Hört mir gut zu, ihr Snobs: Während ihr euch noch an euren konzeptuellen Abstraktionen und euren anmaßenden und langweiligen Installationen ergötzt, malt Daisy Dodd-Noble. Sie malt wie man atmet, wie man liebt, wie man von einer Welt träumt, in der Farbe uns noch vor uns selbst retten könnte. Und wenn ihr darin nur eine Comic-Landschaftsmalerei seht, gedacht für Liebhaber hübscher Dinge, dann verpasst ihr das Wesentliche. Diese Frau macht keine Wanddekoration: Sie vollzieht eine wahre Schönheitsoperation an unserem Verhältnis zur Natur, präzise wie eine Neurochirurgin und sensibel wie eine Dichterin.
Geboren 1989 in London, gehört Dodd-Noble zu jener Künstlergeneration, die in einer Zeit des Klimanotstands aufgewachsen ist, ohne jedoch in Pessimismus zu verfallen. Sie schloss 2016 ihr Studium an der renommierten New York Academy of Art ab und hatte das Glück, bei Inka Essenhigh, jener visionären Malerin, zu lernen, die ihre Studenten ermutigte, aus der Vorstellungskraft zu malen, anstatt einfach nur Fotografien zu kopieren. Diese Ausbildung erweist sich als entscheidend: Während andere sich darauf beschränken, das Sichtbare zu reproduzieren, erfindet Dodd-Noble mögliche Welten. Ihre Landschaften sind keine offenen Fenster zur Realität, sondern Portale zu dem, was die Welt sein könnte, wenn wir endlich akzeptieren würden, sie mit den Augen der Liebe statt mit denen des Besitzes zu betrachten.
Die Künstlerin verbirgt ihre Einflüsse nicht. Sie nennt insbesondere Lisa Yuskavage, jene Meisterin der Farbe, die Licht in reine Emotion verwandelt. Diese Verbindung ist nicht zufällig: Wie Yuskavage versteht Dodd-Noble, dass Farbe kein bloßer Schmuck, sondern eine eigenständige Sprache ist, die auszudrücken vermag, was Worte nicht sagen können. “Es gibt etwas Intangibleres, das wir erleben, wenn wir einen Baum oder eine Blume im wirklichen Leben oder ein Kunstwerk betrachten”, verrät sie. “Diese Erfahrung interessiert mich am meisten, denn ich denke, sie überschreitet kulturelle Grenzen” [1].
Diese Suche nach dem Immateriellen führt uns direkt ins Herz der bergsonschen Philosophie und zu ihrem revolutionären Konzept des élan vital. Henri Bergson, jener Denker, der zu Beginn des 20. Jahrhunderts unser Verständnis von Leben und Evolution grundlegend veränderte, führte die Idee einer ursprünglichen schöpferischen Kraft ein, die das Leben ständig zu neuen und unvorhersehbaren Formen antreibt. Für Bergson ist das élan vital weder mechanisch noch finalistisch, sondern schöpferisch im Wesen, eine ewige Quelle von Neuem [2]. Dieser schöpferische Impuls, diese “Kraft, die auf unvorhersehbare Weise immer komplexere Formen schafft”, findet in Dodd-Nobles Werk eine besonders erhellende Verkörperung.
Wenn die Künstlerin ihre Bäume in unmöglichen Farben, ihre bonbonrosa Wälder oder smaragdgrünen Vulkane malt, spielt sie nicht nur mit chromatischen Codes: Sie materialisiert jene bergsonsche Energie, die alles Leben belebt. Ihre Landschaften vibrieren mit einer Lebenskraft, die sie förmlich aus der Leinwand zu katapultieren scheint. Man findet hier jenes “Durée”, das Bergson so am Herzen lag, jene subjektiv erlebte Zeit, die der mechanischen Zeit der Wissenschaft entgegengesetzt ist. Jedes Gemälde von Dodd-Noble hält einen Moment der Ewigkeit fest, einen Augenblick, in dem die Natur ihre schöpferische Dimension offenbart. Das bergsonsche élan vital ist hier keine abstrakte Idee mehr, sondern eine sinnliche Realität, die uns durch die expressive Kraft der Farbe mit voller Wucht trifft.
