Hört mir gut zu, ihr Snobs, ich werde euch von einer Künstlerin erzählen, die malt, als würde die Welt in einem hysterischen Lachanfall zusammenbrechen. Dana Schutz ist jene Frau, die es wagt, unserer Zeit direkt in die Augen zu sehen und sie in all ihrer monströsen Absurdität zu malen, unsere kollektiven Ängste in einen ebenso verstörenden wie begeisternden malerischen Karneval verwandelnd.
In ihrem Atelier in Brooklyn, fern von neugierigen Blicken, schafft sie monumentale Leinwände, auf denen verzerrte Figuren, unmögliche Körper und so unwahrscheinliche Situationen nebeneinander existieren, dass sie erschreckend wahr werden. Ihre Gemälde sind wie verzerrte Spiegel unserer Gesellschaft, die unsere Neurosen mit chirurgischer Präzision, aber stets mit einem beißenden Humor reflektieren. Jeder Pinselstrich scheint die Gewalt und Absurdität unserer Zeit in einer makabren Tanzform zu tragen, die uns ebenso hypnotisiert wie abstößt.
Nehmen wir “Jupiter’s Lottery” (2023), ihre letzte Ausstellung bei David Zwirner in New York. Der Titel bezieht sich auf eine Fabel von Äsop, in der Jupiter eine Lotterie der Weisheit veranstaltet. Als Minerva den Hauptpreis gewinnt, erhalten die Menschen, neidisch, als Trostpreis den Wahnsinn. Und sie sind begeistert! Diese Ausstellung ist eine perfekte Metapher für unsere Zeit, in der der triumphierende Unsinn stolz auf den sozialen Netzwerken Parade läuft, während die Welt brennt. Die Gemälde sind wie Fenster zu einer Parallelwelt, in der die Vernunft endgültig ihren Thron aufgegeben hat.
Hier müssen wir in das philosophische Konzept der “aktiven Idiotie” eintauchen, entwickelt von Jean-Yves Jouannais. Dieser Begriff legt nahe, dass Dummheit nicht einfach die Abwesenheit von Intelligenz ist, sondern eine schöpferische Kraft, die zu einem Werkzeug des Widerstands gegen die bestehende Ordnung werden kann. Der aktive Idiot ist nicht derjenige, der nicht weiß, sondern derjenige, der sich bewusst entscheidet, anders zu wissen, die Welt durch ein verzerrendes Prisma zu sehen, das verborgene Wahrheiten offenbart. In den Gemälden von Schutz scheinen die Figuren ihre eigene Absurdität mit einer wilden Freude zu umarmen, als hätten sie in ihrem Wahnsinn eine Form ultimativer Freiheit entdeckt.
Nehmen Sie “The Gathering” (2023), dieses riesige Gemälde von über 6 Metern Länge: Eine Frau sitzt auf einer kleinen rollenden Plattform, ihr Körper verdreht wie eine entstellte Puppe, umgeben von einer Menge grimassierender Zuschauer. Das ist unsere Spektakelgesellschaft, bis zur Absurdität getrieben, in der jeder seinen eigenen Wahnsinn vor einem gierigen Publikum zur Schau stellt. Die Komposition erinnert seltsam an “Die Freiheit führt das Volk” von Delacroix, aber hier ist die Freiheit eine Zirkusakrobatin geworden, und das Volk eine Versammlung von Voyeuren mit durch eine ungesunde Erregung verzerrten Gesichtern.
Die Körper in ihren Gemälden folgen keiner konventionellen Anatomie. Sie verdrehen sich, strecken sich, zerfallen, als ob das Fleisch selbst sich weigern würde, sich den Gesetzen der Physik zu unterwerfen. Diese systematische Verzerrung führt uns zurück zum Konzept des “Organlosen Körpers”, theoretisiert von Gilles Deleuze und Félix Guattari. Für sie ist der organlose Körper kein leerer Körper, sondern ein Körper, der von auferlegten Organisationen, von vorgegebenen Strukturen befreit ist. Es ist ein Körper, der die Tyrannei der biologischen Organisation ablehnt, um neue Möglichkeiten des Seins zu erkunden. Die Figuren von Schutz sind genau das: Körper, die gegen ihre eigene Form rebellieren, gegen die Zwänge der traditionellen Darstellung.
