Hört mir gut zu, ihr Snobs, hier ist eine Künstlerin, die sich nicht damit begnügt, hübsche Bilder zu malen, um eure bürgerlichen Salons zu schmücken. Del Kathryn Barton entfaltet seit über drei Jahrzehnten ein visuelles Universum, das einem bis ins Mark packt und einen nicht mehr loslässt. Diese 1972 geborene Australierin hat ein Werk geschaffen, das aus den Tiefen des weiblichen Unbewussten schöpft, um Visionen von beunruhigender Kraft zu extrahieren, die zwischen verführerischer Schönheit und unheimlicher Fremdheit schwanken.
Ihre Malerei ist Kino, das auf Leinwand gebannt ist. Jede Komposition erzählt eine Geschichte, entfaltet eine visuelle Erzählung, in der menschliche Figuren und hybride Kreaturen in psychedelischen Landschaften voller Farben und obsessiver Details miteinander verschmelzen. Barton zeichnet seit ihrer Kindheit mit jener Zwanghaftigkeit, die wahre Schöpfer auszeichnet, jene, für die Kunst keine Wahl, sondern eine lebensnotwendige Notwendigkeit ist. “Alles, was ich sagen kann, ist, dass dieses Werk sehr viel für mich bedeutet, es ist wie eine Lebensquelle”, gesteht sie ohne Umschweife.
Die Psychoanalyse der Tiefen: Klein und die Kunst der kreativen Regression
Das Werk von Del Kathryn Barton steht natürlich in Dialog mit psychoanalytischen Theorien, insbesondere jenen, die von Melanie Klein rund um die depressive Position und frühe Objektbeziehungen [1] entwickelt wurden. Klein, im Gegensatz zu Freud, der den Ödipuskomplex in den Vordergrund stellte, konzentrierte sich auf die ersten Lebensjahre und die archaischen Fantasien, die die Psyche strukturieren. Dieser Ansatz findet ein eindrückliches Echo in Bartons Universum, in dem weibliche Figuren in einem ständigen Dialog zwischen Verfolgungsangst und Heilung zu stehen scheinen.
Bartons Figuren mit ihren übergroßen Augen und ihrem durchdringenden Blick erinnern sofort an die kleinianische Welt der inneren Objekte. Klein beschrieb, wie das Kind die elterlichen Figuren in Form von guten oder schlechten inneren Objekten internalisiert und so eine psychische Welt bevölkert, die von wohlwollenden oder verfolgenden Geistern geprägt ist. In Bartons Gemälden nimmt diese Dynamik eine eindrucksvolle visuelle Gestalt an: ihre Kind-Frauen mit großen flüssigen Augen scheinen die gesamte Erinnerung an diese ersten Beziehungen in sich zu tragen. “Ich wurde Mutter, ohne jegliche Erfahrung mit Kindern oder Babys, und ich war überwältigt von der Klarheit ihres Blicks… ihre Augen waren weit geöffnet, und ich denke, das war eine der eindrücklichsten Erfahrungen meines ganzen Lebens”, erklärt die Künstlerin über ihren Sohn.
Die Erfahrung der Mutterschaft, die im Werk von Barton zentral ist, reaktiviert genau diese kleinianischen Fragestellungen. Die Mutter bei Klein ist niemals eine idealisierte Figur, sondern ein komplexes Objekt, das mal nährend, mal zerstörerisch ist. Barton erforscht diese Ambivalenz in ihren Familien-Selbstporträts, insbesondere in ihrem Archibald-Preis von 2008, in dem sie sich mit ihren zwei Kindern in einem Geflecht aus pflanzlichen und tierischen Formen darstellt. Diese Verschmelzung der Körper erinnert an die kleinianische Theorie der projektiven Identifikation, einen Mechanismus, durch den das Kind Teile von sich selbst in das mütterliche Objekt projiziert, um sich zu schützen oder es zu kontrollieren.
Bartons Technik selbst, diese zwanghaften Detailanhäufungen, diese sich wiederholenden Motive, diese gesättigten Farben, erinnert an die von Klein beschriebenen Abwehrmechanismen gegenüber der depressiven Angst. Die Künstlerin füllt buchstäblich die Leere der Leinwand, verweigert den weißen Raum, der das Nichts, den Verlust des geliebten Objekts, symbolisieren könnte. Ihre hybriden Kreaturen, halb Frauen, halb Tiere, halb Pflanzen, verkörpern diese Fähigkeit zur schöpferischen Reparatur, die Klein als Antrieb jeglicher künstlerischer Schöpfung sah.