Dieser philosophische Ansatz wird von einem ausgeprägten ökologischen Bewusstsein begleitet. Dodd-Noble malt die Natur nicht als Kulisse, sondern als lebenden Organismus mit eigener Intelligenz. Ihre jüngsten Arbeiten über den tropischen Regenwald in Costa Rica offenbaren ein tiefes Verständnis der Mykorrhizennetze, jener unterirdischen Verbindungen, die es den Bäumen ermöglichen, zu kommunizieren und sich gegenseitig zu unterstützen. “Je mehr Zeit ich in der Natur verbringe, desto näher fühle ich mich einer universellen Wahrheit über die Verbundenheit allen Lebens, die die Trennung übersteigt”, erklärt sie [3]. Diese systemische Sichtweise der Natur spiegelt die aktuellsten wissenschaftlichen Erkenntnisse über die Intelligenz der Wälder wider, übersetzt sie aber in eine malerische Sprache von ergreifender Poesie.
Die Technik von Dodd-Noble trägt voll und ganz zu dieser Ästhetik des Lebensimpulses bei. Ihre übereinanderliegenden Farbschichten schaffen vielfache Tiefen, die unter unseren Augen zu atmen scheinen. Sie arbeitet oft aus direkten Beobachtungen von Bäumen, die sie bei ihren Spaziergängen trifft, wobei sie deren “Persönlichkeit” oder “besondere Energie” notiert, bevor sie sie in Figuren ihrer Kompositionen verwandelt. Diese Methode offenbart einen fast animistischen Zugang zur Malerei, bei dem jedes Naturelement zu einem Wesen mit Bewusstsein und Empfindungsvermögen wird.
Die jüngste Entwicklung ihrer Arbeit bestätigt diese konzeptuelle Reife. Ihre Ausstellungen “Truth of the Forest” bei Massimo De Carlo in Paris im Jahr 2024 oder “Grounded” in der Galerie L21 in Palma de Mallorca im Jahr 2022 zeugen von einer tiefgehenden Reflexion über unsere Beziehung zur Biodiversität. Die Künstlerin erkundet darin das, was sie “die Wahrheit des Waldes” nennt, jene uralte Weisheit, die intakte Ökosysteme besitzen und die unsere technologische Zivilisation weitgehend vergessen hat.
Doch vielleicht offenbart Dodd-Noble ihre Einzigartigkeit am besten in der Art und Weise, wie sie das Licht behandelt. Beeinflusst von den Meistern der Landschaftsmalerei entwickelt sie einen Farbgebrauch, der weit über die Nachahmung der Realität hinausgeht. Ihre neonorangen Himmel, violetten Gräser oder elektrisch blauen Baumstämme sind weder Fantasie noch billige Provokation. Vielmehr drücken sie die energetische Dimension der Natur aus, die unsere begrenzten Sinne nur unvollkommen wahrnehmen. Indem sie die Farbe von ihrer repräsentativen Funktion befreit, ermöglicht Dodd-Noble uns den Zugang zu einer erweiterten Realität, in der die Natur endlich ihre ganze Pracht entfaltet.
Dieser chromatische Ansatz hat seine Wurzeln in der anspruchsvollsten zeitgenössischen Kunst. Der Einfluss von Lisa Yuskavage ist besonders spürbar in dieser souveränen Beherrschung der Farbe als Träger von Emotionen. Yuskavage, bekannt für ihre Techniken aus der Renaissance und ihr außergewöhnliches Verständnis der Farbbeziehungen, hat Dodd-Noble offensichtlich diese Wissenschaft des Lichts vermittelt, die jede Leinwand in ein vollständiges sensorisches Erlebnis verwandelt [4]. Wie ihre Vorgängerin versteht Dodd-Noble, dass Farbe zu einer autonomen Sprache werden kann, die direkt mit unserem Unbewussten kommuniziert, ohne den Filter der Vernunft zu passieren.
Diese künstlerische Verbindung wirft ein neues Licht auf die scheinbare Einfachheit der Kompositionen von Dodd-Noble. Hinter ihren scheinbar naiven Landschaften verbirgt sich eine technische Raffinesse, die von den großen Meistern übernommen wurde. Ihre Ausbildung an der New York Academy of Art hat ihr diese Beherrschung der Lichtverhältnisse und der Raumkonstruktion vermittelt, die die große Malerei von dekorativer Illustration unterscheidet. Jeder Farbeffekt ist kalkuliert, jede Harmonie gewogen, jeder Kontrast gemessen. Diese technische Strenge ermöglicht es der Emotion, sich uneingeschränkt auszudrücken, befreit von den Ungeschicklichkeiten, die oft Amateurhaftigkeit verraten.
