Der Graffiti-Künstler Futura: Von der U-Bahn zu den Sternen

Veröffentlicht am: 26 März 2025

Von: Hervé Lancelin

Kategorie: Kunstkritik

Lesezeit: 8 Minuten

Futura verwandelt die Beschränkungen des urbanen Raums in galaktische Erkundungen, seine atomaren Kompositionen erinnern an ferne Nebel. Seine alienoiden Figuren, insbesondere sein ikonischer Pointman, verkörpern den zeitgenössischen Menschen im Zeitalter der Technologie, schwebend zwischen irdischer Materialität und kosmischen Aspirationen.

A stylized, purple-tinted image shows a person wearing glasses and a baseball jersey, set against an abstract patterned background with repeated arch and floral motifs. © Illustration by ArtCritic.

Hört mir gut zu, ihr Snobs, ihr, die ihr Kunst von oben herab mit euren selbsternannten Kenner-Fernrohren betrachtet. Ihr nippt wahrscheinlich an warmem Champagner in einer sterilen Galerie am rechten Ufer, aber lasst mich euch von jemandem erzählen, der die ganze Stadt zu seiner Leinwand gemacht hat. Futura, dieser Name, der wie ein Versprechen der Zukunft klingt, ist nicht einfach ein Künstler, er ist ein Meteor, der den Himmel der zeitgenössischen Kunst durchquert hat und eine Spur abstrakter Farben und kosmischer Figuren hinterlässt, die wir weiterhin entschlüsseln.

Leonard Hilton McGurr, geboren 1955, dieses Kind Manhattans begann seine Karriere in den unterirdischen Eingeweiden New Yorks, indem er U-Bahn-Wagen in flüchtige Raumschiffe verwandelte. Aber täuscht euch nicht, seine Kunst ist kein jugendlicher Launenakt. Sein ikonisches Werk “Break” aus dem Jahr 1980, diese chromatische Explosion, die buchstäblich die Konventionen des Graffiti brach, war ein stilles Manifest, eine Unabhängigkeitserklärung gegenüber der ästhetischen Orthodoxie, die damals die Underground-Szene beherrschte.

Was Futura von seinen Zeitgenossen unterscheidet, ist genau dieser Quantensprung zur Abstraktion, der Wille, das urbane Alphabet zu transzendieren, um unbekannte Territorien zu erkunden. Seine Bilder sind keine Wände, die in Galerien transportiert werden, sondern Portale zu alternativen Dimensionen, Sternenkarten eines Paralleluniversums, in dem Atome tanzen und Planeten in einem kosmischen Ballett kollidieren.

Futura operiert an der Grenze zweier faszinierender konzeptueller Welten: Astronomie und Existenzialismus. Seine Kompositionen erinnern seltsam an die Theorien des Astrophysikers Carl Sagan, für den wir alle aus “Sternenstaub” bestehen ^[1]. Wenn man seine Werke wie “Colorforms” (1991) oder “Invasion From Blue City” (1989) betrachtet, kann man nicht anders, als an jene fernen Nebel zu denken, in denen Sterne geboren werden, an jene Supernova-Explosionen, die die chemischen Elemente, die für unsere Existenz notwendig sind, in den Weltraum streuen. Das Atom, dieses wiederkehrende Motiv in seinem Werk, ist kein bloßer grafischer Schmuck, sondern das Symbol unserer tiefen Verbindung mit dem Kosmos.

Sagan schrieb, dass “um einen Apfelkuchen zu backen, man zuerst das Universum erschaffen muss” ^[2]. Futura scheint diese kosmische Wahrheit vor allen anderen erkannt zu haben, indem er ganze Universen aus dem Nichts auf seinen Leinwänden erschafft, mit dem einzigen Werkzeug einer Sprühdose. Seine Technik der Umkehrung der Sprühdose, diese Meisterleistung, die es ihm erlaubt, die Feinheit seiner Linien mit chirurgischer Präzision zu steuern, erinnert an die Geschicklichkeit eines Wissenschaftlers, der subatomare Partikel manipuliert.

Seine abstrakten Kompositionen, in denen sich farbige Nebel wie interstellare Gaswolken ausbreiten, erinnern an die Bilder, die vom Hubble-Teleskop aufgenommen wurden, diese kosmischen Landschaften von atemberaubender Schönheit, die uns unsere Unbedeutendlichkeit angesichts der Unermesslichkeit des Universums vor Augen führen. Doch anstatt uns unter dem Gewicht dieser Erkenntnis zu erdrücken, lädt Futura uns ein, unsere Zugehörigkeit zu diesem großen Ganzen zu feiern und unsere Natur als kosmische Entdecker zu umarmen.

