Hört mir gut zu, ihr Snobs, Chloé Wise (geboren 1990) verkörpert perfekt die Künstlerin, die unsere Konsumgesellschaft in ein Theater des Absurden verwandelt und dabei eine bemerkenswert scharfe kritische Distanz wahrt. Diese in New York lebende Kanadierin entfaltet ein kreatives Repertoire, das sich zwischen Ölmalerei, Skulptur und Installation bewegt und ein Universum schafft, in dem Lachen mit einer scharfen Reflexion über unsere Zeit einhergeht. Ihre Arbeit, tief in unserer Zeit verwurzelt, seziniert mit chirurgischer Präzision die Mechanismen, die unsere sozialen Beziehungen und unser Verhältnis zum Konsum steuern.
In ihrer Arbeit zeichnen sich zwei Achsen mit verblüffender Deutlichkeit ab. Die erste betrifft ihre einzigartige Herangehensweise an den Konsumismus und seine Codes, insbesondere durch eine Erforschung des Verhältnisses zwischen Nahrung und Verlangen. Ihre Skulpturen von Tüten in Form von Bagels oder Baguettes, wie ihr berühmtes “Bagel No. 5” (2014), sind keine bloßen Provokationen. Sie fügen sich in eine philosophische Tradition ein, die auf Jean Baudrillard und seine Theorie des Simulakrums zurückgeht. Baudrillard entwickelte in “Simulacres et simulation” (1981) die Idee, dass unsere zeitgenössische Gesellschaft die Realität durch Zeichen der Realität ersetzt habe. Wises Werke illustrieren genau diese Theorie, indem sie Objekte schaffen, die zugleich Simulationen von Luxusartikeln und Darstellungen von Nahrungsmitteln sind und so die Grenzen zwischen Essbarem und Kommerziellem, zwischen Authentischem und Künstlichem verwischen.
Dieser Ansatz findet besonders in ihren jüngeren Installationen Widerhall, wie in der Serie von Kerzenhaltern in Form von Caesar-Salat, bei der das Künstliche wahrhaftiger als die Natur erscheint und das schafft, was Baudrillard Hyperrealität nannte. Diese Skulpturen sind nicht einfach nur raffinierte Trompe-l’oeil; sie hinterfragen unser Verhältnis zur Authentizität in einer Welt, in der die Grenze zwischen Wahr und Falsch immer durchlässiger wird. Die Tautropfen auf den Salatblättern ihrer leuchtenden Installationen erzeugen eine faszinierende Spannung zwischen Vergänglichem und Ewigen, zwischen Nützlichem und Künstlerischem.
Die zweite Achse ihrer Arbeit liegt in ihrem Zugang zum zeitgenössischen Porträt. Wise überdenkt dieses traditionelle Genre mit einer ganz besonderen Scharfsinnigkeit, indem sie visuelle Codes des digitalen Zeitalters integriert. Ihre Porträts sind keine bloßen Abbildungen von Personen, sondern tiefgehende Untersuchungen darüber, wie wir uns im Zeitalter sozialer Netzwerke inszenieren. Dieser Ansatz spiegelt die Überlegungen von Roland Barthes in “La chambre claire” (1980) zur Fotografie und zur Konstruktion unseres Selbstbildes wider. Barthes sprach vom “punctum”, jenem Element, das uns in einem Bild persönlich berührt. Bei Wise findet sich dieses punctum häufig in den leicht verschobenen Gesichtsausdrücken ihrer Modelle, in diesen Lächeln, die zugleich authentisch und künstlich erscheinen.
Die Art und Weise, wie sie ihre Freunde und Bekannten malt, oft mit Gebrauchsgütern als Accessoires, schafft eine faszinierende Spannung zwischen Intimität und Kommerz. Diese Porträts erinnern nicht ohne Grund an holländische Stillleben des 17. Jahrhunderts, bei denen Alltagsgegenstände mit tiefer Symbolik aufgeladen waren. Aber bei Wise sind die Symbole diejenigen unserer Zeit: Verpackungen von Milchprodukten, bekannte Marken, Alltagsgegenstände, die zum Rang von Ikonen erhoben werden. Ihre malerische Technik, die von den großen Meistern geerbt, aber auf zeitgenössische Themen angewandt wird, schafft einen faszinierenden Dialog zwischen Tradition und Moderne.
In ihren jüngsten Werken, insbesondere denen, die in der Ausstellung “Torn Clean” (2024) gezeigt werden, treibt Chloé Wise ihre Reflexion über die menschliche Verletzlichkeit und unsere Art, sie zu verbergen, noch weiter voran. Die Einführung von Pflastern in ihren Porträts schafft eine neue Leseschicht: Diese medizinischen Accessoires werden zu Metaphern für unsere Zerbrechlichkeit und unser ständiges Bedürfnis nach Reparatur. Die manischen Lächeln ihrer Sujets, kombiniert mit diesen dezenten Pflastern, erzählen eine Geschichte von erzwungener Resilienz, von der gesellschaftlichen Verpflichtung, “eine gute Figur zu machen”, trotz unserer Wunden.
