Hört mir gut zu, ihr Snobs. Es gibt in der heutigen Welt eine stille Invasion, die sich unter uns ausbreitet. Nicht jene der Algorithmen, die uns bei jedem Klick überwachen, sondern die einer Künstlerin, deren Gemälde die Eingeweide unserer Existenz mit schonungsloser Offenheit enthüllen. Zhang Zipiao, diese 1993 in Peking geborene chinesische Malerin, präsentiert uns die rohe Anatomie unserer Zeit durch ihre fleischlichen Abstraktionen.
In einem künstlerischen Universum, das oft von dem Wettlauf um konzeptuelle Originalität dominiert wird, nimmt Zhang Zipiao das traditionellste Medium überhaupt, die Ölmalerei, um Werke zu schaffen, die jede einfache Klassifizierung herausfordern. Weder ganz abstrakt noch genau figurativ, bewohnen ihre Gemälde diesen Zwischenraum, in dem die malerische Materie Fleisch wird, wo Pinselstriche pulsierende organische Gewebe werden.
Beim ersten Betrachten eines Gemäldes von Zhang Zipiao wird man sofort von der chromatischen Intensität beeindruckt. Blutrote Rottöne, fleischige Rosa- und tiefe Purpurtöne verschlingen sich in einem viszeralen Tanz, der gleichzeitig Leben und Tod evoziert. Ihre Kompositionen streben nicht danach zu gefallen, sondern eine instinktive, fast körperliche Reaktion hervorzurufen. Wie sie selbst erklärt: “In meiner malerischen Praxis denke ich nicht, dass Inspiration aus dem Nichts entsteht, sondern eher durch fleißiges Schaffen, durch Mischen der Farben und Bewegen der Pinsel; die sich ständig weiterentwickelnde Bildsprache liefert mir einen stetigen Zufluss an neuen Inspirationen”[1].
Dieser intuitive Ansatz erinnert an den amerikanischen abstrakten Expressionismus, doch Zhang Zipiao verleiht ihm eine Sensibilität, die tief in ihrer persönlichen Erfahrung verwurzelt ist. Aufgewachsen in einem China im Wandel, wurde sie von klein auf mit medizinischen Bildern konfrontiert, die ihre Mutter, Ärztin, mit nach Hause brachte. Diese anatomischen Visionen, diese von intensivem Rosa und Rot hervorgehobenen Kehlen, hinterließen einen unauslöschlichen Eindruck in ihrer künstlerischen Vorstellungskraft.
Zhang gehört jener Generation chinesischer Künstler an, die zwischen zwei Welten aufwuchs: der chinesischen Tradition und der rasant voranschreitenden Globalisierung. Zunächst am Maryland Institute College of Art und dann an der School of the Art Institute of Chicago ausgebildet, hatte sie die Gelegenheit, sich direkt mit den Werken auseinanderzusetzen, die ihre künstlerische Vision nährten. Die Entdeckung von Francis Bacons Gemälde “Figure with Meat” (1954) im Modern Wing in Chicago war für sie eine Offenbarung, eine Bestätigung der expressiven Kraft, die die Darstellung von Fleisch haben kann.
Was Zhang Zipiao von vielen anderen Künstlerinnen ihrer Generation unterscheidet, ist ihre Fähigkeit, Themen, die traditionell mit Schönheit und Zartheit verbunden sind, umzudeuten, um deren physische, fast brutale Dimension zu offenbaren. Ihre Serien “Floral Field”, “Peony”, “Lily” oder “Calla Lily” sind keine einfachen Blumenabbildungen, sondern Erkundungen der Textur des Lebens selbst. “Ich wollte immer die Textur eines Blütenblatts einfangen”, gesteht sie. “Das ist vergleichbar mit menschlicher Haut in ihrer Dicke, Feuchtigkeit und auch ihren Venen, wie ein Augenlid”[2].
Diese Analogie zwischen Pflanze und Mensch ist kein Zufall. Für Zhang ähneln Granatapfelkerne Nieren oder Herzen im Inneren des menschlichen Körpers. Die Linien auf den Blütenblättern erinnern sie an Venen in menschlichen Armen und Beinen, und die dicken, feuchten Blütenblätter verweisen auf menschliches Fleisch. Diese einheitliche Sicht auf das Lebendige bildet die Grundlage ihrer künstlerischen Praxis.
Die körperliche Dimension ihrer Arbeit erreicht ihren Höhepunkt in ihrer Serie “Battlefield” (2021-2022), in der die Formen fast vollständig abstrakt werden und nur noch Massen von Fleisch erkennen lassen, die von fließenden Kurven geformt sind. Diese monumentalen Werke, von denen einige bis zu sechs Meter breit sind, schaffen eine eindrucksvolle visuelle Wirkung, als ob der Betrachter vor einem organischen Schlachtfeld stünde, auf dem ein innerer Kampf ausgetragen wird.