Noch beunruhigender scheint Bartons Universum von dem geprägt zu sein, was Klein als “Angriffe auf die Bindungen” bezeichnete. Ihre Figuren bewegen sich in geschlossenen Welten, psychischen Blasen, in denen die Beziehungen zugleich verschmolzen und zerstörerisch sind. Die blumigen Tentakel, die ihre Figuren verbinden, können zugleich nähren oder erwürgen, schützen oder gefangen halten. Diese grundlegende Ambivalenz durchzieht ihr gesamtes Werk und verleiht ihm jene besondere Intensität, die gleichermaßen verstört wie fasziniert.
Der kleinianische Beitrag ermöglicht das Verständnis, warum Bartons Kunst beim Betrachter eine so unmittelbare Wirkung entfaltet. Indem sie archaischen Fantasien Gestalt verleiht, die unser Unbewusstes bevölkern, reaktiviert sie primitive Emotionen, von denen wir glaubten, sie überwunden zu haben. Ihre Gemälde funktionieren wie Projektionsflächen, auf denen jede und jeder die Spuren der eigenen inneren Objekte, der eigenen grundlegenden Ängste wiederfinden kann. Darin übersteigt ihre Arbeit das bloße ästhetische Vergnügen und erreicht jene kathartische Dimension, die Klein der wahren Kunst zuschrieb.
Diese psychoanalytische Lesart beleuchtet auch Bartons jüngste Hinwendung zum Kino. Mit ihrem Film “Blaze” (2022), inspiriert von ihrem eigenen Kindheitstrauma, treibt sie diese Erforschung der Abwehrmechanismen gegenüber traumatischen Einbrüchen noch weiter voran. Das filmische Medium ermöglicht ihr, die Zeitlichkeit des Traumas, seine Persistenz und sein Wiederauftauchen zu erforschen, zentrale Themen in Kleins Theorie der Reparatur.
Das zeitgenössische australische Kino: eine Ästhetik des weiblichen Widerstands
Die Eintragung von Del Kathryn Barton in die Landschaft des zeitgenössischen australischen Kinos mit ihrem Spielfilm “Blaze” (2022) offenbart eine andere Dimension ihrer Arbeit, jene, die mit der filmischen Tradition ihres Landes [2] in Dialog tritt. Australien hat seit den 1970er Jahren ein Autorenkino entwickelt, das besonders aufmerksam auf Fragen von Geschlecht und Identität achtet und von Regisseurinnen wie Jane Campion getragen wird, einer Pionierin, die den Weg für eine neue Generation von Schöpferinnen geebnet hat.
Das zeitgenössische australische Kino zeichnet sich durch seine Fähigkeit aus, kollektive und individuelle Traumata durch intime Erzählungen zu erforschen. Diese Tradition findet bei Barton einen besonders ausgefeilten Ausdruck mit “Blaze”, das die Frage des sexuellen Kindesmissbrauchs offen anspricht. Im Gegensatz zum kommerziellen Kino, das dazu neigt, Gewalt zu spektakulisieren, verfolgt Barton einen poetischen und metaphorischen Ansatz und nutzt Animation und visuelle Effekte, um eine Bildsprache zu schaffen, die das Unaussprechliche ausdrücken kann.
Dieser Ansatz gehört zur Linie der australischen Filmemacherinnen, die einen speziell weiblichen Blick auf die Erfahrung von Trauma entwickelt haben. Jane Campion hat mit “The Piano” bereits die Schattenseiten der weiblichen Psyche durch eine Bildsprache von seltener Intensität erforscht. Barton setzt diese Tradition fort und fügt ihre eigene Sensibilität als bildende Künstlerin hinzu, indem sie ein hybrides Kino schafft, das sowohl der bildenden Kunst als auch der siebten Kunst entlehnt ist.
Der Einsatz von Animation in “Blaze” offenbart ein tiefes Verständnis der Abwehrmechanismen der Kindheit gegenüber Trauma. Die animierten Sequenzen ermöglichen es, die Vorstellungskraft des Kindes darzustellen, seine Innenwelt, die von schütztenden oder bedrohlichen Kreaturen bevölkert ist. Dieser Ansatz entspricht den zeitgenössischen Forschungen zum Trauma, die zeigen, wie die Vorstellungskraft als Zuflucht vor einer unerträglichen Realität dienen kann.
Die Wahl von Cate Blanchett zur Verkörperung der Mutterfigur im Kurzfilm “RED” (2017) ist kein Zufall. Blanchett, eine ikonische Figur des australischen Kinos, bringt in dieses Projekt ihre eigene Erfahrung als Schauspielerin ein, die an komplexe und mehrdeutige Rollen gewöhnt ist. Ihre Präsenz verankert Bartons Arbeit in einer australischen filmischen Tradition, die nicht zögert, die dunkelsten Seiten der menschlichen Erfahrung zu erforschen.