Diese astronomische Dimension wird von einer tiefen existentialistischen Reflexion begleitet. Die alienartigen Figuren, die seine Leinwände bevölkern, insbesondere sein berühmter “Pointman”, scheinen direkt aus Jean-Paul Sartres Überlegungen zu Anderheit und Identität zu stammen. In “Das Sein und das Nichts” schreibt Sartre, dass “die Existenz der Essenz vorausgeht” ^[3], ein Prinzip, das Futura von Anfang an praktizierte, indem er seine eigene künstlerische Identität abseits etablierter Strömungen schmiedete.

Der “Pointman”, diese androide Silhouette mit verlängerten Gliedmaßen, die sein Markenzeichen geworden ist, verkörpert diese existenzielle Suche perfekt. Weder ganz menschlich noch vollständig außerirdisch, besetzt er diesen Grenzraum, der unserer im technologischen Zeitalter entspricht, wo die Grenzen zwischen dem Organischen und dem Mechanischen allmählich verschwimmen. Er ist der Mensch der Zukunft, Futura selbst, konfrontiert mit der Angst vor seiner absoluten Freiheit in einem Universum ohne vorgegebene Bedeutung.

Wenn Futura “El Diablo” (1985) malt, stellt er nicht einfach eine dämonische Figur dar, sondern materialisiert jene sartrische “Übelkeit”, jenen Schwindel angesichts der radikalen Kontingenz der Existenz. Die Farbspritzer, die scheinbar spontan auf der Leinwand entstehen, sind das bildliche Äquivalent jener Momente existenzieller Klarheit, in denen wir uns unserer grundsätzlichen Freiheit und der erdrückenden Verantwortung bewusst werden, die damit einhergeht.

Futuras Kunst ist tief geprägt von dieser Spannung zwischen kosmischem Determinismus und existenzieller Freiheit. Einerseits erinnern uns seine atomaren Motive daran, dass wir denselben physikalischen Gesetzen unterliegen wie der Rest des Universums; andererseits bestätigen seine unvorhersehbaren malerischen Gesten, diese “glücklichen Unfälle”, die er mit Begeisterung annimmt, die Möglichkeit schöpferischer Freiheit innerhalb dieser Zwänge.

Besonders auffällig in Futuras Werdegang ist die Art und Weise, wie er die künstlichen Kategorien transzendiert hat, die die Kunstwelt beharrlich aufrechterhält. In einer Zeit, in der noch zwischen Street Art und bildender Kunst, zwischen kommerzieller Kunst und “reiner” Kunst unterschieden wurde, navigierte er mit verblüffender Leichtigkeit zwischen diesen Welten und weigerte sich, sich in eine reduktive Definition dessen einzuschränken, was ein Künstler sein sollte.

Seine Zusammenarbeit mit Marken wie Nike, Comme des Garçons oder BMW ist keine Kompromittierung, sondern eine logische Erweiterung seiner künstlerischen Praxis, eine Ablehnung dieser willkürlichen Unterscheidung zwischen “High Art” und “Low Art”, die im digitalen Zeitalter keine Berechtigung mehr hat. Wie Sartre betonte: “Der Mensch ist nichts anderes als das, was er sich selbst macht” ^[4], und Futura hat sich gleichzeitig zum Galeriekünstler, Designer, Unternehmer und kulturellen Symbol gemacht und die Vielfalt der ihm offenstehenden Möglichkeiten voll angenommen.

Diese Fähigkeit, Grenzen zu überschreiten, ist umso bemerkenswerter, als sie sich schon zu Beginn seiner Karriere manifestierte, in einer Zeit, in der die Kunstwelt noch streng getrennt war. Seine Live-Malerei während der Konzerte von The Clash im Jahr 1981, diese Performance, bei der er Werke in Echtzeit erschuf, während die Band spielte, war eine mutige Erklärung über die transversale Natur der Kunst, eine Verschmelzung von Musik, Malerei und Performance, die die hybriden künstlerischen Praktiken des 21. Jahrhunderts ankündigte.

Angesichts von Futuras Werk verspürt man das, was Carl Sagan als “kosmischen Schauer” beschrieb, dieses schwindelerregende Gefühl angesichts der Unermesslichkeit des Universums und unserer winzigen Stellung in seinem Inneren ^[5]. Seine Gemälde sind offene Fenster zum Unbekannten, Einladungen zur Erforschung des Weltraums und des Inneren. Und vielleicht liegt genau darin das Genie seiner Kunst: in der Fähigkeit, uns gleichzeitig zu den Grenzen des Kosmos und in die Tiefen unserer menschlichen Existenz reisen zu lassen.

