Das Meer der Linien mit Kugelschreiber von Ulla Hase

Hört mir gut zu, ihr Snobs, die zeitgenössische Kunst ist voller Netzwerke, die von medialen Genies und Kuratoren, die von dem letzten Wunderkind besessen sind, gesponnen werden. Aber manchmal, nur manchmal, trifft man auf eine Künstlerin, die wirklich im heiligen Schweigen ihrer Praxis arbeitet, als ob die Außenwelt nicht existierte. Ulla Hase gehört zu diesen Künstlerinnen. Diese deutsche Künstlerin, geboren 1966 in Kiel und in Brüssel ansässig, schafft Zeichnungen, die in einem Raum-Zeit-Kontinuum auftauchen, in dem Denken und Körperbewegung in einem meditativen und zutiefst physischen Tanz verschmelzen.

Was wissen wir über sie? Preisträgerin des Luxembourg Art Prize 2023, diese Künstlerin, die mit dem Kugelschreiber arbeitet, ja, Sie haben richtig gelesen, diese billigen Instrumente, die Ihnen der Postbote reicht, um eine Empfangsbestätigung zu unterschreiben, verwandelt dieses bescheidene Material in ein Werkzeug der Transzendenz. In ihrem Atelier in Brüssel verpflichtet sich Hase zu einem Akt hartnäckiger Wiederholung, zeichnet Linien, die sich anhäufen, überlagern und schließlich vor unseren Augen wie die Oberfläche eines mikroskopischen Ozeans vibrieren.

Ihr Werk “Multiple silences” (2023), sechs monumentale Zeichnungen mit Kugelschreiber auf Papier, versenkt uns in ein Meer aus blauen Linien, die zu pulsieren, zu atmen und sich bis ins Unendliche auszudehnen scheinen. Es ist eine Arbeit, die unsere Kultur der Unmittelbarkeit und des Spektakulären kategorisch ablehnt. Hase bittet Sie, langsamer zu werden, zu beobachten, einen kontemplativen Zustand zu betreten, in dem Wahrnehmung eine aktive anstatt passive Tätigkeit wird.

Was mir an ihrer Arbeit gefällt, ist ihre tiefe Beziehung zur Literatur des Absurden, besonders der von Samuel Beckett. Haben Sie es nicht bemerkt? Wie bei Beckett gibt es bei Hase diese Beharrlichkeit der Wiederholung, die nie wirklich Wiederholung ist. In “Warten auf Godot” (1952) schreibt Beckett: “Nichts passiert, niemand kommt, niemand geht, das ist schrecklich” ^[1]. In dieser scheinbaren Monotonie verbirgt sich eine ganze Kosmologie von Emotionen und Bedeutungen. Ebenso wiederholt Hase unermüdlich dieselbe Geste, eine Linie zu ziehen, aber jede Linie ist einzigartig, schwingt vor einer besonderen Intensität.

Der irische Schriftsteller sagte: “Immer wieder versuchen. Immer wieder scheitern. Besser scheitern” ^[2]. Ist das nicht genau das, was Hase tut? Sie zeichnet, sie überarbeitet, sie beharrt. Sie macht aus Versagen und Versuch eine Ästhetik. Ihre Zeichnungen zeugen von einer fast absurden Beharrlichkeit angesichts der Leere der weißen Seite, wie die Figuren Beckett, die weiter sprechen, um die Stille zu vermeiden.

In ihren abstrakt-geometrischen Zeichnungen wird jede Linie zu einem “Wort” in einer persönlichen visuellen Sprache, die, wie bei Beckett, versucht, das Unaussprechliche auszudrücken. Wie sie selbst erklärt: “Zeichnen ist ein Mittel, die Linie, einen physischen und mentalen Raum, in Bewegung zu verwandeln. Diese Interaktion von Hand und Geist auf dem Papier hilft mir, meine Emotionen zu vertiefen und zu strukturieren.”

Schauen Sie sich genau ihr Werk “Sans titre” (2019) an, diese riesige Komposition mit blauem Kugelschreiber auf seidenmattes Arches-Papier. Sie gleicht einem komplexen Gewebe, das Tag für Tag, Geste für Geste entstanden ist. Die Künstlerin gesteht, sie habe sich “in dieser blauen Landschaft verloren”. Ist das nicht derselbe Verlust wie bei Beckett-Figuren, die in einer Welt umherirren, in der Orientierungspunkte verschwinden?