Das ökologische Engagement von Dodd-Noble beruht daher nicht auf oberflächlichem Aktivismus, sondern auf einer tiefen Überzeugung, genährt durch ein inniges Verständnis der Mechanismen des Lebendigen. Ihre Gemälde fungieren als stille Manifeste zugunsten einer Versöhnung zwischen Mensch und Natur. Indem sie uns unmögliche, aber wünschenswerte Landschaften zeigt, lässt sie uns erkennen, was wir gerade zu verlieren drohen. Ihre vielfarbigen Wälder sind kein Rückzugsort in eine Fantasiewelt, sondern erinnern an den unendlichen Reichtum einer realen Welt, deren Blindenheit das Verschwinden verurteilt.
Diese politische Dimension ihres Werks drückt sich umso stärker aus, als sie eine direkte Predigt sorgfältig vermeidet. Dodd-Noble malt nicht die ökologische Katastrophe, sie malt die bedrohte Schönheit. Sie prangert nicht die Zerstörung an, sie feiert die Schöpfung. Dieser positive Ansatz offenbart eine bemerkenswerte strategische Intelligenz: Statt den Betrachter mit Schuldgefühlen zu beladen, weckt sie bei ihm den Wunsch, das, was sie zeigt, zu schützen. Ihre Gemälde wirken wie nützliche Viren, die unseren Blick infizieren und unser Verhältnis zur Welt verändern.
Der persönliche Werdegang der Künstlerin beleuchtet diesen Ansatz. Ehemalige Mitarbeiterin der Ölindustrie in Dubai, hat sie die Widersprüche unserer Zeit von innen erlebt. “Es war nicht wirklich eine Wahl”, gesteht sie, wenn sie über ihren künstlerischen Neubeginn spricht. “Ich lebte damals in Dubai, wo es großartige zeitgenössische Kunst gibt. Ich besuchte die Art Dubai Messe und einige Galerien in Al Quoz. Als ich all diese außergewöhnlichen Werke sah, wollte ich auch Werke schaffen können wie diese Künstler” [5]. Diese späte, aber entscheidende Erkenntnis erklärt vielleicht die Dringlichkeit, die ihre Arbeit durchdringt. Dodd-Noble malt, als hätte sie Zeit verloren und wolle sie nun wieder aufholen.
Ihre jüngsten Künstlerresidenzen zeugen von dieser Suche nach Authentizität. Ob in Costa Rica, um tropische Regenwälder zu beobachten, oder in Worlingham Hall in Suffolk, wo ein ehemaliges Jagdgebiet sich in ein Naturschutzgebiet verwandelt, bevorzugt die Künstlerin die direkte Immersion in die Ökosysteme, die sie malen möchte. Dieser fast ethnografische Ansatz nährt ihre Kompositionen mit einer Wahrheit, die reine Vorstellungskraft nicht liefern kann. Jedes Gemälde trägt die Spuren dieser Begegnungen mit dem Lebendigen, jener Augenblicke der Gnade, in denen Künstlerin und Sujet in einem gegenseitigen Verständnis kommunizieren.
Die institutionelle Anerkennung begleitet folgerichtig diese künstlerische Reife. Die anspruchsvollsten Galerien, von Roman Road in London bis L21 in Spanien, sowie Kristin Hjellegjerde, stellen ihre Werke regelmäßig aus. Der Markt für zeitgenössische Kunst beginnt ihren Wert anzuerkennen, wie die Auktionen bei Phillips oder anderen renommierten Häusern zeigen. Doch dieser kommerzielle Erfolg darf das Wesentliche nicht verdecken: Dodd-Noble gehört zu jenen seltenen Künstlerinnen, die ästhetische Anspruchsqualität mit Zugänglichkeit, technische Raffinesse mit direkter Emotion verbinden.
