Cecily Brown: Der malerische Aufstand in Aktion

Das ist die wahre Stärke von Saville: Sie begnügt sich nicht damit, den Körper darzustellen, sie erfindet ihn neu. Sie malt nicht einfach nur Fleisch, sie macht es zu einem Manifest. Und ihr, kleinen Snobs mit Kaschmirschals, wird es Zeit, anzuerkennen, dass die wahre Größe der zeitgenössischen Kunst nicht in ätherischen Konzepten liegt, sondern in ihrer Fähigkeit, uns körperlich und emotional die Realität unserer menschlichen Existenz spüren zu lassen. Angesichts einer Leinwand von Saville ist es unmöglich, in intellektueller Abstraktion zu verweilen: Der Körper nimmt sein Recht zurück, in all seiner Pracht und Unvollkommenheit.

Hört mir gut zu, ihr Snobs, wir müssen über Cecily Brown (geboren 1969) sprechen, diesen britischen Wirbelwind, der in die Welt der zeitgenössischen Kunst wie ein Orkan in ein Porzellanmuseum eingefallen ist. Wenn ihr dachtet, die Malerei sei tot, begraben unter minimalistischen Installationen und einschläfernden Videos, dann irrt euch. Brown beweist uns, dass Malerei noch immer mit der Wildheit eines eingesperrten Raubtiers brüllen kann, auch wenn einige von euch ihre Gemälde wahrscheinlich so glatt mögen wie ihr Bankkonto.

Diese Künstlerin, die 1994 wie eine noir-Romanheldin, die ihrer Vergangenheit entflieht, London nach New York verließ, zwingt uns, die moderne Malerei mit einer Kühnheit neu zu denken, die den Verfechtern der Konzeptkunst Schamesröte ins Gesicht treiben würde. Ihre monumentalen Leinwände explodieren vor unseren Augen wie Feuerwerke aus Fleisch und Farbe, ein malerisches Orgienfest, das die abstrakten Expressionisten wie schüchterne Sonntags-Aquarellisten erscheinen lässt.

Nehmen wir uns einen Moment, um ihre Technik zu betrachten, die auf beeindruckende Weise die bergsonsche Philosophie der reinen Dauer evoziert. Henri Bergson sprach vom Bewusstsein als einem kontinuierlichen Fluss, in dem sich Zustände ohne genaue Abgrenzung ineinander verschmelzen. Browns Gemälde verkörpern diese Vorstellung von Zeit und Bewusstsein perfekt. In “Carnival and Lent” (2006-2008) verschlingen und lösen sich die Figuren wie Erinnerungen, die sich weigern, sich zu fixieren, und schaffen so eine unaufhörliche Bewegung, die jeder statischen Lesart trotzt.

Dieser Ansatz der Malerei als ununterbrochener Fluss findet eine besondere Resonanz in Werken wie “The Triumph of Death” (2019), wo Brown das traditionelle Memento Mori in eine schwindelerregende Farbrausch-Explosion verwandelt. Der Tod ist nicht mehr ein Ende, sondern ein Prozess ständiger Verwandlung, als hätte Bergson die Pinsel übernommen, um uns zu zeigen, dass Realität Bewegung ist und keine Sache.

Ihre Arbeitsweise spiegelt diese Philosophie des Flusses wider. Brown malt gleichzeitig mehrere Gemälde, manchmal bis zu zwanzig auf einmal, wie eine verrückte Jongleurin, die ihre Bälle nicht fallen lassen will. Diese Methode ist kein Zufall, sondern drückt ein tiefes Verständnis für die Natur des künstlerischen Schaffens als sich ständig entwickelnder Prozess aus.

Kurzsichtige Kritiker, die in ihrer Arbeit nur eine geschickte Synthese ihrer Einflüsse von Kooning, Bacon, Rubens sehen, verfehlen das Wesentliche völlig. Brown zitiert nicht Kunstgeschichte, sie verschlingt sie roh, verdaut sie und erbricht sie in einer neuen Form, die unsere Erwartungen pulverisiert. Ihre Gemälde sind Schlachtfelder, auf denen die Geister der alten Meister in einem gnadenlosen malerischen Gemetzel aufeinandertreffen.

Sehen Sie sich “Suddenly Last Summer” (1999) an, das für die bescheidene Summe von 6,8 Millionen Dollar versteigert wurde, ein Preis, über den ihr Bankier wahrscheinlich Freudentränen vergießt. Dieses Gemälde ist keine bloße Stilübung, sondern eine Kriegserklärung an die ehrwürdige Hierarchie der Kunstgeschichte. Brown lässt Hoch- und Populärkultur zusammenwalzen mit der Eleganz einer Boxerin, die Ballettunterricht genommen hat.

Die Gewalt ihrer malerischen Gestik ist nicht willkürlich, sondern Teil einer tiefgründigen Reflexion über die Natur der Darstellung selbst. Wie Maurice Merleau-Ponty in “L”Oeil et l”Esprit” schrieb, ist Malerei kein Fenster zur Welt, sondern eine Art zu zeigen, wie die Welt uns berührt. Brown treibt diese Idee bis zu ihren extremsten Grenzen und verwandelt jede Leinwand in eine Arena, in der die Malerei selbst zu pulsierendem Fleisch wird.

Dieser philosophische Ansatz der malerischen Materialität findet seinen kraftvollsten Ausdruck in ihrer Serie der “Black Paintings”. Diese Werke sind keine bloßen formalen Übungen, sondern tiefgründige Meditationen über die Natur der Wahrnehmung und Darstellung. Brown erforscht darin die Grenzen der Sichtbarkeit und zwingt uns, die Dunkelheit zu durchdringen, bis Formen wie Gespenster unseres eigenen Sehnsuchts nach Sehen auftauchen.

