Hört mir gut zu, ihr Snobs, die ihr meint, alles über amerikanische zeitgenössische Kunst zu wissen. Heute werde ich euch über Bo Bartlett erzählen, geboren 1955 in Columbus, Georgia. Ja, Georgia, dieser tief im Süden liegende Staat, den ihr von euren komfortablen New Yorker Zweitwohnungen aus so sehr verachtet.
Dieser amerikanische realistische Maler mit modernistischer Vision verdient es, genauer betrachtet zu werden, wenn nur, um eure wohlmeinenden Gewissheiten darüber, was zeitgenössische Kunst ist oder sein sollte, zu sprengen. Hört für zwei Minuten auf, euch vor den neuesten angesagten Konzeptinstallationen zu verneigen, und öffnet weit eure Augen.
Das Erste, was bei Bartlett auffällt: seine einzigartige Art, monumentale Gemälde zu schaffen, die filmische Inszenierungen des tiefen Amerikas sind. Seine Leinwände sind keine bloßen Bilder, sondern visuelle Theater, in denen das große Drama des amerikanischen Lebens gespielt wird. Wie Roland Barthes sagen würde, liegt genau in dieser bewussten Theatralik die Wahrheit seines Werks. Wenn er “Young Life” (1994) malt, eine Familie vor einem Pickup mit einem toten Hirsch auf dem Dach, ist das nicht nur eine Jagdszene, sondern eine kraftvolle Allegorie des zeitgenössischen Amerikas. Das Blut auf der Hose des Jägers, die Pose des jungen Jungen, der den bewaffneten Erwachsenen imitiert, all das bildet eine visuelle Choreographie, die von Weitergabe, ritualisierter Gewalt und maskuliner amerikanischer Identität erzählt.
Aber Vorsicht, Bartlett ist kein einfacher regionalistischer Chronist. Sein Genie besteht darin, das Lokale zu transzendieren, um das Universelle zu erreichen, ähnlich wie William Faulkner in der Literatur mit seinem imaginären Landkreis Yoknapatawpha. Wenn er seine weiten Südstaatenlandschaften, seine isolierten Häuser in unwirklichem Licht und seine Figuren in rätselhaften Posen malt, schafft er das, was Walter Benjamin “dialektische Bilder” nannte, Bilder, die historische Spannungen und verborgene Wahrheiten der Gegenwart verdichten.
Die zweite große Stärke von Bartlett liegt in seiner Fähigkeit, das zu erschaffen, was ich “unheimliche Vertrautheit” nennen würde. Seine Gemälde wirken zunächst normal, fast banal, aber es gibt immer ein störendes Element, das unseren Blick destabilisiert. Nehmen wir “Halloween” (2016) mit Kindern in Kostümen, die eine verlassene Straße überqueren. Die Szene wirkt gewöhnlich, bis man die seltsame Stille in der Komposition bemerkt, die totale Abwesenheit von Freude oder natürlicher Bewegung bei diesen kleinen Figuren, die eher einer Trauerprozession als einer fröhlichen Süßigkeitensuche ähneln. Das ist David Lynch in der Malerei, meine Freunde.
Diese Spannung zwischen Vertrautem und Fremdem treibt Bartlett bis zu dem Punkt, dass er das schafft, was der Philosoph Jacques Rancière als ein spezifisches “ästhetisches Regime” bezeichnen würde. Seine Gemälde funktionieren wie visuelle Fallen, die uns mit ihrer scheinbaren narrativen Einfachheit anlocken, um uns dann mit etwas Tieferem und Beunruhigendem zu konfrontieren. In “The American” (2016) richtet ein Mann im Anzug ein Gewehr auf einen unsichtbaren Bildausschnitt. Das Bild besitzt eine erschreckende Banalität, wie eine missglückte Pressefotografie.
1991 bezeichnete Roberta Smith von der New York Times seine Arbeit als “idiotisch”. Was für eine Ironie, wenn man heute die visionäre Kraft seiner Werke sieht! Bartlett hatte den Mut, trotz der Kritiken der New Yorker, die ihn für einen zurückgebliebenen Provinzler hielten, durchzuhalten. Er malte weiterhin seine großen narrativen Bilder, obwohl ihm alle sagten, das sei altmodisch, überholt, reaktionär.
Faszinierend ist seine Art, mit den Codes des amerikanischen Realismus zu spielen und sie zugleich subtil zu unterlaufen. Er nimmt das Erbe von Edward Hopper, Andrew Wyeth und Thomas Eakins, lässt es aber leicht entgleisen und schafft so das, was Gilles Deleuze als “Kristallbilder” bezeichnen würde, Bilder, in denen Realität und Virtualität, Gegenwart und Möglichkeit sich ständig vermischen und austauschen.
Schauen Sie, wie er das Licht in seinen Gemälden einsetzt. Es ist nicht das naturalistische Licht eines Wyeth noch das dramatische Licht eines Caravaggio, sondern etwas anderes, ein fast metaphysisches Licht, das die banalsten Szenen in Momente der Erleuchtung verwandelt. Susan Sontag hätte in diesem Gebrauch von Licht wahrscheinlich eine Form von unabsichtlichem “Camp” gesehen, eine übertriebene Theatralisierung des Alltäglichen, die letztlich tiefe Wahrheiten über das zeitgenössische Amerika offenbart.
Seine Figuren sind oft in Posen eingefroren, die an die lebenden Bilder des 19. Jahrhunderts erinnern, jedoch mit einer beunruhigenden psychologischen Dimension, die eher die Fotografien von Gregory Crewdson heraufbeschwört. Diese Spannung zwischen malerischer Tradition und psychologischer Moderne schafft, was Friedrich Nietzsche als “apollinisch-dionysisches Effekt” bezeichnet hätte, eine Fassade aus Ordnung und Harmonie, die ein nur schwer verhülltes Chaos darunter verbirgt.
