Hört mir gut zu, ihr Snobs. Wenn Angel Otero methodisch seine Ölfarbhäute vom Plexiglas abzieht, um sie auf Leinwand neu zu komponieren, manipuliert er nicht nur ein Material. Er inszeniert eine wahre Archäologie des Bewusstseins, bei der jede technische Geste zum Ausdruck einer Philosophie der wiedergewonnenen Zeit wird. Dieser puerto-ricanische Maler, geboren 1981 in Santurce, begnügt sich nicht damit zu malen: Er dekonstruiert den Akt des Malens selbst, um ihn besser neu zu erfinden und schafft dabei ein Werk, das sowohl die Materialität der Kunst als auch die intimen Mechanismen des Gedächtnisses hinterfragt.
Oteros Einzigartigkeit liegt in diesem mühevollen Prozess, den er im Laufe der Jahre entwickelt hat. Er beginnt damit, auf Plexiglas zu malen und arbeitet in aufeinanderfolgenden Schichten. Dann lässt er diese malerische Substanz teilweise trocknen, bevor er sie buchstäblich von ihrem ursprünglichen Träger abzieht. Diese “Häute” aus Öl, zerknittert, zerrissen und auf neuen Trägern wieder aufgeklebt, tragen die Spuren dieser schöpferischen Gewalt in sich. Diese Methode ist nicht bloß eine technische Marotte: Sie stellt eine kraftvolle Metapher für die erinnerungsbezogene Bedingung selbst dar, bei der die Vergangenheit uns niemals unversehrt erreicht, sondern immer verfälscht, verzerrt durch die Zeit und die Manipulationen des Bewusstseins.
Oteros Werk wurzelt tief in einer Reflexion über karibische Identität und die Diaspora-Bedingung. Geboren in Puerto Rico, ausgebildet in Chicago und dann in New York ansässig, trägt der Künstler die geografische Vielschichtigkeit in sich, die viele zeitgenössische Künstler kennzeichnet. Seine jüngsten Leinwände, insbesondere jene, die 2023 unter dem suggestiven Titel “The Sea Remembers” bei Hauser & Wirth ausgestellt wurden, entfalten eine häusliche Vorstellungskraft, die von Abwesenheit heimgesucht wird. Rattanstühle, Badewannen mit Löwenfüßen, Wählscheibentelefone, Gebisse in Wassergläsern: Eine ganze emotionale Möblierung bevölkert diese Kompositionen, in denen die Figuration aus dem abstrakten Moloch emportaucht, wie Erinnerungen, die an die Oberfläche des Bewusstseins steigen.
Dieser Ansatz findet eine beunruhigende Resonanz im literarischen Werk von Jorge Luis Borges [1], besonders in dessen Konzept von Zeit und Gedächtnis. Wie der argentinische Schriftsteller versteht Otero, dass die Vergangenheit nur in ihrer gegenwärtigen Rekonstruktion existiert, die immer lückenhaft und verzerrt ist. In “Fictions” schreibt Borges diese prophetischen Worte: “Zeit ist die Substanz, aus der ich gemacht bin.” Dieser Satz könnte als Epigraph für das gesamte Werk Oteros dienen, so sehr scheint seine künstlerische Praxis diese Intuition Borges zu materialisieren. Die Farbhäute, die der Künstler bearbeitet, tragen eine geschichtete Temporalität in sich, wobei jede Schicht einem anderen Moment der Schöpfung, aber auch des persönlichen und kollektiven Gedächtnisses entspricht.
Die von Otero seit 2010 entwickelte Technik der “oil skins” ähnelt der literarischen Methode von Borges, bei der Referenzen überlagert, Zeitlichkeiten verflochten und die Gegenwart zum Treffpunkt aller möglichen Vergangenheiten gemacht werden. Wenn Otero seine Plexiglas-Gemälde abkratzt, reproduziert er gestisch das, was Borges narrativ vollbringt: Er zeigt die Unnatürlichkeit jeder erinnerungstechnischen Rekonstruktion auf und macht zugleich deutlich, dass gerade diese Künstlichkeit Wahrheit birgt. Die Verzerrungen, die seine gemalten Bilder erfahren, sind keine Unfälle: Sie sind der Kern seiner Vorgehensweise, denn sie machen den Prozess sichtbar, durch den Erinnerung entsteht und sich verformt.
Diese Nähe zur Ästhetik von Borges zeigt sich auch in der Art und Weise, wie Otero den häuslichen Raum behandelt. Seine leergeräumten Innenräume erinnern an die labyrinthartigen Häuser von Borges, jene Räume, in denen die Architektur selbst zur Metapher der Psyche wird. In “The House of Asterion” schreibt Borges: “Das Haus ist so groß wie die Welt; oder besser gesagt, es ist die Welt.” Oteros Innenräume funktionieren nach derselben Logik: Sie stellen nicht einfach häusliche Räume dar, sondern geben dem mentalen Raum, in dem sich die Erinnerungen entfalten, eine plastische Form. Die Gegenstände, die seine Bilder bevölkern, dieser umgestürzte Stuhl in “Birdsong”, dieses versunkene Klavier in “The Sea Remembers”, sind keine einfachen Stillleben, sondern Fragmente einer inneren Welt, die sich durch die Malerei rekonstruieren will.
