Bernard Frize: Die Methode des Unvorhersehbaren

Hört mir gut zu, ihr Snobs. Ihr dachtet, die abstrakte Malerei habe nach dem abstrakten Expressionismus, nach dem Minimalismus, nach diesem letzten Jahrzehnt der zum Ausdrucken in Instagram bereitstehenden Malerei nichts mehr zu lehren? Bernard Frize beweist euch das Gegenteil mit einer Lässigkeit, die fast beleidigend wirkt.

Frize ist jener seltene Künstler, der gewagt hat, das zu tun, wozu fast niemand den Mut hatte: eine völlig neue Art des Bildermachens zu erfinden. Und das Brillanteste daran? Er behauptet, nichts zu erfinden. “Es ist nicht mein persönliches Ego, das ich in meiner Malerei ausstelle”, sagt er. “Niemand interessiert sich für mein Ego.” ^[1] Eine erfrischende Bescheidenheit in einer Welt, in der heutzutage jeder Pinselverschmierter sich für die Reinkarnation Michelangelos hält.

Frizes Werk ist ein wandelndes Paradoxon, das auf einem Drahtseil zwischen Beschränkung und Freiheit, zwischen Determinismus und Zufall balanciert. Er etabliert strenge Regeln, präzise Protokolle, dann lässt er die Farbe die Oberhand gewinnen, sich dahin fließen, wo sie will. Es ist, als ob ein Schachspieler beschließt, die Regeln perfekt zu befolgen, aber sich weigert, eine Strategie zu haben. Das Ergebnis? Glatte, glänzende, hypnotische Flächen, die Sie in ihren chromatischen Strudel einsaugen, bevor Sie verstehen, was mit Ihnen geschieht.

In einer Serie wie “Suite Segond” ließ Frize industrielle Farbdosen trocknen, um die kreisförmigen Krusten an der Oberfläche zu sammeln, die er dann auf Leinwand platzierte. Eine Farbe, die sich praktisch selbst generiert, mit minimalen Eingriffen. Es ist ein konzeptueller Geistesblitz, der Duchamp vor Neid hätte weinen lassen. Aber das hat nichts mit einer willkürlichen dadaistischen Geste zu tun, es ist vielmehr eine tiefgründige Frage darüber, was den Akt des Malens ausmacht.

Frizes Ansatz erinnert auf eigentümliche Weise an den Komponisten John Cage, der den Zufall die Struktur seiner Musikkompositionen bestimmen ließ. Wie Cage mit seinen zufälligen Partituren erfindet Frize Systeme, die unvorhersehbare Ergebnisse erzeugen. In “4’33″” bittet Cage die Musiker, ihr Instrument genau vier Minuten und dreiunddreißig Sekunden lang nicht zu spielen und lässt die Umgebungsgeräusche das Werk ausmachen. Ähnlich setzt Frize strenge Beschränkungen, um dann äußeren Kräften wie der Schwerkraft, der Viskosität der Farbe, den chemischen Eigenschaften der Pigmente zu erlauben, das Werk zu vervollständigen. ^[2]

Cages Stille ist nie wirklich still, und Frizes leere Leinwände sind nie wirklich leer. Sein Gemälde “Emir”, in dem er versuchte, eine Emulsion aus zwei Farben zu trennen, offenbart plötzlich die Illusion einer traditionellen chinesischen Landschaft durch vertikale Streifen. Wie Cage sagte: “Ich habe nichts zu sagen und ich sage es,” könnte Frize behaupten: “Ich habe nichts zu malen und ich male es.” ^[3]

Dieser methodische, aber dem Zufall offene Ansatz erinnert an Cages Musik, die strukturiert, aber unvorhersehbar war. Cage nutzte Methoden wie das I Ging, um kompositorische Entscheidungen zu treffen, und schuf Partituren, die sowohl streng bestimmt als auch völlig zufällig waren. Ebenso stellt Frize strenge Protokolle auf, die dann den Eingriff des Zufalls ermöglichen. “Die meiste Zeit sind meine Gemälde sehr einfach und jeder könnte sie machen. An ihnen ist nichts Besonderes,” sagt er mit falscher Bescheidenheit, die eine tiefe Wahrheit verbirgt. ^[4]

