Hört mir gut zu, ihr Snobs: wenn ihr immer noch glaubt, dass digitale Animation nur eine Abfolge bunter Bilder ist, die dazu dienen, die ungebildeten Massen zu unterhalten, dann ist DeeKay Kwon hier, um euch eine Lektion in Demut zu erteilen. Dieser südkoreanische Künstler, geboren 1989, verbrachte ein Jahrzehnt damit, seine Kunst in den Konzern-Tempeln von Google und Apple zu verfeinern, bevor er sich befreite, um Werke zu schaffen, die unsere Beziehung zur Zeit, zur Existenz und zur zeitgenössischen menschlichen Bedingung hinterfragen. Sein Werdegang ist der eines Mannes, der es verstanden hat, den goldenen Ketten des Angestelltenverhältnisses zu entkommen und totale kreative Freiheit zu ergreifen. Seit 2021 erschafft DeeKay ein visuelles Universum, in dem die Einfachheit von Retro-Videospielen mit der existenziellen Komplexität unseres modernen Lebens verschmilzt. Seine Animationen, die an Sammler wie Cozomo de’ Medici für mehr als eine Million Dollar verkauft werden, sind keine bloßen Handelsprodukte: Sie sind visuelle Meditationen über unseren flüchtigen Aufenthalt in dieser Welt.
Das Werk von DeeKay findet einen besonderen Widerhall in der Philosophie des französischen Denkers Henri Bergson, der sein Leben der Neugestaltung des Zeitbegriffs widmete. In L’Évolution créatrice zieht Bergson eine grundlegende Unterscheidung zwischen der messbaren Zeit der Wissenschaft und der von Bewusstsein erlebten Dauer [1]. Für den Philosophen ist die wissenschaftliche Zeit eine künstliche Vergesellschaftung, die die Existenz in diskontinuierliche Momente zerteilt, während die authentische Dauer ein kontinuierlicher Fluss ist, in dem Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft unauflöslich ineinander übergehen. Diese Sichtweise findet eine eindrucksvolle Illustration in DeeKays Animation Life and Death, in der eine Figur alle Lebensphasen in dreißig Sekunden durchschreitet. Der Künstler begnügt sich nicht damit, isolierte Momente nebeneinanderzustellen: Er schafft eine fließende Kontinuität, in der jede Lebensphase die Spuren dessen trägt, was war, und die Keime dessen, was sein wird. Der gelbe Schmetterling, der das Kind zu Beginn des Werks führt, erscheint symbolisch den gesamten Weg hindurch wieder und verkörpert jene Erinnerung, die Bergson eigen ist und die gesamte Existenz durchdringt und vereint.
Bergsons Auffassung von Dauer steht im radikalen Gegensatz zur objektiven Zeitmessung durch Uhren. Bergson zeigt, dass das Bewusstsein nicht in einer mathematischen Zeit lebt, sondern in einer qualitativen Dauer, in der sich die Augenblicke ineinander auflösen. DeeKay fängt diese Unterscheidung intuitiv ein, wenn er den sich wiederholenden Alltag des Stadtarbeiters in Busy Boy animiert. Die kreisförmigen Bewegungen der Figur, die vom Schlaf zum Büro und vom Büro zum Schlaf geht, stellen keine bloße chronologische Abfolge dar: Sie drücken die gelebte Erfahrung einer entfremdeten Temporalität aus, bei der sich jeder Tag zum vorherigen addiert und eine drückende Masse der Monotonie bildet. Diese Darstellung entspricht dem, was Bergson in La Pensée et le Mouvant als die “Dauer, die sich zusammenzieht oder dehnt” gemäß unserem psychologischen Zustand bezeichnet [2]. Die Zeit des erschöpften Arbeiters dehnt sich endlos aus, während die Momente familiären Glücks in DeeKays Werken im Fluge vergehen.
Die Animation Hands of Time treibt diese Überlegung noch weiter. DeeKay stellt darin buchstäblich Hände dar, die Momente des Lebens wie Gegenstände manipulieren, was unsere moderne Beziehung zur Zeitlichkeit veranschaulicht: Wir versuchen verzweifelt, eine Zeit zu erfassen, zu halten und zu kontrollieren, die uns unaufhaltsam entgleitet. Diese Materialisierung der Zeit entspricht genau dem, was Bergson als missbräuchliche Räumlichmachung der Dauer kritisiert. Wir verwandeln den lebendigen Fluss unseres Daseins in eine Abfolge von festen Punkten, fotografierbaren Augenblicken, digitalen Erinnerungen, die in unseren Geräten gespeichert sind. DeeKay inszeniert diese zeitgenössische Spannung zwischen dem natürlichen Fluss des Lebens und unserer Besessenheit von seiner künstlichen Bewahrung. Seine Figuren laufen, springen, fallen und stehen in einer ewigen Bewegung auf, die die tödliche Starrheit des eingefrorenen Moments ablehnt.