Dieser Widerstand gegen die natürliche Ordnung zeigt sich besonders in ihrer Art, das Fleisch zu behandeln. Die Haut ihrer Figuren ist niemals nur eine einfache Hülle, sondern ein Schlachtfeld, auf dem ein ständiger Kampf zwischen Form und Formlosigkeit ausgetragen wird. Die Gesichter lösen sich in Farbmasse auf, die Gliedmaßen vervielfachen sich wie in einer alptraumhaften kubistischen Vision, die Oberkörper öffnen sich, um unmögliche Innenwelten zu offenbaren. Es ist, als wolle Schutz nicht das Aussehen der Körper malen, sondern ihre viszerale Erfahrung der Existenz.
In “Beat Out the Sun” (2023) marschiert eine Gruppe von Männern im militärischen Schritt und schwingt Bretter, um die Sonne zu schlagen. Die Szene ist völlig absurd, aber ist das nicht genau das, was wir kollektiv mit dem Klimawandel tun? Wir setzen unsere sinnlosen Rituale fort, während uns das Gestirn daran erinnert, dass wir langsam am Köcheln sind. Die Farbpalette ist explosiv: glühende Orangen, elektrische Blautöne, saure Grüntöne, die aus dem Inneren der Leinwand zu strahlen scheinen. Diese Farben beschreiben nicht die Welt, sie verbrennen sie.
Die Komposition dieses Gemäldes ist besonders bemerkenswert in ihrer Art, mit der Perspektive zu spielen. Die Figuren sind wie auf einem ägyptischen Fries angeordnet, aber ihre kollektive Bewegung erzeugt eine diagonale Spannung, die droht, die ganze Szene kippen zu lassen. Die Sonne, dargestellt als eine brennende Scheibe mit scharfen Strahlen, nimmt das Zentrum der Komposition wie ein unmögliches Ziel ein. Es ist ein Bild, das die Hybris unserer Zeit perfekt einfängt, unseren absurden Glauben, die Kräfte der Natur kontrollieren zu können.
Die Gemälde von Schutz sind bevölkert von Kreaturen, die wie aus einem fröhlichen Albtraum entsprungen scheinen. In “The Visible World” (2023) deutet eine nackte Frau, die auf einem Felsen mitten in einem stürmischen Meer liegt, mit dem Finger auf das steigende Wasser, während ein riesiger Vogel, der auf ihrem Oberschenkel sitzt, in seinem Schnabel die möglicherweise letzte genetisch veränderte Frucht auf der Erde hält. Es ist eine Szene, die zugleich apokalyptisch und burlesk wirkt, als hätte Hieronymus Bosch beschlossen, unsere von ökologischen Zusammenbrüchen besessene Zeit zu malen.
Die weibliche Figur mit ihren unmöglichen Proportionen und ihrer unwahrscheinlichen Pose erinnert an klassische Akte der Kunstgeschichte, gesehen durch die Linse eines verzerrten Spiegels. Ihr Körper ist zugleich verletzlich und monströs, Opfer und Komplizin des Desasters, das sich um sie herum abspielt. Der Vogel wiederum führt mit seiner geheimnisvollen Frucht eine allegorische Dimension ein, die an die Vanitas des 17. Jahrhunderts erinnert, jedoch in unsere Ära genetischer Manipulation und Umweltkatastrophen übertragen wird.
Ihre Technik ist ebenso explosiv wie ihre Motive. Die Farbe wird in dicken Schichten aufgetragen und erzeugt Reliefs, die den Eindruck erwecken, die Figuren könnten sich jeden Moment von der Leinwand lösen. Die Pinselstriche sind sichtbar, fast gewaltsam, als wäre der Akt des Malens selbst eine Art Nahkampf mit der Realität. Diese übermäßige Materialität der Farbe erinnert uns daran, dass wir es mit konstruierten, gefertigten Objekten zu tun haben und nicht mit transparenten Fenstern zur Welt.