Diese Ähnlichkeit mit Beckett’s Universum ist nicht zufällig. Sie offenbart eine tiefe Sicht auf das menschliche Dasein, bei der der repetitive Akt zu einer Form des Widerstands gegen die Absurdität der Welt wird. Jede Linie ist eine Aussage: “Ich bin noch da.” Jede vollendete Zeichnung: “Ich habe beharrt.”

Aber es wäre verkürzend, das Werk von Ulla Hase auf diese einzige Herkunft zu beschränken. In ihrer Arbeit gibt es eine Dimension, die sich auch auf organische Architektur bezieht, und zwar besonders auf die Theorien, die der finnische Architekt Juhani Pallasmaa entwickelt hat. Dieser entwickelt in seinem Werk “Die Augen der Haut” einen phänomenologischen Ansatz der Architektur, der die vollständige sinnliche Erfahrung statt nur des Sehens bevorzugt ^[3].

Pallasmaa kritisiert unsere okulozentrische Kultur und fordert eine Architektur, die alle Sinne einbezieht, einschließlich des Tastsinns. Er schreibt: “Die Haut liest die Textur, das Gewicht, die Dichte und die Temperatur des Materials” ^[4]. Ebenso rufen die Zeichnungen von Ulla Hase, obwohl visuell, eine tiefe taktile Erfahrung hervor. Beim Betrachten ihrer Werke spürt man fast körperlich die wiederholte Bewegung ihrer Hand auf dem Papier, den Druck des Stiftes, die durch Akkumulation entstandene Textur.

Diese haptische Dimension ist in “Troubled times” offensichtlich, wo die Tinte überläuft und aus dem Rahmen blutet und uns daran erinnert, dass wir es mit einer lebendigen Materie zu tun haben, die auf die Gesten der Künstlerin reagiert. Ihre Werke sind keine kalten und berechneten Darstellungen einer vorgefassten Vision, sondern Räume, in denen die Architektur der Zeichnung sich schrittweise, organisch durch einen ständigen Dialog zwischen Hand, Werkzeug und Untergrund aufbaut.

Wie bei Pallasmaa gibt es bei Hase ein ausgeprägtes Bewusstsein für den Raum als Ort körperlicher Erfahrung. Ihre Zeichnungen schaffen virtuelle architektonische Räume, in denen der Blick schweifen, sich verlieren und ausruhen kann. In “Multiple silences” erzeugen die Schichten blauer Linien einen eindringlichen Eindruck von Tiefe und Bewegung, der den Betrachter zu einer räumlichen Erkundung einlädt, die den ganzen Körper einbezieht, nicht nur die Augen.

Der finnische Architekt behauptet, dass “Architektur die Erfahrung des Daseins in der Welt artikuliert und unser Gefühl für Realität und Selbst stärkt” ^[5]. Ebenso artikulieren die Zeichnungen von Ulla Hase die Erfahrung, in einer Welt von ständig in Bewegung befindlichen Empfindungen und Gedanken zu sein. Sie verankern uns im Hier und Jetzt der Wahrnehmung und öffnen zugleich unendliche Räume der Kontemplation.

Dieser phänomenologische Ansatz der Kunst schließt sich Hases eigener Philosophie an, die sagt: “Ich interessiere mich für Fragen körperlichen und intellektuellen Wissens. […] In meiner künstlerischen Arbeit schaffe ich Schnittstellen, indem ich sowohl die zeitlichen Aspekte als auch die räumlichen Dimensionen meiner Umgebung forme”. Ihre Kunst wird so zu einer Form zeitlicher und räumlicher Architektur, einem Ort, den man mit Blick und Bewusstsein bewohnen kann.

Die klösterliche Geduld, mit der Hase ihre Werke schafft, trotzt unserer von Geschwindigkeit besessenen Zeit. Sie vergleicht ihren Prozess mit der Entstehung von Kohle: “Es ist ein bisschen wie Holzkohle, die sich unter bestimmten Bedingungen bildet. Über Millionen von Jahren speichert sie Energie, die viel später genutzt werden kann.” Diese Sichtweise der Kunst als langsamer Prozess der Energieakkumulation steht direkt im Gegensatz zu unserer Kultur der unmittelbaren Befriedigung und erinnert uns daran, dass manche Dinge einfach nicht beschleunigt werden können.

In einer Zeit, in der künstliche Intelligenz verspricht, “Meisterwerke” in wenigen Sekunden zu erzeugen, stellt Hases sorgfältige und manuelle Arbeit einen Akt des Widerstands dar. Jede gezogene Linie ist ein gelebter Moment, ein Puls des Lebens, der von keinem Algorithmus simuliert werden kann. Wie sie betont: “Der Bereich der persönlichen Erfahrung unterscheidet sich von dem, was der Fluss digitaler Bilder uns suggeriert.”