Die Frage des weiblichen Blicks auf den Körper steht im Zentrum von Zhang Zipiaos Werk. In einem Kontext, in dem der weibliche Körper historisch vom männlichen Blick objektifiziert wurde, bieten ihre Gemälde eine radikal andere Perspektive. Ihre weiblichen Akte, stark desktrukturiert und abstrakt, bewahren dennoch eine verstörende Intimität. Der Darstellungswinkel, oft sehr persönlich und privat, verleiht den Werken eine starke emotionale Intensität und beansprucht zugleich die Autonomie des weiblichen Subjekts gegenüber dem äußeren Blick.
Um die Tragweite von Zhang Zipiaos Arbeit voll zu verstehen, ist es notwendig, sie im größeren Kontext der Ästhetik der Gewalt einzuordnen, einem von der Philosophin Simone Weil entwickelten Konzept. In ihrem Essay “La Pesanteur et la Grâce” erforscht Weil die komplexe Beziehung zwischen Schönheit und Gewalt und schlägt vor, dass wahre Schönheit nicht in oberflächlicher Harmonie liegt, sondern im ehrlichen Umgang mit der Brutalität der Realität. “Die Schönheit fesselt das Fleisch, um die Erlaubnis zu erhalten, zur Seele vorzudringen”, schreibt sie [3]. Zhang Zipiaos Gemälde verkörpern genau diese Spannung zwischen Schönheit und Gewalt. Ihre Kompositionen, von einer seltsamen und beunruhigenden Schönheit, zwingen uns, dem ins Gesicht zu sehen, was wir oft lieber ignorieren würden: die Zerbrechlichkeit unseres leiblichen Daseins, die Durchlässigkeit zwischen Leben und Tod, die Gewalt, die dem Lebensprozess innewohnt.
Der Einfluss digitaler Kunst und der visuellen Kulturen sozialer Netzwerke ist in ihrer Arbeit ebenfalls spürbar. Ihre kontrastreichen Farbpaletten und grafischen Linien spiegeln deutlich den Einfluss digitaler Bilder und Bildschirme wider. Diese zeitgenössische Dimension verankert ihr Werk in unserer Zeit und ermöglicht zugleich den Dialog mit der malerischen Tradition.
Die COVID-19-Pandemie markierte einen Wendepunkt in Zhang Zipiaos Praxis. Während der drei langen Jahre der Isolation Chinas vom Rest der Welt entwickelte die Künstlerin einen neuen, instinktiveren Ansatz, bei dem sie die Leinwand ohne vorab festgelegten Plan mit roher Emotion und purer Energie ansprach. Dieser Prozess ist ihre Antwort auf die in dieser turbulenten Zeit erlebte Unsicherheit, sowohl auf persönlicher als auch auf kollektiver Ebene.
In ihrer Serie “Mother of Pearl” (2023), die in ihrer Ausstellung “Swallow Whole” in der Galerie LGDR in New York gezeigt wurde, erforscht Zhang die kraftvolle Symbolik von Austern und Perlen. Das monumentale Diptychon “Mother of Pearl 08” (2023), das sich über vier Meter Breite erstreckt, zeigt eine destrukturierte Auster, umgeben von wirbelnden Linien wie brechende Farb-Wellen. Dieses Werk erinnert an Botticellis “Die Geburt der Venus”, doch hier fehlt die Liebesgöttin, sodass wir der leeren Muschel gegenüberstehen, einem ambivalenten Symbol von Fruchtbarkeit und Leere.
Die Ausstellung “Moonquake” im Long Museum West Bund im Jahr 2022 war ihre erste institutionelle Einzelausstellung auf dem chinesischen Festland. Der Titel bezieht sich auf Erschütterungen, die unter der scheinbar ruhigen Oberfläche des Mondes auftreten, eine Metapher für die komplexen mentalen Zustände der Zeitgenossen, die Fülle weiblicher Emotionen und die Verbindung zwischen dem Akt des Malens und der Tiefe des menschlichen Bewusstseins.