Frize und Cage teilen den Willen, ihre Subjektivität aus dem Werk zu entfernen. Cage erklärt: “Ich habe mir zur Aufgabe gemacht, die Intentionalität zu eliminieren,” während Frize sagt: “Ich bemühe mich, ein Gemälde mit so wenig Entscheidungen wie möglich zu machen.” ^[5] Dieses freiwillige Fehlen des Künstlers öffnet einen Raum, in dem das Werk atmen und für sich selbst existieren kann, ohne die Last des schöpferischen Egos.

Was ich an Frize bewundere, ist, dass er diese Philosophie nicht nur anwendet, sondern sie bis zu ihrem Bruchpunkt treibt. In seinen Gemälden wie “Bork” von 2018 schafft er ein komplexes Flechtmuster, indem er durchsichtige Juwelengänge mit einem breiten Pinsel über die Leinwand zieht. Das Ergebnis ist zugleich methodisch und chaotisch, ordentlich und unordentlich. Er erstellt ein modernistisches Raster und lässt dann die Farbe tun, was sie will. ^[6]

Und genau darin liegt die grundlegende Spannung seiner Arbeit: zwischen Ordnung und Unordnung, zwischen Kontrolle und Hingabe. Seine Gemälde sind wie perfekt gepflegte Zen-Gärten, in denen man absichtlich einige Unkräuter wachsen ließ. Oder wie eine Mozart-Symphonie, gespielt von einem Orchester, in dem jeder Musiker leicht verstimmt wäre.

In seinem Werk “Spitz” füllt er die Leinwandoberfläche mit einem einzigen Pinselstrich, ausgeführt mit einem Bündel von 15 Pinseln, dabei den Bewegungen einer Komposition folgend, die aus einem Geometrielehrbuch stammt und alle möglichen Züge eines Springers auf einem Schachbrett zeichnet. ^[7] Es ist, als hätte John Cage beschlossen, eine Fuge von Bach zu komponieren, aber dabei das Klavier während der Aufführung allmählich verstimmen lassen.

Frizes Vorgehen erinnert auch an die Literatur der OuLiPo, jener französischen Schriftstellergruppe, die sich willkürliche, aber fruchtbare literarische Zwänge auferlegte. Wie Georges Perec, der “La Disparition” schrieb, einen ganzen Roman ohne den Buchstaben ‚e‘, setzt Frize sich malerische Zwänge, die paradoxerweise seine Kreativität eher befreien als einschränken. ^[8]

Perec schuf monumentale Werke aus scheinbar unmöglichen Beschränkungen; sein Meisterwerk “La Vie mode d’emploi” ist auf einem komplexen System mathematischer Zwänge aufgebaut. Ebenso verwendet Frize Regeln und Protokolle, um Werke von überraschender Schönheit zu erzeugen. “Zwänge beschränken mich nicht, sie befreien mich und zwingen mich, kreativ zu sein”, könnte er sagen, und damit das Credo der OuLiPo bestätigen. ^[9]

In seinem Roman “La Disparition” musste Perec neue Ausdrucksformen erfinden, ohne je den häufigsten Buchstaben der französischen Sprache zu verwenden. Diese Einschränkung erzeugte einen seltsamen, verdrehten, aber wunderbar erfinderischen Stil. Frize verbietet sich auf ähnliche Weise traditionelle Malerhandlungen, wie etwa das Auswählen von Farben nach persönlichem Geschmack oder das Ausdrücken von Emotionen, was ihn zwingt, alternative Wege zu finden, faszinierende Bilder zu schaffen. ^[10]