Dieser Zugang zum malerischen Material offenbart ein tiefes Verständnis für die Geschichte der modernen Malerei. Man kann den Einfluss des amerikanischen abstrakten Expressionismus erkennen, jedoch für figürliche Zwecke umgedeutet. Die Pastositäten erinnern manchmal an Willem de Kooning, doch während dieser die Figur in der Materie auflöste, nutzt Schutz die Materie, um unmögliche Figuren hervorzubringen. Es ist, als würde sie den Abstraktionsprozess umkehren und ihre Techniken verwenden, um noch intensiver figürliche Bilder zu schaffen.
Die Referenzen zur Kunstgeschichte sind vielfältig in ihrem Werk vorhanden, werden jedoch stets verdaut, verwandelt und unkenntlich gemacht. Man denkt an Philip Guston, an James Ensor, doch diese Einflüsse wirken wie Gespenster, die ihre Gemälde heimsuchen, ohne sie je vollständig zu besitzen. Schutz schafft ihre eigene malerische Sprache, in der Horror und Humor einen schwindelerregenden Pas de deux tanzen.
Dieser Tanz zeigt sich besonders deutlich in ihren Porträts. In “The Arbiters” (2023) malt sie ein Panel grotesker Richter, deren Gesichter durch Ausdrücke verzerrt sind, die zwischen Selbstgefälligkeit und Wahnsinn schwanken. Es ist eine scharfe Kritik an denen, die sich das Recht anmaßen, Kunst, Gesellschaft und das Leben anderer zu beurteilen. Aber es ist auch ein verfremdetes Selbstporträt der Künstlerin selbst, die sich ihrer ambivalenten Position in der zeitgenössischen Kunstwelt bewusst ist.
Die Richter werden als hybride Kreaturen dargestellt, halb Mensch, halb monströs, deren Körper mit ihren Sitzen zu einer störenden organischen Verwirrung verschmelzen. Ihre Ausdrücke sind mit karikaturhafter Präzision wiedergegeben, die an die Bust-Charges von Daumier erinnert, jedoch bis zu einem Punkt der Verzerrung getrieben, an dem das Komische ins Beunruhigende umschlägt. Es ist, als wolle Schutz nicht das Aussehen ihrer Subjekte einfangen, sondern ihre moralische Essenz sichtbar machen, dargestellt durch körperliche Verformung.
Car Schutz ist nicht naiv. Sie weiß, dass ihre Gemälde auf einem Kunstmarkt zirkulieren, der alles in Ware verwandelt, selbst die radikalste Kritik. Doch anstatt sich in zynischem Stillstand zu verlieren, wählt sie es, diese Logik bis zur Absurdität zu treiben. Ihre Gemälde sind wie Farbbomben, die dem Betrachter ins Gesicht explodieren und ihn zwingen, seine eigene Beteiligung an dem kollektiven Wahnsinn, den sie darstellt, zu erkennen.
Dieses scharfe Bewusstsein für den institutionellen Kontext der Kunst zeigt sich besonders eindrücklich in ihren Werken, die Ausstellungssituationen oder Performances inszenieren. In “Presenter” (2023) steht eine Figur vor einem Podium, ihre Kleidung zerzaust, während eine riesige Hand aus der Dunkelheit emporsteigt, um ihr die Worte aus dem Mund zu reißen. Dieses Bild fängt perfekt die Angst der Künstlerin vor den Erwartungen der Kunstwelt ein, aber auch die Gewalt, die jedem Akt der öffentlichen Präsentation innewohnt.
Die Gewalt ist in ihrer Arbeit allgegenwärtig, doch sie ist eine in schöpferische Energie verwandelte Gewalt. In “Sea Group” (2023), einer ihrer Bronzesulpturen, verschlingen sich Figuren in einem makabren Tanz, ihre Körper verschmelzen zu einer organischen Masse, die jeder anatomischen Logik trotzt. Es ist, als würde sich die Materie selbst gegen ihre auferlegte Form auflehnen und neue, unmögliche, aber seltsam lebendige Konfigurationen schaffen.