Ihre Verwendung der Farbe verdient besondere Aufmerksamkeit. Die Hauttöne, die sie verwendet, manchmal in ihren Farbtuben als “Ferkel” bezeichnet, erzeugen eine Spannung zwischen dem Erhabenen und dem Abscheulichen. Dieser Ansatz erinnert an die Theorien von Julia Kristeva über das Abjekt in der Kunst, wo das Schöne und das Abstoßende in einem komplexen Tanz zusammenkommen. Die monochromen Hintergründe ihrer jüngsten Porträts, die oft nahe an den Hauttönen ihrer Sujets liegen, erzeugen einen subtilen Tarnungseffekt, der das Gefühl einer sich auflösenden Identität verstärkt.
Wise bewegt sich zwischen verschiedenen Registern, ohne jemals in reinen Zynismus zu verfallen. Ihr Humor wirkt wie ein trojanisches Pferd und ermöglicht es, tiefere Fragestellungen über unsere Zeit einzubringen. Sie gelingt es, ein zartes Gleichgewicht zwischen sozialer Kritik und einer Form von Empathie für ihre Sujets zu halten und schafft damit eine Kunst, die weder völlig anklagend noch völlig nachgiebig ist.
Ihre Arbeit mit den Lächeln verdient es besonders, Beachtung zu finden. In einer Gesellschaft, in der das Lächeln zu einer Form sozialer Währung geworden ist, macht Wise es zum Gegenstand einer anthropologischen Studie. Ihre Porträts fangen diese seltsame Temporalität des aufgesetzten Lächelns ein, jenes, das zu lange andauert, um natürlich zu sein. Diese Exploration spiegelt die Beobachtungen von Baudrillard in “Amerika” über das amerikanische Lächeln als codifizierte Kommunikationsform wider. Die Sujets von Wise wirken sich der Beobachtung bewusst und ihre Ausdrücke schwanken zwischen Authentizität und performativem Verhalten.
Die Künstlerin beschränkt sich nicht nur darauf, diese soziale Performance zu kritisieren; sie offenbart auch ihre eigentümliche Schönheit und Notwendigkeit. Ihre jüngsten Porträts, mit ihren übertriebenen Lächeln und dezenten Pflastern, erzählen die Geschichte unserer kollektiven Resilienz, unserer Fähigkeit, selbst in widrigen Umständen weiter zu lächeln. Vielleicht liegt hierin die größte Stärke ihrer Arbeit: in der Fähigkeit, unseren medialen Alltag in eine Form zeitgenössischer visueller Poesie zu verwandeln.
Ihr Zugang zum Ruhm und zur künstlerischen Anerkennung ist besonders interessant. Seit dem Wirbel um ihre “Bagel Nr. 5”, die sie bei einem Chanel-Event trug, hat Wise es verstanden, sich mit bemerkenswerter Intelligenz in der Kunstwelt zu bewegen. Sie nutzt die Mechanismen, die sie selbst kritisiert, soziale Netzwerke, Influencer-Kultur, Luxusmarketing, um ihre Arbeit zu verbreiten. Ihre Werke funktionieren sowohl als gesellschaftskritische Kommentare als auch als begehrte Objekte. Ihre Gemälde und Skulpturen, die die Exzesse unserer Konsumgesellschaft anprangern, werden selbst zu begehrten Sammelobjekten. Diese Ironie entgeht der Künstlerin nicht, die sie als Teil ihrer Reflexion darüber einsetzt, wie Kunst in unserer Gesellschaft zirkuliert und an Wert gewinnt.
Die performative Dimension ihrer Arbeit geht über Leinwand und Skulptur hinaus. Ihre Installationen schaffen immersive Umgebungen, die den Ausstellungsraum in eine Bühne verwandeln, auf der das Theater unseres alltäglichen Konsums inszeniert wird. Die langsam schmelzenden Butterblöcke auf ihren Glaspodesten in ihren jüngsten Ausstellungen erzeugen eine zeitliche Spannung, die den Betrachter dazu zwingt, sich mit der vergänglichen Natur unserer Wünsche und Besitztümer auseinanderzusetzen.