Die Philosophie Bergsons findet auch in der Darstellung des Alterns bei DeeKay Resonanz. Der Philosoph betont, dass Altern nicht einfach das Addieren von Jahren ist, sondern das Anhäufen einer inneren Dauer, die das Sein ständig bereichert und verwandelt. In Life and Death altert die Figur nicht durch bloße Anhäufung von Alter: Sie wird allmählich das, was ihre Vergangenheit aus ihr gemacht hat. Jede Erfahrung integriert sich in ihre Substanz und verändert ihre Art, sich zu bewegen, die Welt zu betrachten und mit ihrer Umwelt zu interagieren. Diese organische Sicht auf die gelebte Zeit steht im Gegensatz zur mechanistischen Auffassung eines Lebens, das in standardisierte Altersabschnitte eingeteilt wird. DeeKay versteht, dass Dauer kein leerer Behälter ist, in dem Ereignisse ablaufen, sondern die Substanz unserer bewussten Existenz.
Die künstlerische Schöpfung selbst ist bei DeeKay in dieser von Bergson geprägten Zeitlichkeit verankert. Seine Animationen entstehen nicht bildweise auf rein technische Weise: Sie entspringen einer schöpferischen Intuition, die mit einem einzigen Schwung die Gesamtheit der darzustellenden Bewegung erfasst. Dieser Ansatz entspricht dem, was Bergson Intuition nennt, jene Fähigkeit, mit dem Erkenntnisobjekt zu verschmelzen, anstatt es analytisch zu zerteilen. Wenn DeeKay einen Lauf, einen Sprung oder einen Fall animiert, berechnet er nicht mechanisch die Flugbahn, sondern fühlt die Bewegung von innen und gibt sie in ihrer lebendigen Kontinuität wieder. Diese Fähigkeit, die reale Dauer zu erfassen, verleiht seinen Werken ihre emotionale Kraft. Wir erkennen in seinen Figuren keine gelenkten Puppen, sondern Wesen, die vom Atem des Lebens selbst beseelt sind.
Die zweite wesentliche Dimension von DeeKays Werk liegt in seiner Auffassung von Animation als Kunst des Realen. Hier entsteht ein unerwarteter Dialog mit der schöpferischen Philosophie von Hayao Miyazaki, dem japanischen Meister der Animation. Miyazaki erklärt, dass “Animation fiktionale Welten darstellen kann, ich jedoch glaube, dass sie dennoch einen gewissen Realismus im Kern haben muss. Auch wenn die dargestellte Welt eine Lüge ist, besteht der Trick darin, sie so real wie möglich zu machen” [3]. Diese Forderung nach Realismus innerhalb der Fiktion belebt auch DeeKays Arbeit. Seine stilisierten Figuren, auf ihre minimal grafische Essenz reduziert, tragen paradoxerweise eine Authentizität, die vielen hyperrealistischen Darstellungen überlegen ist. Die formale Vereinfachung bei DeeKay ist keine Verarmung, sondern eine Konzentration: Indem er überflüssige Details eliminiert, legt er das Wesen der Gesten, Emotionen und menschlichen Situationen frei.
Diese Suche nach dem Realen durch die Stilisierung knüpft an die Tradition der japanischen Animation an, deren indirekter Erbe DeeKay ist. Miyazaki betont, dass der Animator “eine Lüge erschaffen muss, die so real erscheint, dass die Zuschauer denken, die dargestellte Welt könnte eventuell existieren”. DeeKay vollbringt genau dieses Kunststück in Werken wie I Love NY oder Quarantine Life. Seine stilisierten New Yorks, seine minimalistischen Apartments, seine geometrischen Figuren schaffen ein Gefühl unmittelbarer Vertrautheit. Wir erkennen unsere eigenen Erfahrungen in diesen reduzierten Darstellungen, gerade weil sie das psychologische und emotionale Wesen universeller Situationen einfangen. DeeKays Realismus ist nicht fotografisch, sondern phänomenologisch: Er stellt nicht das äußere Erscheinungsbild der Dinge dar, sondern die Art und Weise, wie wir sie innerlich erleben.
Die Animationstechnik von DeeKay, die er während seiner Zeit bei Apple und Google entwickelt hat, zeigt ebenfalls diese Suche nach dem Realen durch das digitale Konstrukt. Im Gegensatz zu industriellen Produktionen, die visuelle Effekte vervielfachen, um den Zuschauer zu blenden, bevorzugt DeeKay eine sparsame Mittelwahl, die Bewegung und Emotion ins Zentrum des Werks stellt. Dieser minimalistische Ansatz erinnert an Miyazakis Prinzipien zur Bedeutung authentischer Bewegung in der Animation. Jede Geste bei DeeKay besitzt ein Gewicht, eine Trägheit, eine Bahn, die den physikalischen und psychologischen Gesetzen der menschlichen Bewegung entsprechen. Wenn seine Figuren fallen, fallen sie wirklich. Wenn sie laufen, spüren wir die Anstrengung in ihrem Schritt. Diese Aufmerksamkeit für kinetische Details verwandelt einfache geometrische Formen in lebendige Wesen, die atmen, mühen und jubeln.