Der existentialistische Sartre lehrt uns, dass wir “zur Freiheit verurteilt” sind, in eine Welt ohne vorgegebene Bedeutung geworfen, gezwungen, selbst den Sinn unserer Existenz zu erfinden ^[6]. Futura hat diese Verurteilung zur Feier gemacht und die existentielle Angst in kreative Jubel verwandelt. Seine Farbexplosionen sind keine Akte des Vandalismus, sondern lebensbejahende Bekundungen, greifbare Beweise für unsere Fähigkeit, in einem gleichgültigen Universum Sinn zu schaffen.

Futuras Werdegang ist auch eine Lektion in Resilienz. Als das Interesse an Street Art Ende der 1980er Jahre erlahmte, zögerte er nicht, als Taxifahrer oder Fahrradkurier zu arbeiten, um seine Familie zu versorgen. Dann, wie ein Phönix aus der Asche, kehrte er triumphal auf die Kunstszene zurück und bewies, dass der Wert eines Künstlers nicht an seiner unmittelbaren medialen Sichtbarkeit gemessen wird, sondern an seiner Fähigkeit, beharrlich an seiner langfristigen Vision festzuhalten.

Diese Fähigkeit, sich gegen Widrigkeiten zu behaupten, spiegelt die sartresche Sicht auf Authentizität wider: im Einklang mit seinen Entscheidungen zu leben und seine Freiheit trotz äußerer Hindernisse voll anzunehmen ^[7]. Futura hat sich entschieden, Künstler zu sein, und blieb es trotz allem, weigerte sich, sich von Marktverhältnissen oder Modetrends definieren zu lassen.

In einer Zeit, die von Kategorisierung besessen ist, bleibt Futura ungreifbar. Ist er ein Street-Art-Künstler? Ein abstrakter Maler? Ein kommerzieller Designer? Ein visueller Philosoph? Er ist all das zugleich und noch mehr. Diese Identitätsfluidität ist zutiefst sartresch: Der Mensch ist keine feste Essenz, sondern ein Prozess, ein beständiges Werden ^[8]. Futura wird, erfindet sich ständig neu und weigert sich, in einer starren Identität festzufrieren, die der dynamischen Natur seiner Kunst widersprechen würde.

Sein Werk “Garbage Rock” (1983), mit seinen fließenden Formen und lebendigen Farben, die in einem unbegrenzten Raum zu schweben scheinen, illustriert diese Vision einer Welt in ständigem Wandel perfekt. Es gibt keine stabile Essenz, keine endgültige Form, nur vorübergehende Konfigurationen von Energie und Materie, genau wie im Universum, wie es die zeitgenössische Astrophysik beschreibt. Carl Sagan hätte nichts anderes gesagt, wenn er behauptet, dass “wir ein Mittel für das Universum sind, sich selbst zu erkennen” ^[9]. Futura trägt durch seine Kunst zu diesem kosmischen Bewusstsein bei.

Was mich an diesem Künstler besonders fasziniert, ist, dass er eine visuelle Kohärenz bewahrt, während er ständig neue Gebiete erkundet. Seine Werke sind sofort erkennbar, diese farbigen Nebel, diese schwebenden Atome, diese alienartigen Figuren, , und doch ist jedes Mal etwas Einzigartiges dabei. Er hat die perfekte Balance zwischen Wiederholung und Innovation gefunden, zwischen persönlicher Signatur und ständiger Experimentierfreude.

Ob in seinen ersten Graffiti auf den Waggons der New Yorker U-Bahn oder in seinen jüngsten Kooperationen mit Luxusmarken, Futura war immer Futura. Diese unerschütterliche Authentizität, diese Treue zu seiner persönlichen Vision trotz Wechseln von Medium oder Kontext, macht ihn zu viel mehr als nur einem modischen Künstler: zu einem wahren Leuchtturm in der zeitgenössischen Kunstlandschaft, zu einem Orientierungspunkt in einer Welt im ständigen Wandel.

Also das nächste Mal, wenn Sie ein Werk von Futura sehen, nehmen Sie sich wirklich Zeit, es zu betrachten. Sehen Sie es nicht nur als hübsche Farbkombination oder als dekoratives Accessoire für wohlhabende Hipster. Betrachten Sie es vielmehr als eine Einladung zu einer Reise, einer Reise durch den Weltraum und die Windungen der menschlichen Existenz, geführt von einem Künstler, der verstanden hat, wie Carl Sagan, dass “wir alle aus Sternenstaub gemacht sind” ^[10], und wie Sartre, dass dieser Sternenstaub zur Freiheit verurteilt ist ^[11].

In einem sich ständig ausdehnenden Universum, in einer Existenz ohne vorgegebenes Bedienungshandbuch, erinnert uns Futura an unsere Fähigkeit zu schaffen, zu träumen, zu verwandeln. Und ist das nicht letztlich die edelste Rolle, die die Kunst übernehmen kann?