Der Einfluss von Borges auf Otero beschränkt sich nicht auf dieses gemeinsame Verständnis von Zeit und Raum: Er berührt auch die Frage kultureller Identität. Borges, ein argentinischer Schriftsteller europäischer Literatur, hat sein Leben damit verbracht, die Beziehungen zwischen Zentrum und Peripherie, zwischen Tradition und Innovation zu hinterfragen. Otero, ein puerto-ricanischer Künstler, der an amerikanischen Kunstinstitutionen ausgebildet wurde, bewegt sich in einem ähnlichen Problemkreis. Seine jüngste Arbeit zeugt von dieser produktiven Spannung zwischen lokalem Erbe und internationalisiertem künstlerischem Sprachgebrauch. Die Keramikfliesen, die seine jüngsten Kompositionen durchziehen, verweisen direkt auf die puerto-ricanische Wohnarchitektur, sind aber eingebettet in eine Ästhetik, die mit den großen Meistern der amerikanischen Abstraktion in Dialog tritt.
Diese kulturelle Dimension von Oteros Werk kann ohne Bezugnahme auf die Alltagsanthropologie von Michel de Certeau [2] nicht verstanden werden. In “L’Invention du quotidien” analysiert de Certeau die “Künste des Handelns”, durch die Individuen den ihnen auferlegten Raum und die Zeit aneignen, die dominanten Strukturen abwandeln, um Räume der Freiheit und persönlichen Ausdrucksmöglichkeiten zu schaffen. Oteros künstlerische Praxis fügt sich voll in diese Logik der kreativen Umdeutung ein. Indem er die Ölmalerei auf neuartige Weise handhabt, verwandelt er ein traditionelles Medium in ein Werkzeug zeitgenössischen Ausdrucks.
Oteros oil skins können als plastische Verkörperung jener “Taktiken” verstanden werden, die de Certeau den “Strategien” der Macht gegenüberstellt. Wo die traditionelle Malerei ihre Regeln und materiellen Zwänge aufzwingt, entwickelt Otero eine Taktik, die es ihm ermöglicht, diese Beschränkungen zu umgehen und gleichzeitig die historischen Errungenschaften des Mediums zu bewahren. Er lehnt die malerische Tradition nicht ab, sondern erfindet sie im Innern neu und schafft Werke, die zugleich tief innovativ und überraschend treu dem Geist großer Malerei sind.
Dieser taktische Ansatz zeigt sich besonders in der Art und Weise, wie Otero die Frage der kulturellen Authentizität behandelt. Anstatt eine rein puerto-ricanische Identität zu beanspruchen oder sich vollständig in die nordamerikanische Kunstkultur zu assimilieren, erfindet er eine dritte Position, die von verschiedenen Traditionen entlehnt ist, ohne jemals auf eine davon reduziert zu werden. Seine Bezüge zum spanischen Barock stehen neben Anspielungen auf den amerikanischen abstrakten Expressionismus, doch diese Einflüsse werden niemals wörtlich zitiert: Sie werden stets durch seinen materiellen Transformationsprozess gefiltert.
De Certeau zeigt, dass Alltagspraktiken immer an eine spezifische zeitliche Dimension gebunden sind: Sie verankern sich im gegenwärtigen Moment und tragen zugleich die Erinnerung an vergangene Gesten in sich. Diese komplexe Temporalität findet ihr genaues Äquivalent in Oteros Technik. Jede Farbschicht trägt die Spuren der verschiedenen Momente ihrer Entstehung: die Zeit der Anfangsbemalung auf Plexiglas, die teilweise Trocknung, das Abreißen, die Rekombination auf der Leinwand. Diese zeitliche Stratigraphie verleiht Oteros Werken ihre besondere Dichte, diesen Eindruck, dass sie mehrere Zeiten gleichzeitig in sich tragen.
Die anthropologische Dimension von Oteros Arbeit tritt besonders kraftvoll in seinen jüngeren Werken zu den häuslichen Innenräumen zutage. Diese von ihren Bewohnern geleerten, aber mit persönlichen Gegenständen gesättigten Räume offenbaren das, was de Certeau „den gelebten Raum” nennt, diesen häuslichen Raum, der durch die Gewohnheiten und alltäglichen Gesten seiner Bewohner geformt wird. Die Stühle, Tische, Badewannen und andere Möbelstücke, die Otero malt, sind niemals neutral: Sie tragen den Abdruck der Körper, die sie benutzt haben, der Rituale, die sich darin entfaltet haben.
Diese Aufmerksamkeit für den häuslichen Alltag geht bei Otero einher mit einer Reflexion über kulturelle Weitergabe. Seine ständigen Bezüge zu seiner Großmutter, zu seinem Haus in Santurce, zu den vertrauten Gegenständen seiner Kindheit zeugen von dem Wunsch, eine familiäre und gemeinschaftliche Erinnerung zu bewahren und weiterzugeben. Doch diese Weitergabe erfolgt nicht im Modus getreuer Reproduktion: Sie vollzieht sich durch Transformation, Verzerrung, Neuerfindung. Wie de Certeau gezeigt hat, wird Tradition niemals identisch weitergegeben, sondern stets durch Anpassungen und kreative Umdeutungen.
