Hört mir gut zu, ihr Snobs, die Kunstgeschichte ist voll von Figuren, die unser Verhältnis zum Bild neu definiert haben, aber nur wenige haben es mit so viel Kühnheit und Relevanz geschafft wie Cindy Sherman, geboren 1954. Diese amerikanische Fotografin, ebenso schwer fassbar wie allgegenwärtig in ihrem Werk, hat in mehr als vier Jahrzehnten eine atemberaubende Erforschung der Identität geschaffen, die uns im Zeitalter der sozialen Netzwerke mit erneuter Schärfe anspricht. Ihr Werk, das jeder einfachen Kategorisierung widerspricht, ist eine der tiefgründigsten und kohärentesten Untersuchungen zur Natur von Identität und Repräsentation in der zeitgenössischen Kunst.
In Shermans fotografischem Universum ist jedes Bild ein Theater, in dem sie eine Vielzahl von Figuren verkörpert und Inszenierungen schafft, in denen sie sowohl Subjekt als auch Objekt, Fotografin und Modell ist. Diese grundlegende Dualität führt uns direkt zum philosophischen Konzept des “Simulakrum” von Jean Baudrillard zurück. Für den französischen Philosophen ist das Simulakrum keine einfache Kopie der Realität, sondern eine eigenständige Realität, die das Original schließlich ersetzt und das schafft, was er Hyperrealität nennt. Shermans Fotografien verkörpern dieses Konzept perfekt: Ihre Figuren sind keine Imitationen realer Personen, sondern Konstruktionen, die den künstlichen Charakter jeder Darstellung offenbaren. Wenn sie sich in einen Filmstar der 50er Jahre oder eine Figur eines Renaissancegemäldes verwandelt, versucht sie nicht, ein Original getreu zu reproduzieren, sondern eine neue Realität zu schaffen, die die Mechanismen der Repräsentation selbst entlarvt.
Diese Dimension ihrer Arbeit nimmt in unserer von Bildern übersättigten zeitgenössischen Gesellschaft eine besondere Resonanz an. Sherman hat bereits in den 1970er Jahren unsere heutige Beziehung zum Selbstbild vorausgeahnt, in der jeder zum Regisseur seines eigenen Lebens in den sozialen Netzwerken wird. Ihre “Untitled Film Stills” (1977-1980) erscheinen heute als geniale Vorwegnahme unserer Selfie- und Instagram-Filter-Kultur. Der grundlegende Unterschied besteht darin, dass Sherman das Künstliche bewusst offenlegt, während die sozialen Netzwerke versuchen, es zu verbergen. Indem sie systematisch die Mechanismen der Identitätskonstruktion offenlegt, lädt sie uns zu einer kritischen Reflexion über unsere eigenen Praktiken der Selbstrepräsentation ein.
Die Künstlerin treibt diese Reflexion in ihrer Serie “Centerfolds” (1981) noch weiter, in der sie das Format erotischer Magazine unterwandert, um verstörende Bilder verletzlicher Frauen zu schaffen. Diese großformatigen, horizontalen Fotografien, die ursprünglich vom Artforum in Auftrag gegeben, aber vom Magazin nie veröffentlicht wurden, verwandeln den traditionell mit diesem Format verbundenen männlichen Blick in eine beunruhigende Erfahrung, die den Betrachter zwingt, seine eigene Voyeursposition zu hinterfragen. Sherman erscheint darin in Posen, die Verletzlichkeit oder Verzweiflung suggerieren, und erzeugt eine absichtliche Spannung zwischen dem verführerischen Format und dem beunruhigenden Inhalt. Diese Serie markiert einen Wendepunkt in ihrer Karriere und zeigt ihre Fähigkeit, dominante visuelle Codes zu nutzen, um sie besser zu dekonstruieren.
Die performative Dimension von Shermans Werk stellt einen weiteren wichtigen Aspekt ihrer Arbeit dar, der an Judith Butlers Theorien zur Performativität von Geschlecht anknüpft. Nach Butler ist Geschlecht keine Essenz, sondern eine Performance, eine Reihe wiederholter Handlungen, die die Illusion einer tiefen Natur erzeugen. Sherman inszeniert diese Performativität meisterhaft: Ihre aufeinanderfolgenden Verwandlungen enthüllen keine verborgene Identität, sondern zeigen im Gegenteil, dass Identität selbst eine Konstruktion ist, eine Rolle, die wir spielen. In ihrer Serie der “History Portraits” (1988-1990) kreiert sie klassische Gemälde mit beunruhigender Präzision nach, lässt dabei aber absichtlich die Kunstgriffe der Inszenierung sichtbar: schlecht sitzende Prothesen, sichtbares Make-up, zeitgenössische Accessoires, die in diesen Parodien alter Gemälde irritieren.