Ihre Arbeit steht in einer glorreichen malerischen Tradition und eröffnet zugleich neue Wege für die Kunst von morgen. Erbin der romantischen Landschaftsmaler und der fauvistischen Koloristen erfindet sie eine bildnerische Sprache, die den Herausforderungen unserer Zeit gerecht wird. Ihre Gemälde beweisen, dass es noch möglich ist, an die Malerei zu glauben, an ihre Fähigkeit, unsere Sicht auf die Welt und damit auch die Welt selbst zu verändern. Angesichts der Umweltkrise und der zeitgenössischen Ernüchterung bietet Dodd-Noble eine künstlerische Antwort von seltener Intelligenz: Statt das verlorene Paradies zu beweinen, malt sie das Paradies, das es wiederzufinden gilt.
Diese zukunftsweisende Vision unterscheidet ihren Ansatz radikal von dem ihrer Zeitgenossen. Wo viele in Nostalgie oder Pessimismus versinken, erfindet sie mögliche Welten neu. Ihre unmöglichen Landschaften werden Programme für die Zukunft, Einladungen, unser Verhältnis zur Natur neu zu erfinden. Indem sie Farbe und Form von realistischen Zwängen befreit, befreit sie auch unsere Vorstellungskraft von ihren zerstörerischen Gewohnheiten. Jedes Gemälde funktioniert wie ein visuelles Gedankenexperiment, ein Labor, in dem neue Lebensweisen auf der Erde erprobt werden.
Der bergsonsche “élan vital” findet in Dodd-Nobles Werk eine besonders fruchtbare Aktualisierung. Diese schöpferische Kraft, die das Leben zu immer neuen Formen treibt, verkörpert sich hier in einer künstlerischen Praxis, die ihre eigenen Mittel ständig neu erfindet. Die Künstlerin begnügt sich nicht damit, eine funktionierende Formel zu wiederholen: Sie erforscht unaufhörlich neue chromatische Territorien, neue kompositorische Architekturen, neue Wege, Abstraktion und Figuration miteinander in Dialog zu bringen.
Diese formale Einfallsreichtum wurzelt in einem tiefen Verständnis der Herausforderungen unserer Zeit. Dodd-Noble weiß, dass Kunst nicht mehr nur schön sein kann: Sie muss auch notwendig sein. Ihre Gemälde entsprechen dieser Forderung, indem sie eine aktive, transformative Schönheit anbieten, die Hoffnung und Veränderung trägt. Sie beweisen, dass Ästhetik immer noch politisch sein kann, ohne dabei ihre sinnliche Dimension zu opfern.
Dieser bemerkenswerte Erfolg platziert Dodd-Noble unter den vielversprechendsten Künstlerinnen ihrer Generation. Mit 36 Jahren hat sie bereits eine erkennbare bildnerische Sprache und eine kohärente Weltanschauung entwickelt. Ihre nächsten Werke werden von allen genau verfolgt, die noch an die transformative Kraft der Kunst glauben. Denn über ihre rein malerischen Qualitäten hinaus trägt Dodd-Nobles Werk eine Hoffnungsbotschaft, die unsere Zeit dringend benötigt.
In einer Welt, in der die Natur vom Untergang bedroht zu sein scheint und zeitgenössische Kunst sich oft ironisch oder verzweifelt gibt, wählt Daisy Dodd-Noble den Weg der aktiven Verzauberung. Ihre Gemälde erinnern uns daran, dass Schönheit kein Luxus, sondern eine Notwendigkeit ist, dass Farbe uns immer noch retten kann und dass die Malerei eines der letzten Refugien der menschlichen Seele bleibt. Allein dafür verdient sie unsere Aufmerksamkeit und Dankbarkeit.
- Massimo De Carlo. “Die Wahrheit des Waldes, Daisy Dodd-Noble”. Ausstellungskommuniqué, Paris, 2024.
- Bergson, Henri. Die schöpferische Evolution. Paris, Félix Alcan, 1907.
- Massimo De Carlo. “Die Wahrheit des Waldes, Daisy Dodd-Noble”. Ausstellungskommuniqué, Paris, 2024.
- Yuskavage, Lisa. Vortrag zur Farbtechnik, zitiert in GRAYSON, Emma. “Daisy Dodd-Noble präsentiert einen verspielten Umweltschutz”. Art of Choice, 29. Februar 2020.
- Grayson, Emma. “Daisy Dodd-Noble präsentiert einen verspielten Umweltschutz”. Art of Choice, 29. Februar 2020.
