miteinander dialogisieren könnten.
- Virginia Woolf, Orlando, 1928. Dieses oft von Katz zitierte Zitat stammt aus der Passage: “Was not writing poetry a secret transaction, a voice answering a voice?”
- Jacques Lacan, “Der Spiegelstadium als Formator der Ich-Funktion”, Écrits, Seuil, 1966.