Dieser Ansatz findet seine Fortsetzung in den “Society Portraits” (2008), in denen sie Frauen der oberen Gesellschaftsschicht verkörpert. Diese Porträts sind keine bloßen Karikaturen reicher Frauen, sondern eine komplexe Erforschung der Art und Weise, wie sich sozialer Status durch sichtbare Zeichen manifestiert: luxuriöse Kleidung, Schmuck, Schönheitschirurgie. Sherman zeigt, wie diese Frauen ihre soziale Klasse performen, genau wie ihre Figuren in den “Untitled Film Stills” ihre Weiblichkeit performten. Die Performativität wird somit zum roten Faden, der ihr gesamtes Werk durchzieht und ihre frühen Geschlechtererkundungen mit ihren jüngeren Fragestellungen zum sozialen Status und Alter verbindet.
Shermans Arbeit ist auch eingebettet in eine breitere Kritik an den von den Medien und der Populärkultur vermittelten Stereotypen. Ihre Figuren, die manchmal bis zur Groteske getrieben werden, fungieren wie ein verzerrender Spiegel, der uns unsere eigenen Vorurteile zurückwirft. In ihrer Serie “Clowns” (2003-2004) erforscht sie die Grenzen zwischen Komik und Beklemmung und verwandelt diese traditionell mit Unterhaltung assoziierten Figuren in verstörende Präsenz, die unsere Beziehung zur Normalität und Andersartigkeit hinterfragt. Diese Serie markiert auch ihren Übergang zur digitalen Technik, die ihr ermöglichte, psychedelische Hintergründe zu schaffen, die die alptraumhafte Dimension dieser Porträts noch verstärken.
Die Art und Weise, wie Sherman die neuen digitalen Technologien nutzt, ist besonders interessant. Während ihre ersten Werke mit traditionellen Mitteln wie Make-up, Kostümen und Requisiten geschaffen wurden, hat sie allmählich digitale Werkzeuge in ihren kreativen Prozess integriert. Dieser Übergang zur digitalen Technik stellt keinen Bruch in ihrer Arbeit dar, sondern eher eine natürliche Entwicklung, die es ihr ermöglicht, neue Möglichkeiten zu erkunden und gleichzeitig ihren grundlegenden Anliegen treu zu bleiben. Die digitalen Manipulationen erlauben es ihr, ihre Verwandlungen noch weiter zu treiben und Figuren zu erschaffen, die auf eine Weise zwischen Wirklichkeit und Künstlichkeit schwanken, die an unseren eigenen Umgang mit Bildtechnologien anknüpft.
In ihren neueren Werken hat sich Sherman mit dem Altern und der Art und Weise beschäftigt, wie die Gesellschaft ältere Frauen behandelt. Diese Bilder, in denen sie reife Frauen verkörpert, die gegen die Auswirkungen der Zeit kämpfen, sind besonders bewegend in einer Kultur, die von Jugendwahn besessen ist. Sie erforscht darin die oft verzweifelten Strategien, die angewandt werden, um ein jugendliches Aussehen zu bewahren, und legt zugleich die symbolische Gewalt offen, die auf die alternden weiblichen Körper ausgeübt wird. Diese jüngsten Porträts zeigen ihre Fähigkeit, ihren kritischen Blick zu erneuern und gleichzeitig ihre bevorzugten Themen zu vertiefen.
Die Künstlerin beschränkt sich nicht darauf, bestehende Darstellungen zu kritisieren, sondern schafft eine neue visuelle Sprache, die unsere Gewissheiten destabilisiert. Ihre Fotografien sind immer “ungbetitelt” und verweigern bewusst eine Orientierung unserer Interpretation. Diese Strategie reiht sich ein in die Tradition des von Roland Barthes theoretisierten “Tod des Autors”: Indem sie ihre eigene Identität hinter ihren vielfältigen Figuren auslöscht, gibt Sherman dem Betrachter die Freiheit, die Bedeutung des Werkes selbst zu konstruieren. Paradoxerweise gelingt es ihr gerade durch ihre Vermehrung, sich selbst aus dem Bild zurückzuziehen. Dieser Ansatz spiegelt Barthes’ Konzept des Textes als “Gewebe von Zitaten” wider, wobei ihre Bilder selbst komplexe Verflechtungen kultureller und künstlerischer Referenzen sind.
