Hört mir gut zu, ihr Snobs, Chantal Joffe (geboren 1969) ist nicht eure Salon-Künstlerin, die hübsche Porträts malt, um eure sterilen Innenräume zu dekorieren. Diese Amerikanerin, die Britin wurde und in London lebt, schafft Werke, die euch mit der Kraft einer Wahrheit schlagen, die ihr lieber ignorieren würdet. Ihre monumentalen Leinwände, von denen einige bis zu 3 Meter hoch sind, sind wie verzerrte Spiegel unserer Gesellschaft, die eine Realität widerspiegeln, der sich die meisten von uns zu feige stellen.
Das erste, was man verstehen muss: Joffe ist nicht da, um euren Appetit auf “angenehme” Kunst zu befriedigen. Sie malt Frauen, ja, aber nicht wie diese perfekten Porträts, die eure Modemagazine zieren. Ihre Pinselstriche sind brutal, kompromisslos, als würde sie das Fleisch ihrer Motive zerreißen, um deren Seele freizulegen. Es ist wie Lucian Freud, der sich mit Alice Neel verschmolzen hat, aber radikaler, intensiver. Ihre Frauenporträts sind Akte des Widerstands gegen das, was John Berger als “male gaze” bezeichnete, ihr wisst schon, die Art und Weise, wie die Kunstgeschichte Frauen immer als Objekte männlichen Begehrens dargestellt hat.
Wenn Joffe eine Frau malt, sei es ihre Mutter Daryll, ihre Tochter Esme oder sie selbst, pulverisiert sie Konventionen mit der Präzision eines Scharfschützen. Ihre weiblichen Figuren posieren nicht, sie existieren. Sie suchen nicht zu gefallen, sie behaupten ihre Präsenz. Es ist, als hätte Simone de Beauvoir ihre Feder gegen einen Pinsel getauscht: Jedes Bild ist eine Unabhängigkeitserklärung, ein Manifest, das verkündet: “Man wird nicht als Frau geboren, man wird es.”
Nehmen Sie ihre Porträts von Mutter und Tochter. Genau hier wird Joffe wirklich interessant, meine lieben snobistischen Freunde. Sie hat mehr als dreißig Jahre lang ihre Mutter gemalt und damit eine visuelle Chronik des Älterwerdens geschaffen, die eure Instagram-Selfies so tiefgründig erscheinen lässt wie eine Pfütze. Diese Porträts sind wie Kapitel eines Romans von Virginia Woolf: Jeder Pinselstrich erzählt die Geschichte einer sich ständig wandelnden Beziehung, geprägt von der unaufhaltsam vergehenden Zeit.
Und sprechen wir über ihre Selbstporträts! Im Jahr 2018 hat sie sich jeden Tag ein Bild von sich gemacht. Nicht diese narzisstischen Selbstporträts, die ihr in den sozialen Medien mit fünfzehn verschiedenen Filtern postet. Nein, diese Werke sind wie schonungslose Geständnisse, Tagebücher, die offen vor allen Augen liegen. Es ist Robert Lowell in der Malerei, konfessionelle Poesie, die in Öl auf Leinwand übersetzt wurde. Jedes Gemälde ist eine Reise in die Tiefen der Psyche, eine kompromisslose Erkundung dessen, was es bedeutet, eine weibliche Künstlerin in einer Welt zu sein, die ihre Schöpferinnen immer noch lieber brav und fügsam sieht.
Diese Selbstporträts von 2018 bilden zusammen ein besonders kraftvolles Corpus. Sich ein Jahr lang gnadenlos zu betrachten, jede Stimmung, jede Veränderung zu dokumentieren, das ist große Kunst. Es ist, als hätte Roland Barthes beschlossen, sein “La chambre claire” in Malerei zu machen, jedoch noch eindringlicher und dringlicher.
Die Art, wie sie das Fleisch behandelt, ist revolutionär. Sie sucht nicht zu schmeicheln, sie sucht zu offenbaren. Ihre Körper sind Gebiete der Wahrheit, keine künstlich hergestellten Fantasien. Wenn sie ein jugendliches Mädchen im Minirock malt, dann nicht, um das männliche Auge zu befriedigen, sondern um genau diese Lebensphase einzufangen, in der man zwischen Verwundbarkeit und Herausforderung schwankt. Es ist, als würden Julia Kristeva und Jenny Saville in einem malerischen Boxkampf aufeinandertreffen.