Die Zusammenarbeit zwischen Barton und den australischen Filminstitutionen zeigt auch das Vorhandensein eines Ökosystems, das die weibliche Kreativität fördert. Die Unterstützung durch Screen Australia und die Erlangung verschiedener Auszeichnungen zeigen, dass das Land Strukturen entwickelt hat, die in der Lage sind, ehrgeizige und unkonventionelle künstlerische Projekte zu begleiten.
Diese institutionelle Dimension ist nicht nebensächlich. Sie offenbart einen politischen Willen, weibliche Stimmen in einem traditionell männlich dominierten Bereich zu unterstützen. Bartons Weg, von der Malerei zum Kino, illustriert perfekt die Fähigkeit des australischen Ökosystems, Künstlerinnen zu ermöglichen, transversale Projekte zu entwickeln, die künstlerische Praktiken entgrenzt.
Die Ästhetik, die Barton in ihren Filmen entwickelt hat, setzt ihre malerische Arbeit natürlich fort. Dieselben visuellen Obsessionen sind wiederzufinden: die Sättigung der Farben, die Anhäufung von Details, die Hybridisierung der Formen. Diese stilistische Kontinuität offenbart eine seltene künstlerische Kohärenz, die eines Schöpfers, der eine persönliche Bildsprache entwickelt hat, die sich an verschiedene Medien anpassen kann.
Generell ist das Aufkommen von Barton als Filmemacherin Teil einer globalen Bewegung, die das Autorenkino aus weiblicher Perspektive neu definiert. Ähnlich wie Regisseurinnen wie Céline Sciamma oder Chloé Zhao entwickelt sie einen filmischen Ansatz, der die sinnliche und emotionale Erfahrung gegenüber der traditionellen Erzählung in den Vordergrund stellt. Diese neue Generation von Künstlerinnen erfindet neuartige filmische Formen, die in der Lage sind, lange verborgene oder marginalisierte Erfahrungen auszudrücken.
Der Einfluss von “Blaze” auf die internationale Szene des Autorenkinos bestätigt die Fähigkeit der australischen Kunst, Werke hervorzubringen, die über nationale Grenzen hinausgehen. Der Film wurde für seinen innovativen Umgang mit Trauma und seine Fähigkeit, eine neue visuelle Sprache zu schaffen, gelobt. Diese internationale Anerkennung ordnet Barton in die Reihe großer australischer Schöpferinnen ein, die es verstanden haben, ihre einzigartige Vision auf der weltweiten Bühne durchzusetzen.
Die Alchemie der Materie: zwischen Kunstgriff und Authentizität
Der technische Ansatz von Del Kathryn Barton offenbart eine künstlerische Philosophie, die die Grenzen zwischen Natürlichkeit und Künstlichkeit, Authentizität und Falschheit hinterfragt. Ihre Palette mischt traditionelle Gouache, industrielle Glitzer, Pailletten und Marker und schafft so eine visuelle Textur, die jede Hierarchie zwischen edlen und vulgären Materialien ablehnt. Dieser Ansatz ist nicht zufällig: Er drückt eine Weltanschauung aus, in der traditionelle ästhetische Kategorien in Stücke zerbrechen.
Ihre hybriden Kreaturen bewegen sich in unmöglichen Ökosystemen, in denen die naturalistische Logik einem phantasierten Biologie weicht. Frauen mit mehreren Brüsten, pflanzlich-tierische Wesen, Kinder mit übergroßen Augen bevölkern psychedelische Landschaften, die wie aus einem Traum oder Albtraum entkommen wirken. Diese Ästhetik der Hybridisierung stellt unsere Gewissheiten über Identität, Geschlecht und Grenzen zwischen den Arten infrage.
Bartons Besessenheit fürs Detail grenzt an Manie. Jeder Quadratzentimeter ihrer Leinwand ist bearbeitet, gesättigt mit visuellen Informationen, die einen optischen Schwindel erzeugen. Diese Horror vor dem Leeren erinnert an zwanghafte Mechanismen, als würde die Künstlerin versuchen, durch die Ansammlung Angst zu bannen. “Meine Zeichnungen bestehen aus einer sehr persönlichen Symbolik… es gibt eine energetische visuelle Qualität im sich wiederholenden Muster”, erklärt sie und offenbart damit die beinahe therapeutische Dimension ihrer Praxis.
Diese Technik des Übermaßes erzeugt einen paradoxen Effekt. Einerseits fasziniert sie durch ihre dekorative Virtuosität und ihre unmittelbare visuelle Wirkung. Andererseits irritiert sie durch ihre Ablehnung von Maß und ihre Tendenz zur Überwältigung. Bartons Werke lassen sich nicht friedlich betrachten: Sie verlangen vom Betrachter volles Engagement und eintauchen in ihre übersättigte Welt.