Ihr Auftritt am Metropolitan Opera House mit “Triumph of the Vanities” (2018) beweist, dass sie es mit den Größten aufnehmen kann. Diese monumentalen Werke beschränken sich nicht darauf, den Raum zu besetzen, sie verschlingen ihn lebendig und verwandeln die Oper in ein Theater, in dem zeitgenössische Malerei ihre Kraft mit herrlicher Arroganz behauptet. Es ist wie ein Marc Chagall, der Goldpulver geschnupft hätte.

Browns Stärke liegt darin, eine dauerhafte Spannung zwischen Ordnung und Chaos, Figuration und Abstraktion, Tradition und Bruch aufrechtzuerhalten. Sie versucht nicht, diese Widersprüche zu lösen, sondern sie gemeinsam in einem schwindelerregenden Walzer tanzen zu lassen, der uns ausgelaugt, aber elektrisiert zurücklässt. Jede Leinwand ist ein Schlachtfeld, auf dem die dionysischen und apollinischen Kräfte, die Nietzsche liebte, aufeinandertreffen.

Ihre jüngsten Gemälde zum Thema Schiffbruch offenbaren eine neue Dimension ihrer Arbeit. “Where, When, How Often and with Whom” (2017) ist nicht nur eine einfache Referenz zur Flüchtlingskrise, sondern eine viszerale Meditation über die Zerbrechlichkeit der menschlichen Existenz. Brown verwandelt die Oberfläche der Leinwand in ein wildes Meer, in dem Körper ums Überleben kämpfen und an die aristotelische Auffassung von Kunst als Katharsis erinnern.

Lassen Sie sich nicht täuschen: Hinter der scheinbaren Spontaneität ihrer Gesten verbirgt sich ein kalkuliertes Denken, das das malerische Material mit der Präzision eines sadistischen Chirurgen manipuliert. Jeder Farbklecks, jeder Farbtropfen ist in eine komplexe Choreografie eingebunden, die die Oberfläche der Leinwand in ein Schattentheater verwandelt, in dem die Geister der Kunstgeschichte ihre letzte Vorstellung geben.

Ihr Umgang mit dem menschlichen Körper verdient besondere Aufmerksamkeit. Im Gegensatz zu ihren Zeitgenossen, die sich in einer sterilen und konzeptuellen Kunst verlieren, taucht Brown ihre Hände wie ein poetischer Fleischer in das malerische Material. Ihre Akte sind keine Objekte der Begierde, sondern Schlachtfelder, auf denen das Fleisch selbst in ständiger Metamorphose zu sein scheint. Diese Sicht des Körpers als Ort kontinuierlicher Transformation spiegelt die Theorien von Gilles Deleuze über den Körper ohne Organe wider.

Browns zeitgenössische Vanitas, besonders in ihrer Serie “Death and the Maid”, die im Metropolitan Museum of Art präsentiert wurde, erfinden ein traditionelles Genre mit atemberaubender Kühnheit neu. Sie erforscht die Spannung zwischen der illusorischen Permanenz der Kunst und der vergänglichen Natur des Daseins, indem sie das klassische Memento mori in eine frenetische Feier des Lebens in all seiner chaotischen Komplexität verwandelt.

Ihre malerische Technik, die darin besteht, Farbschichten übereinander zu legen wie geologische Schichten von Emotionen und Empfindungen, erzeugt einen Effekt zeitlicher Tiefe, der an Deleuzes Konzept der Zeit als reine Vielfältigkeit erinnert. Jede Leinwand wird zu einem Territorium, auf dem Vergangenheit und Gegenwart in einer spektakulären Kollision aufeinandertreffen.

Der Einfluss von Francis Bacon auf ihre Arbeit ist unbestreitbar, aber Brown verwandelt die bacon’sche Gewalt in etwas Ambivalenteres und vielleicht Beunruhigenderes. Wo Bacon versuchte, die “Brutalität der Tatsachen” einzufangen, zeigt Brown uns, dass die Tatsachen selbst in ständiger Auflösung begriffen sind. Es ist, als hätte sie Bacons gequälte Figuren genommen und sie einen makabren Walzer tanzen lassen.

Die Kritiker, die ihr ihren kommerziellen Erfolg vorwerfen, ihre Gemälde verkaufen sich für Millionen, , sind wahrscheinlich dieselben, die NFTs sammeln und dabei glauben, avantgardistisch zu sein. Brown ist das Unmögliche gelungen: eine resolut zeitgenössische Malerei zu schaffen, die mit der Kunstgeschichte in Dialog tritt, ohne in Pastiche oder sklavischen Respekt zu verfallen.

Ihre Arbeit mit Licht und Farbe ist bemerkenswert. In Werken wie “The Last Shipwreck” (2018) verwendet sie Farbe als Waffe, schafft dissonante Harmonien, die das Auge zuerst angreifen, bevor sie es verführen. Das ist Rothko, der beschlossen hat, mit Turner zu ringen.

Browns einzigartige Position in der zeitgenössischen Kunstwelt, eine Malerin, die ein traditionell von Männern dominiertes Terrain erobert hat, sollte die Radikalität ihrer künstlerischen Vision nicht überschatten. Sie ist nicht wichtig, weil sie eine Frau ist, die „wie ein Mann malt” (was für ein lächerliches Konzept), sondern weil sie malt wie niemand sonst.