Für die OuLiPo war der Zwang kein Hindernis, sondern ein Katalysator. Raymond Queneau, einer der Gründer der Gruppe, schrieb “Exercices de style”, in dem er dieselbe banale Anekdote auf 99 verschiedene Weisen darstellt. Diese methodische Erkundung der Möglichkeiten erinnert an Frizes Serien, in denen er alle möglichen Varianten einer malerischen Herangehensweise auslotet. ^[11]

“Ich bin nicht gut darin, einzelne Gemälde zu machen; ich brauche das Aufwärmen und Experimentieren durch mehrere ähnliche Gemälde”, erklärt Frize. “Das Konzentrieren auf eine Serie ermöglicht es mir auch, ein Ende und einen Ausweg zu finden. Die Wiederholung gibt mir die Möglichkeit, zu präzisieren, was ich tun will, und öffnet zugleich den Weg für den Beginn der nächsten Serie.” ^[12] Wie ein OuLiPo-Schriftsteller, der alle möglichen Permutationen eines Zwanges erforscht, bevor er zum nächsten übergeht.

Diese serielle Methode ist perfekt veranschaulicht in der Installation, die er bei Perrotin präsentierte: fünf identische quadratische Leinwände, jede in sechsunddreißig Quadrate unterteilt, mit einem roten oder grünen Stift vor dem Bemalen markiert. Die leichten Variationen in der Farbauftragstechnik von Leinwand zu Leinwand erzeugten Patchwork-artige Kompositionen, die von einer Pastellwürfeln gut geordneten Leinwand (“Epa”, 2018) bis zu einem lebhaften, herablaufenden Madras-Muster (“Buc”, 2018) reichen. ^[13]

Was ich an Frize liebe, ist seine Fähigkeit, Werke zu schaffen, die sowohl äußerst kalkuliert als auch völlig spontan wirken. So, als wäre ein Computer programmiert worden, um Jazz zu improvisieren. Seine Leinwände sind visuelle Algorithmen, die Fehler, Zufall und Unvorhergesehenes zulassen. Und genau diese Spannung macht sie so hypnotisch.

Das Werk “Aran” (1992) zeigt fortlaufende Linien, die durch Frizes technische Meisterschaft wie psychedelische Inseln zwischen wahrnehmbaren Wellen erscheinen. Den Linien auf dieser Leinwand zu folgen ist, als würde man Rennwagen beobachten, die mit speziellen Überholmanövern über eine Rennstrecke fahren. Es ist keine wirklich unmögliche Aufgabe, aber doch beinahe. ^[14]

In seinen neuesten Werken, wie “Gise” (2023), malt Frize zwei Gipfel oben und unten auf die Leinwand. Diese glühenden Gemälde erinnern an traumhafte Landschaften, aber für Frize liegt die Bedeutung dieser Bilder in ihren technischen Unterschieden, von der Farbpalette bis zu den variierenden Pinselstrichen. ^[15] Wie ein oulipischer Schriftsteller, der alle möglichen Variationen einer einzigen Einschränkung erforscht.

Man könnte argumentieren, dass dieser methodische Ansatz kalt, distanziert und intellektuell ist. Aber dabei vergisst man die außergewöhnliche Sinnlichkeit seiner Oberflächen. Seine Leinwände glänzen wie nasse Bonbons, deren fließende Farben zum Berühren einladen (tun Sie es nicht, die Museumsmacher würden das nicht schätzen). Frize hat einen Weg gefunden, visuell verführerische Werke zu schaffen, ohne in die Falle des persönlichen Ausdrucks oder guten Geschmacks zu tappen.