Diese Skulptur markiert eine neue Richtung in Schutz’ Arbeit und beweist, dass ihre verzerrende Vision ebenso kraftvoll in drei Dimensionen wie in zwei zum Ausdruck kommen kann. Die Figuren scheinen in einer ewigen Bewegung gefangen, als ob das Bronze selbst noch am Aushärten wäre. Dieses Werk fängt perfekt die Spannung zwischen Ordnung und Chaos ein, die ihre ganze Arbeit kennzeichnet.
Die Stärke von Schutz liegt in ihrer Fähigkeit, ein brüchiges Gleichgewicht zwischen Komik und Tragik, zwischen Sozialkritik und reinem malerischem Vergnügen aufrechtzuerhalten. Ihre Gemälde sind wie kosmische Scherze, die uns mit bitterem Lachen konfrontieren und uns zwingen, die Absurditäten unserer Zeit ins Gesicht zu sehen. Sie verwandelt unsere tiefsten Ängste in ein karnevaleskes Spektakel, das es uns ermöglicht, ihnen zu begegnen, ohne in Verzweiflung zu versinken.
Diese Transformation zeigt sich besonders deutlich in ihrer Art, zeitgenössische Themen zu behandeln. Ob es die Klimakrise, genetische Manipulation oder die Gesellschaft des Spektakels ist, sie nähert sich diesen Themen nicht mit der gehobenen Ernsthaftigkeit der “engagierten” Kunst, sondern mit beißender Ironie, die ihre fundamentale Absurdität offenlegt. Es ist ein Ansatz, der an das vom Michail Bachtin entwickelte Konzept des “Karnevalesken” erinnert, bei dem das Lachen ein Mittel ist, etablierte Hierarchien zu untergraben und verborgene Wahrheiten zu enthüllen.
In einer Welt, in der sich zeitgenössische Kunst oft in leblosen konzeptuellen Abstraktionen oder sterilisiertem Minimalismus verliert, wagt Schutz es, maximalistisch, übertrieben, grotesk zu sein. Sie malt, als hinge ihr Leben davon ab, als wäre jedes Gemälde ein verzweifelter Versuch, dem Chaos unserer Zeit Gestalt zu geben. Ihre Werke bieten keinen Trost einer distanzierten Betrachtung, sondern reißen uns in ihren Strudel aus Formen und Farben hinein.
Ihre Arbeit bietet keine einfachen Lösungen, keine tröstliche Moral. Stattdessen bietet sie uns ein befreiendes Lachen angesichts der Absurdität unserer Existenz. Ein Lachen, das wie ein Donnerschlag am künstlichen Himmel der zeitgenössischen Kunst widerhallt und uns daran erinnert, dass Malerei noch immer eine lebendige, störende und notwendige Kraft sein kann.
Jedes Gemälde von Schutz ist wie ein neuer Vorschlag dafür, wie wir die Welt sehen könnten, wenn wir den Mut hätten, unsere Gewissheiten aufzugeben. Ihre verzerrten Figuren, ihre unmöglichen Räume, ihre halluzinierenden Farben sind keine Flucht in die Fantasie, sondern Versuche, eine Realität einzufangen, die den konventionellen Darstellungsweisen entgeht. Sie zeigt uns, dass die Wahrheit vielleicht nicht in der Genauigkeit der Darstellung liegt, sondern in der Intensität der Erfahrung.
In einer Welt, die dem Untergang mit einem Lächeln im Gesicht entgegeneilt, ist Dana Schutz die Künstlerin, die wir brauchen: jene, die es wagt, dem Wahnsinn direkt ins Auge zu sehen und ihn in seiner grotesken Pracht zu malen. Sie zeigt uns, dass wenn wir schon auf dem Vulkan tanzen müssen, wir es mit Stil und Pfiff tun sollten, und über unsere eigene Absurdität bis zur letzten Sekunde lachen. Ihre Gemälde sind Spiegel, die uns unser verzerrtes Bild zurückgeben, vielleicht wahrer als das, was wir gewöhnlich sehen. Gerade in ihrem Übermaß erinnern sie uns daran, dass Kunst nicht klug sein muss, um tiefgründig zu sein, und nicht ernst, um die Wahrheit zu sagen.