Die Farbe funktioniert bei Barton wie eine direkte emotionale Sprache. Fuchsia-Pink, giftiges Grün, metallische Goldtöne bilden chromatische Harmonien, die die Vernunft umgehen, um direkt das Affektive zu erreichen. Diese expressionistische Farbverwendung bringt sie in die Nähe großer Koloristen der Kunstgeschichte, von Matisse bis Hockney, und entwickelt gleichzeitig ihre eigene visuelle Grammatik.
Eine unterschiedlich aufgenommene Kritik
Das Werk von Del Kathryn Barton spaltet die Kritik, fasziniert aber ebenso das Publikum. Ihre Kritiker werfen ihr einen gewissen Manierismus vor, eine Tendenz, dem spektakulären Effekt Vorrang vor Substanz einzuräumen. “Es wurde Barton manchmal vorgeworfen, in ihren Gemälden die Form dem Inhalt vorzuziehen”, bemerkt eine Kritikerin und weist auf diese ständige Spannung in ihrer Arbeit zwischen visueller Verführung und konzeptueller Tiefe hin.
Diese Kritik ist nicht grundlos. Bartons Ästhetik birgt aufgrund ihrer sofort ansprechenden Dimension das Risiko einer dekorativen Aneignung. Ihre Werke eignen sich für einen schnellen visuellen Konsum, der ihre dunklere und fragendere Dimension verdecken kann. Das ist der ganze Widerspruch einer Kunst, die die Codes der Schönheit nutzt, um verstörende Inhalte auszudrücken.
Doch gerade diese Ambiguität könnte die Hauptstärke ihrer Arbeit sein. Indem sie die binäre Opposition zwischen Schönheit und Hässlichkeit, Freude und Unbehagen ablehnt, entwickelt Barton eine Ästhetik des Dazwischen, die perfekt zu den zeitgenössischen Herausforderungen passt. Ihre Kunst drückt die Komplexität einer Epoche aus, in der Gewissheiten bröckeln, Identitäten sich vervielfältigen und fragmentieren.
Die jüngste Entwicklung ihrer Karriere hin zu explizit feministischen Themen, wie in Werken wie “RED” (2017), zeugt von einer künstlerischen und politischen Reifung. “RED ist mein erstes bewusst feministisches Werk, und ich fühlte mich tief mit der aktuell wieder belebten Welle weiblicher Solidarität verbunden”, erklärt sie und markiert damit eine Wende in ihrer Praxis.
Diese bewusste Politisierung ihrer Kunst ermöglicht es ihr, Vorwürfe der Oberflächlichkeit zu überwinden. Indem sie ihre Arbeit explizit in die zeitgenössischen Kämpfe für die Befreiung der Frauen einordnet, verleiht sie ihrer Ästhetik der Hybridisierung eine militant-politische Dimension. Ihre mutierenden Kreaturen werden zu Metaphern der Befreiung weiblicher Körper und Wünsche.
Hin zu neuen Territorien
Del Kathryn Barton verkörpert eine Künstlerinnengeneration, die etablierte Kategorien ablehnt und neue visuelle Sprachen erfindet. Ihr Weg von der Malerei über das Kino bis zur Animation zeugt von einer kreativen Neugier, die sich keine Grenzen setzt. Ihre Werke eröffnen durch ihre Fähigkeit, zu verstören und zugleich zu verführen, unerforschte Gebiete der zeitgenössischen Kunst.
Ihr Dialog mit der kleinianischen Psychoanalyse offenbart die therapeutische Dimension ihrer Schöpfung, die Fähigkeit der Kunst, archaischen Fantasien Gestalt zu verleihen. Ihre Einbindung in das zeitgenössische australische Kino zeigt, wie sich eine künstlerische Tradition durch die Einbringung neuer Sensibilitäten erneuern kann. Ihre Ästhetik der Hybridisierung bietet schließlich visuelle Werkzeuge, um die Komplexität der zeitgenössischen Welt zu denken.
Del Kathryn Bartons Kunst erinnert uns daran, dass Schönheit niemals auf klassische Harmonie reduziert werden kann, sondern aus Dissonanz und Unruhe entstehen kann. Ihre unmöglichen Kreaturen sprechen von unseren eigenen Mutationen und Metamorphosen. In diesen unsicheren Zeiten weist ihr Werk Wege in unwahrscheinliche, aber notwendige Zukünfte.
- Segal, Hanna. “Der Beitrag von Mélanie Klein zur Theorie und Praxis der Psychoanalyse”. Frauen in der Geschichte der Psychoanalyse, L’Esprit du temps, 1999.
- Armstrong, Gillian. “Meine brillante Karriere” (My Brilliant Career), 1979. Ein emblematischer Film des neuen australischen Kinos, inszeniert von einer Frau, adaptiert nach dem Roman von Miles Franklin.