Es gibt etwas zutiefst Berührendes an diesem beharrlichen Zeichnen Tag für Tag, das Wiederholen derselben Gesten, ohne je genau dasselbe Ergebnis zu erzielen. Hase praktiziert eine Form asketischer Kunst, die an die Mönchskopisten des Mittelalters erinnert, die in der Einsamkeit ihrer Zellen an Manuskripten arbeiteten, die nur wenige Menschen sehen würden.

Und doch hallt diese scheinbar isolierte Arbeit mit unserer zeitgenössischen Situation wider. In einer Zeit, die von Informationen überschwemmt ist, in der “wir angeblich 24 Stunden am Tag mit Fakten überflutet werden”, wie Hase sagt, bieten ihre Zeichnungen einen Ort der Klärung, einen Raum, in dem die Zeit sich dehnt und der Gedanken endlich atmen kann.

Das Bemerkenswerteste an Ullas Hases Werk ist vielleicht ihre Fähigkeit, gewöhnliche Materialien wie einen Kugelschreiber und ein Blatt Papier zu Vehikeln der Transzendenz zu verwandeln. Sie arbeitet mit dem, was jeder zur Hand hat, erzielt aber Ergebnisse, die das Verständnis übersteigen. Ist das nicht die eigentliche Definition von künstlerischer Alchemie?

Ihre Beteiligung an der Ausstellung “Beyond the lines. Drawing in space” in der Villa Empain im Jahr 2024 hat ihren Platz unter den zeitgenössischen Künstlerinnen bestätigt, die die Kunst des Zeichnens neu definieren. Wie ein belgischer Kritiker bemerkte, sind ihre Schöpfungen “kontemplativ, ja sogar meditativ” und erzeugen “einen überraschenden Eindruck von Tiefe und Bewegung” ^[6].

Hase reiht sich in eine Reihe von Künstlerinnen ein, die die Potenziale des repetitiven und meditativen Zeichnens erforscht haben; sie nennt Eva Hesse, Gego, Geta Bratescu und Julie Mehretu unter ihren “stillen Heldinnen”. Doch ihre Stimme ist eigenständig, verwurzelt in ihrer persönlichen Erfahrung und ihrer Beziehung zur Welt.

Geboren im Norden Deutschlands in einer protestantischen Familie, in der “man die Arbeit machen musste, ohne sich zu beklagen”, verbrachte sie ihre Kindheit damit, Steine auf den Feldern aufzusammeln und ihre Mutter abends beim Stricken und Sticken zu beobachten. Hase entwickelte eine Arbeitsethik, die jeden Aspekt ihrer künstlerischen Praxis durchdringt. Diese Strenge ist niemals streng oder kalt; im Gegenteil, sie dient einem tiefen Ausdruck, der das Universelle berührt.

Die Kunst von Ulla Hase erinnert uns daran, dass in einer Welt, die das Spektakuläre und das Sofortige schätzt, wahre Radikalität vielleicht darin besteht, sich Zeit zu nehmen, eine einfache Geste zu wiederholen, bis sie ihre ganze Komplexität offenbart, und Stille-Räume zu schaffen, in denen das, was nicht gesagt werden kann, endlich auftauchen kann. In Beckett’s Worten noch einmal: “Jedes Wort ist ein Fleck auf der Stille” ^[7]. Hases Linien sind Spuren auf dem weißen Schweigen des Papiers und formen eine visuelle Sprache, die direkt unsere Sinne anspricht.

Ich ermutige Sie, in dieses Universum vibrierender Linien einzutauchen, in diesen blauen Ozean materialisierter Gedanken. Sie werden nicht unverändert daraus hervorgehen.

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1. Beckett, Samuel. “Warten auf Godot”, Les Éditions de Minuit, Paris, 1952.
2. Beckett, Samuel. “Worstward Ho” (“Kap zum Schlimmsten”), aus dem Englischen von Édith Fournier, Les Éditions de Minuit, Paris, 1991.
3. Pallasmaa, Juhani. “Die Augen der Haut: Architektur und Sinnlichkeit”, aus dem Englischen von Jean-Paul Curnier, Éditions du Linteau, Paris, 2010.
4. Ebd.
5. Ebd.
6. Furniere, Andy. “Beyond the lines. Drawing in space in Villa Empain: dansen op een dunne lijn”, BRUZZ, 2. Juli 2024.
7. Beckett, Samuel. “Molloy”, Les Éditions de Minuit, Paris, 1951.