Das Verhältnis von DeeKay zur digitalen Technologie selbst ist interessant. Wo Miyazaki sein Misstrauen gegenüber computerunterstützter Animation ausdrückt, aus Angst, sie könnte die künstlerische Schöpfung entmenschlichen, repräsentiert DeeKay eine Generation, die mit diesen Werkzeugen aufgewachsen ist und sie einer humanistischen Vision unterordnet. Sein Einsatz von After Effects und Motion-Design-Software zielt niemals auf technische Effekthascherei ab, sondern stets auf den Ausdruck einer emotionalen Wahrheit. Diese Beherrschung der Technologie im Dienst des Menschen spiegelt Miyazakis wiederkehrende Sorgen über die Gefahren entkörperlichter Technik wider. DeeKay beweist, dass es möglich ist, eine zutiefst menschliche digitale Animation zu schaffen, bei der das Werkzeug die Hand des Künstlers nicht auslöscht, sondern verstärkt.
Die wiederkehrenden Themen in DeeKays Werk, wie Familie, vergehende Zeit, das Gleichgewicht zwischen Arbeit und Privatleben und die Nostalgie der Kindheit, offenbaren eine Sensibilität, die kulturelle Grenzen überschreitet. Seine Werke Destiny, Yin Yang, Lovers’ Quarrel erforschen menschliche Beziehungen mit einer Subtilität, die einfache Sentimentalität vermeidet. Wie Miyazaki eindimensionale Antagonisten zugunsten moralisch komplexer Figuren ablehnt, zeigt DeeKay Situationen, in denen Freude und Traurigkeit, Erfolg und Misserfolg, Verbindung und Einsamkeit sich vermischen. Diese emotionale Nuancierung hebt seine Arbeit über reine Unterhaltung hinaus und macht sie zu einer wahren Erforschung der menschlichen Bedingung zu Beginn des 21. Jahrhunderts.
Wir stehen hier also vor einem Künstler, der die einfachen Lösungen seiner Zeit ablehnt. DeeKay Kwon sucht weder kostenlose Viralität noch den hohlen Spektakel, der so viele zeitgenössische digitale Produktionen auszeichnet. Seine Philosophie, ausgedrückt mit seinen eigenen Worten “Kunst ist für alle da”, offenbart einen seltenen demokratischen Anspruch in der elitären Welt der digitalen Kunst. Doch diese Zugänglichkeit wird nicht durch ein Nivellieren nach unten erreicht, sondern durch eine Erhebung zum Universellen. Indem er die konzeptuelle Strenge von Bergson, die formale Strenge inspiriert von Miyazaki und seine eigene transkulturelle künstlerische Sensibilität kombiniert, schafft DeeKay Werke, die gleichzeitig das Herz und den Geist ansprechen.
Sein persönlicher Werdegang, vom koreanischen Einwanderer zum Designer im Silicon Valley und dann vom Angestellten zum unabhängigen Schöpfer, durchdringt seine Kunst mit einer Authentizität, die nicht vorgetäuscht werden kann. Wenn DeeKay die Müdigkeit des Stadtarbeiters animiert, handelt es sich nicht um eine externe Beobachtung, sondern um ein intimes Wissen um diese moderne Entfremdung. Wenn er die einfachen Freuden des Familienlebens feiert, schöpft er aus seiner eigenen Erfahrung als Sohn, Bruder, Mann, der zwischen zwei Kulturen, zwei Kontinenten, zwei Lebensweisen navigieren musste.
Die Zukunft wird zeigen, ob DeeKay Kwon in das Pantheon der großen Innovatoren der digitalen Animation aufgenommen wird. Die spektakulären Verkäufe seiner Werke, das Interesse von Auktionshäusern wie Christie’s und Sotheby’s sowie die Anerkennung seiner Kollegen deuten darauf hin, dass sein Einfluss nur wachsen wird. Doch über den kommerziellen und kritischen Erfolg hinaus ist das, was wirklich zählt, die Fähigkeit seiner Werke, Millionen von Menschen weltweit zu berühren, ihnen die zerbrechliche Schönheit des Daseins fühlen zu lassen und sie daran zu erinnern, dass unter der aufgewühlten Oberfläche unseres zeitgenössischen Lebens ein unveränderliches menschliches Herz schlägt. In einer Welt voller leerer Bilder und wegwerfbarer Inhalte bietet uns DeeKay etwas Seltenes: Momente der Ewigkeit, eingefangen im unerbittlichen Fluss der digitalen Zeit. Das ist sein wahrer Erfolg, und er ist beträchtlich.
- Henri Bergson, L’Évolution créatrice, Paris, Presses universitaires de France, 1907
- Henri Bergson, La Pensée et le Mouvant, Paris, Presses universitaires de France, 1934
- Hayao Miyazaki, zitiert in Far Out Magazine, Juni 2022