Die Frage des Blicks steht im Zentrum von Shermans Werk. Indem sie sowohl die Schaffung als auch die Rezeption des Bildes kontrolliert, ist sie zugleich diejenige, die schaut, und diejenige, die betrachtet wird, und untergräbt damit die traditionellen Dynamiken des Blicks in der Kunst. Diese einzigartige Position ermöglicht es ihr, das zu dekonstruieren, was Laura Mulvey als “male gaze” bezeichnet hat, den männlichen Blick, der traditionell den weiblichen Körper in Kunst und Medien objektifiziert. Die Frauen, die sie verkörpert, sind niemals einfach passive Objekte des Blicks: Sie schauen zurück, fordern den Betrachter heraus oder scheinen in ihre eigenen Gedanken vertieft und ignorieren bewusst die Anwesenheit eines Publikums.
Shermans Einfluss auf die zeitgenössische Kunst ist beträchtlich. Sie hat den Weg für diejenigen geebnet, die Fragen von Identität und Repräsentation durch inszenierte Fotografie erforschen. Ihre Arbeit hat auch viele aktuelle Anliegen hinsichtlich virtueller Identität und Selbstpräsentation im digitalen Raum vorweggenommen. Im Zeitalter der sozialen Netzwerke, in dem jeder zum Kurator seines eigenen Bildes wird, erhält ihre Erforschung der Identitätskonstruktion eine neue Resonanz.
Die Fragen, die Sherman zu Identität, Repräsentation und Performativität aufwirft, sind relevanter denn je. In einer Zeit, in der virtuelle Identitäten zunehmen und Filter und Avatare zu Erweiterungen unserer Selbst werden, erscheint ihre Arbeit prophetisch. Sie hatte schon lange vor dem Aufkommen der digitalen Technik verstanden, dass Identität keine feste Größe ist, sondern eine wandelbare Konstruktion, ein Spiel mit Masken und Spiegeln. Ihre Fotografien laden uns ein, über unsere eigene Beteiligung an diesen zeitgenössischen Maskenspielen nachzudenken.
Ihre Fähigkeit, sich ständig neu zu erfinden, neue Gebiete zu erkunden und dabei ihren grundlegenden Fragestellungen treu zu bleiben, macht Sherman zu einer bedeutenden Künstlerin unserer Zeit. Ihr Einfluss reicht weit über die Welt der zeitgenössischen Kunst hinaus: Sie hat unsere Sichtweise und unser Selbstverständnis verändert und dabei die Umwälzungen unserer Beziehung zum Bild im digitalen Zeitalter vorweggenommen. Wenn uns ihre Arbeit weiterhin so fasziniert, dann deshalb, weil sie weiterhin essentielle Fragen darüber stellt, was es bedeutet, man selbst zu sein in einer Welt, in der das Bild zum wichtigsten Identitätsvektor geworden ist.
Sherman versteht es, ein feines Gleichgewicht zwischen Kritik und Empathie zu bewahren. Selbst wenn sie ihre Figuren ins Groteske oder Absurde treibt, spürt man ein tiefes Verständnis der psychologischen und sozialen Mechanismen, die unserem Verhalten zugrunde liegen. Ihre Arbeit ist niemals einfach spöttisch oder anklagend: Sie offenbart die Komplexität der Beziehungen, die wir zu unseren eigenen Bildern und denen anderer pflegen.
Während wir durch ein Meer digitaler Bilder navigieren und unsere Identitäten online ständig neu erschaffen und rekonstruieren, erklingt Shermans Werk mit neuer Kraft. Sie erinnert uns daran, dass hinter jedem Bild eine Inszenierung steckt, hinter jeder Identität eine Performance verborgen ist. In einer Welt, in der die Grenze zwischen Realem und Virtuellem immer mehr verschwimmt, lädt uns ihre Arbeit dazu ein, einen kritischen und klaren Blick auf die Bilder zu bewahren, die uns umgeben und ausmachen.
Shermans Vermächtnis liegt nicht nur in ihren formalen Innovationen oder ihrer Sozialkritik, sondern in ihrer Fähigkeit, uns anders sehen zu lassen. Indem sie ihren eigenen Körper in einen Raum unendlicher Experimente verwandelt, zeigt sie uns, dass Identität immer eine Konstruktion ist, ein Prozess und kein Zustand. Diese Lektion, die in Zeiten sozialer Netzwerke und virtueller Wirklichkeit relevanter denn je ist, macht ihr Werk zu einem wertvollen Werkzeug, um unsere Gegenwart zu verstehen und vielleicht sogar unsere Zukunft vorauszusehen.