Die sexuelle Dimension ist in den Werken von Zhang Zipiao niemals fern, wird jedoch mit einer Subtilität behandelt, die Erwartungen durchkreuzt. Ihre Arbeiten erinnern an Georgia O’Keeffe und Louise Bourgeois mit ihren inhärenten freudianischen Analysen, doch Zhang schreibt ihre Faszination für Spinnen und Austern eher den langen Nächten in den Abgründen der sozialen Medien als der Kunstgeschichte zu. “Mitten in der Nacht taucht eines dieser Videos auf, das zeigt, wie jemand Perlen aus dem Fleisch der Muscheln herauszieht”, erklärt sie. “Es ist fast wie bei Dr. Pimple Popper, wie die Perlen herauskommen. Alles ist so schwammig. Ich konnte nicht aufhören, diese Videos anzusehen, und dachte ‘Ich werde das malen'” [4].
Diese Anekdote offenbart viel über ihren kreativen Prozess. Zhang Zipiao arbeitet ohne vorbereitende Skizzen, ohne lebende Modelle oder Referenzfotos, sondern vertraut lieber auf ihre Vorstellungskraft und ihr Gedächtnis. Sie beginnt, mutig auf eine leere Leinwand zu kritzeln, lässt Linien, Formen und Konturen sie zum nächsten Schritt führen. Dieser Ansatz erinnert an die Haltung der abstrakten Expressionisten, für die Emotion die treibende Kraft war, die die Leinwand füllte.
Die Kunstkritikerin Katie White hat zu Recht beobachtet, dass Zhang “aus einem Gefühl der Isolation, der Flucht und des voyeuristischen Genusses sowie der Perversion schöpft, die unseren Alltag durchdringen. Die Ordnung hält kaum stand; wir sind überflutet von ihrem Gewirr aus Bandmalereien, die sich ansammeln, bereit, umzukippen und zu zerstreuen. Die Opulenz von alledem könnte unser Untergang sein.”
Diese Opulenz, diese fast übermäßige Fülle an malerischem Material und symbolischen Bezügen, ist tatsächlich charakteristisch für das Werk von Zhang Zipiao. Sie erinnert uns an Stillleben, Vanitas der westlichen Tradition, diese üppigen Darstellungen von Nahrung, die als Symbole moralischer Verwahrlosung und Mahnungen an die Vergänglichkeit der Seele dienten.
Der Gebrauch von Rot in Zhangs Werk ist besonders interessant. Für sie sind Rot-, Rosa- und Purpurtöne eine Art Grauskala in ihrem Schaffen, ein Grundfarbregister des Fleisches, das sie nach oben oder unten moduliert. “Rot ist eine Farbe, die sowohl sehr gut als auch sehr schlecht sein kann. Sie kann eine Warnung sein, Rot kann dir sagen, halte an. Es symbolisiert Leidenschaft, Vitalität, aber auch Blut”, sagt sie. “Es ist eine Extreme Farbe, und ich würde nicht sagen, dass ich sie persönlich liebe.”
Diese Ambivalenz gegenüber ihrer dominanten Farbe spiegelt perfekt die Spannung wider, die ihr gesamtes Werk durchzieht: zwischen Verführung und Abstoßung, zwischen Genuss und Schmerz, zwischen Leben und Tod. Zhang Zipiao präsentiert uns eine Kunst, die Selbstzufriedenheit ablehnt und von uns eine ehrliche Auseinandersetzung mit unserer fleischlichen Existenz verlangt.
Die Kraft von Zhang Zipiaos Werk liegt darin, dass sie uns physisch spüren lässt, was wir sehen. Ihre Gemälde sind nicht einfach zu betrachten, sie sind zu erleben. Sie erinnern uns daran, dass die kraftvollste Kunst nicht die ist, die uns in unseren Gewissheiten bestärkt, sondern die, die uns stört, erschüttert und letztlich verwandelt.
In einer von Konzeptkunst und Digitalem dominierten Welt der zeitgenössischen Kunst bekräftigt Zhang Zipiao kraftvoll die Relevanz und Kraft der Malerei als Medium, das uns mit unserer grundlegendsten Menschlichkeit verbindet. Durch ihre sinnlichen Abstraktionen lädt sie uns zu einer authentischen, viszeralen Erfahrung ein, die kulturelle Grenzen überschreitet und uns an unsere gemeinsame Bedingung erinnert.
- Zitat von Zhang Zipiao über ihre malerische Praxis, entnommen von der offiziellen Website der Galerie Lévy Gorvy Dayan, 2023.
- Äußerungen, die Katie White bei einem Interview mit der Künstlerin für Artnet News im Juni 2023 gesammelt hat.
- Weil, Simone. “Die Schwere und die Gnade”, Plon, 1947.
- Interview mit Katie White für Artnet News, “In Peking ansässige Malerin Zhang Zipiao abstrahiert den Überfluss des Lebens, das Fleisch, die Blumen, die Früchte in ihren opulenten Stillleben”, Juni 2023.