Die Wahl des traditionellen Mediums der Ölmalerei zur Darstellung unserer hypervernetzten Welt ist kein Zufall. Diese Technik, historisch verbunden mit Porträts der Aristokratie und prunkvollen Stillleben, wird in ihren Händen zu einem Instrument, um unsere neuen sozialen Rituale zu dokumentieren und zu hinterfragen. Die technische Virtuosität, die sie zeigt, dient dazu, scheinbar banale Momente darzustellen, jemand, der Mandelmilch trinkt, ein Freund, der mit seinen kabellosen Kopfhörern posiert, und verwandelt diese alltäglichen Augenblicke in Gemälde, die dieselbe Aufmerksamkeit verdienen wie die Vanitas des 17. Jahrhunderts.
Die Pandemie hat ihrer Arbeit eine neue Dimension hinzugefügt, insbesondere in ihrer Herangehensweise an Gleichgültigkeit als Überlebensmechanismus. In einer Welt, die von traumatischen Informationen übersättigt ist, erforschen ihre Werke, wie wir es schaffen, eine Fassade der Normalität aufrechtzuerhalten. Ihre Porträts aus dieser Zeit erfassen diese seltsame Dualität: das scharfe Bewusstsein für die Katastrophe und die Notwendigkeit, weiterhin normal zu funktionieren. Die Körper, die sie malt, oft nackt, aber niemals vulgär dargestellt, tragen auch die Zeichen unserer Zeit: Tätowierungen, Piercings, technologische Accessoires. Diese Elemente werden zu zeitlichen Markern, die ihre Werke in unserer Gegenwart verankern und ihnen gleichzeitig eine potenzielle archäologische Dimension verleihen.
Sie behandelt Alltagsgegenstände auf ganz besondere Weise. Ihre zeitgenössischen Stillleben, bevölkert mit alltäglichen Konsumprodukten, verwandeln diese Objekte in Reliquien unserer Zeit. Eine Milchpackung wird zu einem kulturellen Artefakt, ein Pflaster zum Symbol unserer kollektiven Verwundbarkeit. Dieser Ansatz erinnert an die Tradition der Vanitas, aber aktualisiert für unsere Zeit der Überkonsumtion und geplanten Obsoleszenz.
Der Einfluss der digitalen Welt ist in ihrer Praxis besonders sichtbar in der Art und Weise, wie sie ihre Bilder komponiert. Ihre Bildausschnitte, oft inspiriert von den Codes von Selfies und Fotos aus sozialen Netzwerken, schaffen einen Dialog zwischen der Tradition des gemalten Porträts und den neuen Formen der Selbstrepräsentation. Diese Hybridisierung visueller Referenzen erzeugt Werke, die sowohl als soziologische Dokumente als auch als autonome ästhetische Objekte funktionieren.
Ihre Arbeit mit Materialität ist besonders faszinierend in ihren Skulpturen. Die Verwendung von Urethan und Ölmalerei zur Schaffung hyperrealistischer Darstellungen von Lebensmitteln stellt grundlegende Fragen zu unserem Verhältnis zur Wirklichkeit in einer Gesellschaft, in der das Virtuelle eine immer größere Rolle einnimmt. Diese Werke sind nicht einfach nur raffinierte Trompe-l’oeil; sie hinterfragen unsere Fähigkeit, das Wahre vom Falschen, das Natürliche vom Künstlichen zu unterscheiden.
Die politische Dimension ihrer Arbeit zeigt sich, ohne je belehrend zu sein, in ihrer Art, Geschlechter- und Identitätsfragen zu behandeln. Besonders ihre Frauenporträts dekonstruierten die Codes der weiblichen Darstellung in der Kunst. Die manchmal grotesken oder beunruhigenden Ausdrücke ihrer weiblichen Modelle stellen die Konventionen von Schönheit und Fügsamkeit infrage, die traditionell mit Frauenporträts assoziiert werden.
Wise gelingt es, eine Kunst zu schaffen, die tief von unserer Zeit spricht, dabei aber die Fallen simplistischer Sozialkritik meidet. Ihre Arbeit ist komplex gerade weil sie einfache moralische Positionen ablehnt. Sie zeigt uns unsere Welt in ihrer ganzen Absurdität, Schönheit und ihrem Horror und lässt uns frei, zwischen diesen verschiedenen Interpretationen zu navigieren.
Die Arbeit von Chloé Wise ist ein komplexer und nuancierter Kommentar zu unserer Zeit, in der sich Authentisches und Künstliches ständig vermischen. Sie schafft es, die Essenz unserer ambivalenten Beziehung zu Konsum, Selbstinszenierung und Technologie einzufangen und dabei Werke zu schaffen, die in ihrem Ansatz zutiefst menschlich bleiben. Durch ihren sowohl kritischen als auch empathischen Blick bietet Wise uns einen Spiegel unserer Gesellschaft, doch einen Spiegel, der sich nicht mit bloßem Reflektieren begnügt: Er enthüllt, hinterfragt und verändert unsere Wahrnehmung der Wirklichkeit.