Bartletts Genie liegt darin, erkannt zu haben, dass man, um über das zeitgenössische Amerika zu sprechen, paradoxerweise vom fotografischen Realismus abweichen muss. Seine Gemälde sind in ihrer Technik hyperrealistisch, aber in ihrer emotionalen Wirkung surrealistisch. Das ist das, was Maurice Merleau-Ponty als “perzeptiven Glauben” bezeichnete, die Fähigkeit der Malerei, uns die Welt anders sehen zu lassen, uns an dem zu zweifeln, was wir zu wissen glauben.
Nehmen Sie seine Serie “Lacunae”, die die Abweichungen zwischen etablierten Religionen und weltlichen Welten behandelt. Diese Gemälde sind keine bloßen Illustrationen theologischer Konzepte, sondern visuelle Erkundungen dessen, was Giorgio Agamben das “profane Heilige” nennt, jene Momente, in denen das Göttliche störend und unerklärlich in den Alltag einbricht.
Seine Technik ist zweifellos makellos, doch es ist seine konzeptionelle Kühnheit, die ihn wirklich auszeichnet. Er wagt es, monumentale Szenen zu malen in einer Zeit, in der die figurative Malerei von der Kunst-Elite als altmodisch angesehen wird. Er beharrt darauf, an die Fähigkeit der Malerei zu glauben, komplexe Geschichten zu erzählen, während die Mode minimalistische Installationen und flüchtige Performances bevorzugt.
Bemerkenswert bei Bartlett ist, dass er Bilder schafft, die auf mehreren Ebenen zugleich funktionieren. Seine Gemälde sind auf den ersten Blick zugänglich: Man kann einfach ihre formale Schönheit und technische Meisterschaft genießen. Doch sie enthalten auch tiefere Bedeutungsschichten, historische und kulturelle Referenzen, die ihre Betrachtung bereichern, ohne sie je hermetisch zu machen.
Seine Arbeit stellt eine grundlegende Frage: Wie malt man heute Amerika? Wie stellt man eine zutiefst gespaltene Nation dar, ohne in Klischees oder Propaganda zu verfallen? Seine Antwort ist es, das zu erschaffen, was Jacques Derrida “Spectres” nennen würde, Bilder, die unsere Gegenwart heimsuchen, indem sie gleichzeitig Vergangenheit und Zukunft heraufbeschwören.
Bartletts Stärke besteht darin, einen Stil geschaffen zu haben, der die einfachen Gegensätze zwischen Figuration und Abstraktion, zwischen Tradition und Moderne überwindet. Er malt Gemälde, die sowohl in ihrer Form klassisch als auch in ihrem Inhalt zutiefst zeitgenössisch sind. Das ist es, was Arthur Danto eine “posthistorische Kunst” genannt hätte, eine Kunst, die frei aus allen Traditionen schöpfen kann und dabei dennoch fest in ihrer Zeit verankert bleibt.
Seine großen narrativen Kompositionen funktionieren wie das, was Umberto Eco “offene Werke” nennen würde, sie deuten Geschichten an, ohne sie jemals aufzuzwingen, und lassen dem Betrachter die Freiheit, seine eigenen Interpretationen zu entwickeln. Das ist besonders deutlich in Werken wie “Homeland”, wo sich historische Bezüge mit zeitgenössischen Elementen vermischen, um eine komplexe und mehrdeutige Zeitlichkeit zu schaffen.
Bartlett wagt es, sich Zeit zu nehmen, seine Ideen über mehrere Jahre zu entwickeln und Werke zu schaffen, die langsame und aufmerksame Betrachtung verlangen. Er lehnt die Leichtigkeit spektakulärer Effekte ab und bevorzugt das, was Susan Sontag eine “Erotik der Kunst” nennen würde, einen Ansatz, der all unsere Sinne und unsere Intelligenz einbezieht.
Bartletts Mut besteht darin, an seiner Vision festzuhalten, als alle ihm sagten, dass narrative Malerei tot sei. Er glaubte weiterhin an die Fähigkeit der figurativen Kunst, über unsere Zeit zu sprechen und das zu schaffen, was Walter Benjamin “dialektische Bilder” nannte, Bilder, die die Widersprüche unserer Zeit in sich bündeln.
Seine Arbeit erinnert uns daran, dass Malerei uns noch immer überraschen, berühren und zum Nachdenken anregen kann. Also ja, lacht über seinen “Provincialismus”, macht euch über seine Anhänglichkeit an die Figuration lustig, aber vergesst nicht, dass die Kunstgeschichte voller Künstler ist, die zu Lebzeiten unverstanden waren, weil sie sich weigerten, den Moden zu folgen. Bo Bartlett ist vielleicht einer von ihnen, ein Maler, der sich entschieden hat, seiner Vision treu zu bleiben, statt die Gunst des Kunstmarktes zu suchen.
Und wenn Sie immer noch denken, dass figurative Malerei tot ist, schlage ich Ihnen vor, eine seiner Ausstellungen zu besuchen. Sie könnten überrascht sein zu entdecken, dass sie sehr lebendig ist und uns noch viel über unsere Zeit und über uns selbst zu sagen hat. Wie Nietzsche sagte: “Wir haben die Kunst, damit wir nicht an der Wahrheit sterben.” Bartletts Gemälde bieten uns genau das: eine Wahrheit, die uns nicht tötet, sondern uns hilft, unsere Welt und unseren Platz darin besser zu verstehen.