Diese Dialektik zwischen Bewahrung und Innovation stellt vielleicht den interessantesten Aspekt von Oteros Arbeit dar. Seine oil skins bewahren materiell die Spuren ihrer ursprünglichen Entstehung und transformieren sie zugleich radikal. Diese Bewahrung durch Transformation findet ihr theoretisches Pendant in de Certeaus Auffassung der Künste des Machens: Sie ermöglichen es, das Wesentliche einer Kultur zu bewahren und sie gleichzeitig an die gegenwärtigen Bedingungen anzupassen.
Die jüngste Entwicklung von Oteros Arbeit zeugt von einer bemerkenswerten künstlerischen Reife. Seine Ausstellungen von 2022 bis 2024, insbesondere “Swimming Where Time Was” bei Hauser & Wirth und “That First Rain in May” in derselben Galerie, zeigen einen Künstler, der seine Einzigartigkeit voll angenommen hat. Die Kompositionen gewinnen an narrativer Komplexität, ohne ihre abstrakte Kraft zu verlieren, und offenbaren ein feines Gleichgewicht zwischen figürlicher Lesbarkeit und formaler Erfindung.
Diese Entwicklung geht einher mit einer Erweiterung seines plastischen Vokabulars. Otero integriert nun skulpturale Elemente in seine Werke, insbesondere in “Rayuela (Hopscotch)”, wo er Keramik und Schmiedeeisen verbindet in Anspielung auf die schmiedeeisernen Gitter aus seiner puerto-ricanischen Kindheit. Diese Öffnung zur Skulptur markiert eine neue Etappe in seiner Erforschung der expressiven Möglichkeiten seiner Materialien, bestätigt zugleich aber seine Verbundenheit zu den erinnerungsträchtigen Bezügen, die seiner Fantasie Nahrung geben.
Der internationale Einfluss von Otero zeugt von der zeitgenössischen Relevanz seines Ansatzes. Seine Werke befinden sich mittlerweile in den Sammlungen des Guggenheim Museums, des Museum of Contemporary Art in Chicago und des Istanbul Modern, was die Fähigkeit seiner Kunst offenbart, mit verschiedenen kulturellen Kontexten zu kommunizieren und dabei ihre Besonderheit zu bewahren. Diese internationale Anerkennung scheint die Radikalität seiner Forschung nicht beeinträchtigt zu haben: Seine neuesten Werke setzen die Erkundung der Ausdrucksmöglichkeiten seiner oil skins mit erneuerter Erfindungskraft fort.
Angel Oteros Platz in der zeitgenössischen Kunst beschränkt sich nicht auf die Originalität seiner Technik. Er beruht auf seiner Fähigkeit, die grundlegenden Fragen der Malerei, Materialität, Zeitlichkeit und Erinnerung durch einen Ansatz zu erneuern, der formale Innovation und konzeptionelle Tiefe vereint. Indem er eine Technik erfunden hat, die Gedächtnisprozesse materialisiert, hat Otero eine plastische Sprache von bemerkenswerter Einzigartigkeit geschaffen, die in der Lage ist, die subtilsten Mechanismen des zeitlichen Bewusstseins zu gestalten.
Sein Werk zeugt auch von einer seltenen Fähigkeit, persönliche Erfahrung und universelle Fragestellungen zu verbinden. Seine Bezüge zur puerto-ricanischen Kindheit schränken die Reichweite seines Anliegens keineswegs ein, sondern verleihen ihm im Gegenteil jene emotionale Authentizität, die es der Kunst ermöglicht, über kulturelle Barrieren hinweg zu wirken. Indem er seine eigene Erinnerung in künstlerisches Material verwandelt hat, hat Otero eine Kunst geschaffen, die das Gedächtnis jedes Einzelnen anspricht und die universellen Mechanismen offenbart, durch die wir unsere Beziehung zu Zeit und Raum konstruieren.
Die Zukunft wird zeigen, ob dieses Werk seine Innovationskraft angesichts der Herausforderungen des zeitgenössischen Kunstmarkts aufrechterhalten kann. Doch schon jetzt ist es Angel Otero gelungen, ein künstlerisches Gesamtwerk von bemerkenswerter Kohärenz und Originalität zu schaffen, das unser Verständnis davon, was Malerei heute sein kann, erneuert. In einer von Bildern übersättigten Welt ist es ihm gelungen, einen Ansatz zu erfinden, der der malerischen Materialität ihre emotionale und konzeptuelle Kraft zurückgibt und beweist, dass die Kunst des Malens ihre Ausdrucksmöglichkeiten noch nicht erschöpft hat.
- Borges, Jorge Luis, Fiktionen, französische Übersetzung, Paris, Gallimard, 1957.
- De Certeau, Michel, Die Erfindung des Alltags. 1. Die Kunst des Handelns, Paris, Union générale d’éditions, 1980.