Es ist interessant zu sehen, wie Frize diese Philosophie des “Nicht-Auswahl” sogar auf seine Palette anwendet. Er verwendet immer dieselben acht Farben, zwei Blautöne, zwei Rottöne, zwei Gelbtöne usw., die ihm genügend Kombinationen bieten, sodass er keinen Sinn darin sieht, sie zu ändern. “Meistens male ich nur mit fünf oder sechs Farben. Sie sind sehr rein, daher mischen sie sich und ermöglichen alle nötigen Variationen,” erklärt er. ^[16]

Seine komplizierte Beziehung zur Farbe, seine Leinwände sind gesättigt mit zahlreichen Nuancen, doch er kann kaum als Kolorist bezeichnet werden, ist ein weiteres Paradox, das sein Werk definiert. Er schwört auf eine Gleichgültigkeit gegenüber Farbe, lehnt sie als Ausdrucksvehikel ab, doch sie ist zu seinem Markenzeichen geworden. “Ich denke nicht, dass Malerei eine Frage des Geschmacks ist,” sagt er. “Ich habe bemerkt, dass ein Sammler einfach seine Vorhänge auf die Farbe meiner Malerei abgestimmt hat. Diese Art von Dekoration interessierte mich nicht.” ^[17]

Diese gleichgültige Haltung gegenüber Ästhetik ist erfrischend in einer Kunstwelt, die Werke oft nach ihrer Schönheit bewertet. Frize ist es völlig egal, ob seine Bilder schön sind oder nicht, was sie durch eine seltsame Wendung des Schicksals oft wunderschön macht. Es ist wie bei Menschen, die gerade dadurch sexy sind, dass sie sich keine Sorgen um ihr Aussehen machen.

Frizes Arbeit erinnert uns daran, dass die Malerei nicht tot ist, sondern ständig neu erfunden werden muss. Wie er selbst sagt: “Manche Menschen haben beschlossen, als Akt der Macht und des politischen Spiels, dass die Malerei in den 1970er Jahren gestorben ist. Aber die Maler haben sich gegen dieses Urteil gewehrt, und tatsächlich ist sie nie gestorben.” ^[18]

Was Bernard Frize so fesselnd macht, ist dieser ständige Tanz zwischen Einschränkung und Freiheit, zwischen Methode und Zufall, zwischen Distanz und Sinnlichkeit. Wie ein Jazzspieler, der seine Musiktheorie perfekt kennt, aber weiß, wann er davon abweichen muss, ist Frize ein Meister der Kontrolle und des Loslassens. “Ich habe immer gedacht, dass die Ausübung der Malerei das Management von Widersprüchen ist,” sagt er. “Je mehr Paradoxe es gibt, desto interessanter ist die Malerei.” ^[19]

Und genau das macht sein Werk so faszinierend zu beobachten und zu betrachten. In einer Welt, die von Gewissheiten, festen Identitäten und klaren Definitionen besessen ist, schenkt uns Bernard Frize die Gabe der Mehrdeutigkeit, des Widerspruchs und des Paradoxons. Und dafür sollten wir ihm allen dankbar sein, ihr Snobs.

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1. Forbes, “Für den französischen Künstler Bernard Frize dreht sich beim Malen alles darum, keine Entscheidungen zu treffen und sich nicht auszudrücken”, 2019.
2. John Cage, “Stille: Vorträge und Schriften,” Wesleyan University Press, 1961.
3. Ebd.
4. Forbes, a.a.O.
5. Ocula Magazine, “Bernard Frize über die Widersprüche der Malerei,” 2019.
6. Artforum, “Bernard Frize,” 2019.
7. Forbes, a.a.O.
8. Georges Perec, “Das Verschwinden,” Gallimard, 1969.
9. Marcel Bénabou, “Regel und Zwang,” Pratiques, Nr. 39, 1983.
10. Ocula Magazine, a.a.O.
11. Raymond Queneau, “Übungen im Stil,” Gallimard, 1947.
12. Ocula Magazine, a.a.O.
13. Artforum, a.a.O.
14. Frieze, “Bernard Frize,” 1996.
15. Artsy, “New Artist Spotlight: Bernard Frize at Marian Goodman Gallery,” 2024.
16. Ocula Magazine, a.a.O.
17. Forbes, a.a.O.
18. Moussemagazine, “Ich versuche alle Winkel, um zur Malerei zu gelangen: Bernard Frize,” 2019.
19. Ocula Magazine, a.a.O.