Ihre Technik? So brutal wie effektiv. Sie malt mit einer Dringlichkeit, die eure Lieblingskünstler wie stille Naturen erscheinen lässt. Ihre Pinselstriche sind wie Messerstiche, jeder Strich eine Entscheidung, eine Behauptung. Sie verwendet die Malerei so wie Sylvia Plath die Worte einsetzte: um die Realität bis auf den Knochen zu sezieren.
Ihre großen Gemälde konfrontieren einen mit einer Intensität, die eure liebsten Videoinstallationen wie Wiegenlieder für Kinder wirken lässt. Wenn man vor einem 3 Meter hohen Joffe steht, gibt es kein Entkommen. Sie zwingt einen hinzusehen, wirklich zu sehen. Es ist, als würde man in einem Gespräch mit jemandem feststecken, der nicht so tut als ob, der darauf besteht, die Wahrheit zu sagen, die ganze Wahrheit.
Und fangt mich gar nicht erst mit ihrer Farbgebung an. Sie benutzt Rosa und Blau wie Waffen, verwandelt Töne, die sanft sein könnten, in etwas fast Gewaltiges. Es ist, als hätte Rothko beschlossen, Menschen zu malen, aber mit der ganzen emotionalen Intensität seiner Farbflächen.
Ihre Arbeit über Jugendliche ist besonders aufschlussreich. Sie fängt diese entscheidende Phase mit einer Schärfe ein, die weh tut. Diese jungen Mädchen sind nicht die ätherischen Wesen, die uns die Kunstgeschichte gewohnt hat zu zeigen. Sie sind real, unbeholfen, kraftvoll gerade in ihrer Verletzlichkeit. Es ist, als hätte Louise Bourgeois beschlossen, figürliche Malerei zu machen.
Was an ihrer Arbeit fasziniert, ist die Art, wie sie mit der Zeit umgeht. Sie malt keine Momente, sie malt Dauer, sich entwickelnde Beziehungen, Identitäten im ständigen Wandel. Es ist, als würde Henri Bergson auf der Leinwand lebendig werden, reine Dauer übersetzt in Pigmente und Öl. Jedes Porträt ist wie eine geologische Schicht, die die Strata der vergehenden Zeit offenbart.
Die Kritiker, die sie mit Lucian Freud vergleichen, sehen nur einen Teil der Geschichte. Ja, es gibt dieselbe obsessive Aufmerksamkeit für das Detail des Fleisches, aber Joffe geht weiter. Sie begnügt sich nicht damit, das zu malen, was sie sieht, sie malt das, was sie weiß. Es ist, als würde sie Merleau-Pontys phänomenologische Herangehensweise mit der emotionalen Brutalität einer Frida Kahlo kombinieren.
Ihre Verwendung der Fotografie als Quelle ist ebenfalls faszinierend. Sie kopiert die Fotos nicht, sie seziert und interpretiert sie neu. Es ist Walter Benjamin, der Francis Bacon treffen würde: die mechanische Reproduktion, verwandelt in etwas zutiefst, viszeral Menschliches.
Und denken Sie keine Sekunde, dass ihre Familienporträts nur einfache Übungen in Nostalgie sind. Jedes Bild ihrer Mutter, ihrer Tochter ist eine Erforschung von Machtverhältnissen, von Bindungen, die uns verbinden und manchmal ersticken. Es ist Michel Foucault, der sich der figurativen Malerei gewidmet hätte.
Die Art, wie sie mit dem Raum umgeht, ist völlig neu. Ihre Figuren scheinen oft in einem Vakuum zu schweben, das nicht wirklich leer ist, einem Raum voller Emotionen und Spannung. Es ist Gaston Bachelard, der auf der Leinwand lebendig wird, der intime Raum wird zu einem emotionalen Schlachtfeld.
Chantal Joffe navigiert ständig zwischen dem Persönlichen und dem Politischen. Jedes Porträt ist eine Erklärung, jeder Pinselstrich ein Akt des Widerstands gegen die etablierten Normen. Sie tut das, was Judith Butler theoretisiert: Sie performt das Geschlecht durch die Malerei, aber auf eine Weise, die eher Stereotypen dekonstruiert als sie verstärkt.
Chantal Joffe ist die Künstlerin, die wir im Moment brauchen. In einer Welt, die von Oberflächlichkeiten besessen ist, zwingt sie uns, über die Oberfläche hinauszuschauen. Sie malt die Wahrheit, selbst wenn diese Wahrheit unbequem ist. Und wenn Sie sich dabei unwohl fühlen, umso besser. Kunst ist nicht dazu da, Sie in Ihrer Komfortzone zu wiegen.
