Hört mir gut zu, ihr Snobs, es ist Zeit, über Derek Fordjour (geboren 1974) zu sprechen, diesen Künstler, der Prekarität in Poesie verwandelt und Zeitungspapier in Gold. Nicht das Gold der Spekulanten, sondern das der Alchemisten, die verstehen, dass der wahre Wert in der Transformation liegt. In seinem künstlerischen Universum wird jede Materials-Schicht zu einer Bedeutungsschicht, jeder Riss zu einer Offenbarung, jede Performance zu einer Meditation über unsere gemeinsame Kondition.
Fordjour ist kein gewöhnlicher Maler, er ist ein Architekt der Verletzlichkeit, ein Choreograf der Unsicherheit. In seinem Atelier in der Bronx dirigiert er eine visuelle Symphonie, in der Pappe wertvoll wird und Zeitungspapier zu empfindlicher Haut wird. Seine Technik ist so komplex wie eine Fuge von Bach: Er legt bis zu zehn Schichten Material auf seine Leinwände auf und schafft eine zerklüftete Topographie, die die traditionelle Flachheit der Malerei herausfordert. Die charakteristische lachsfarbene Farbe der Financial Times wird zu seinem bevorzugten Medium, eine Wahl, die nicht zufällig ist. Diese Zeitung, die Bibel des globalen Kapitalismus, wird recycelt, transformiert, subvertiert, um zum Substrat einer Reflexion über Wert, Leistung und Prekarität zu werden.
Nehmen wir “SCORE” (2023), seine letzte Ausstellung in der Petzel Gallery. Der Titel selbst ist eine semantische Partitur mit mehreren Bedeutungen: Punkte machen, den Spielstand halten, Musik komponieren, eine Oberfläche bearbeiten. Diese Polysemie spiegelt Fordjours multidimensionale Herangehensweise wider. In dieser Ausstellung schafft er ein vollständiges künstlerisches Ökosystem, in dem Malerei, Skulptur, Installation und Performance sich gegenseitig ergänzen und bereichern.
Die Installation “Wunderkammer” ist besonders aufschlussreich für sein Denken. Auf zwei Ebenen inszeniert sie eine subtile, aber beißende institutionelle Kritik. Im Obergeschoss präsentieren luxuriöse Vitrinen raffinierte Skulpturen in einer gedämpften und kontrollierten Atmosphäre. Im Untergeschoss bedienen Performer mühsam die Mechanismen, die die Dioramen oben zum Leben erwecken. Diese räumliche Trennung erinnert an die marxistische Theorie von Infrastruktur und Überbau, doch Fordjour erfindet sie für unsere Zeit des permanenten Spektakels neu.
In “CONfidence MAN” (2023) hält ein elegant gekleideter schwarzer Mann mehrfarbige Ballons. Das Werk spielt mit der Mehrdeutigkeit des Begriffs “confidence”: Vertrauen und Betrug verschmelzen in einem komplexen Tanz. Der tadellose Anzug der Figur erinnert an die “Zoot Suits” der 1940er Jahre, diese auffälligen Anzüge, die sowohl ein Stilbekenntnis als auch ein Akt kulturellen Widerstands waren. Sind die Ballons, die er hält, Symbole der Sehnsucht oder Rettungsringe? Diese Ambivalenz erinnert an die Überlegungen von Frantz Fanon über die Masken, die Kolonisierte tragen, diese alltäglichen Performances des Überlebens und Widerstands.
Performance steht im Zentrum von Fordjours Werk, nicht nur als Thema, sondern als existentielle Bedingung. In “Arena” (2023) schafft er einen zirkulären Performance-Raum mit einem Boden aus Stampflehm und hölzernen Zuschauerrängen. Zweimal täglich führen Tänzer unter der Leitung der Choreografin Sidra Bell eine Choreographie von Bewegungen auf, die die Spannungen zwischen individueller Verletzlichkeit und kollektiver Stärke erforscht. Dieses Werk spiegelt die Theorien von Antonin Artaud über das Theater der Grausamkeit wider, in dem die Performance zu einem Ritual der Verwandlung wird.
Die Musik von Hannah Mayree vom Black Banjo Reclamation Project begleitet diese Performances und fügt eine klangliche Dimension hinzu, die das Werk in eine Tradition kulturellen Widerstands einbettet. Das Banjo, ein ursprünglich afrikanisches Instrument, das von der weißen amerikanischen Kultur annektiert wurde, findet hier zu seinen Wurzeln zurück und schafft gleichzeitig etwas ganz Zeitgenössisches. Das ist es, was Stuart Hall einen Moment kultureller Artikulation nennen würde, in dem Vergangenheit und Gegenwart aufeinandertreffen, um neue Bedeutungsmöglichkeiten zu schaffen.
Die Athleten, die seine Gemälde bevölkern, sind keine bloßen Bewegungsfiguren. In “Swimming Lessons” (2023) verwandelt Fordjour eine Schwimmunterrichtsszene in eine Meditation über Weitergabe und Überleben. Wasser, ein ambivalentes Element von Gefahr und Befreiung, wird zu einem Medium der Verwandlung. Dieses Werk steht in Dialog mit den Theorien von Gaston Bachelard über die materielle Vorstellungskraft des Wassers und verweist gleichzeitig auf die komplexe Geschichte des Zugangs zu öffentlichen Schwimmbädern im segregierten Amerika.
Seine Serie über schwarze Jockeys ist besonders kraftvoll in der Art, wie sie Geschichte und zeitgenössische Allegorie miteinander verwebt. Diese Werke erinnern an das goldene Zeitalter afroamerikanischer Jockeys am Ende des 19. Jahrhunderts und anschließend an ihre systematische Ausgrenzung aus den amerikanischen Rennbahnen. In “The Second Factor of Production” (2021) sind die Jockeys in einer ständigen Bewegung gefangen, ihre Silhouetten vervielfachen sich wie in einer Chronophotographie von Étienne-Jules Marey. Diese rhythmische Wiederholung ruft das deleuzianische Konzept von Differenz und Wiederholung hervor, bei dem jede Iteration eine subtile, aber bedeutende Variation bringt.
Fordjours kreativer Prozess ist selbst eine Performance kontrollierter Verwundbarkeit. Jede Schicht, die er hinzufügt, droht, das darunterliegende zu ersticken. Jeder Einschnitt, den er vornimmt, bedroht die Integrität der Oberfläche. Diese Spannung zwischen Aufbau und Zerstörung erinnert an das japanische Konzept des Kintsugi, bei dem die Risse eines Objekts mit Gold hervorgehoben werden, anstatt sie zu verbergen. Bei Fordjour werden Risse und Abschürfungen der Oberfläche zu Offenbarungen, Eintrittspunkten zu tieferen Wahrheiten.
In “Chorus of Maternal Grief” (2020) behandelt er die Frage der kollektiven Trauer durch eine Serie von Porträts trauernder Mütter, von Mamie Till-Mobley bis Tamika Palmer. Dieses Werk erinnert an die Klagefrauen der griechischen Tragödie, jene Frauen, deren öffentliche Klage der kollektiven Trauer eine Stimme gab. Aber Fordjour geht weiter: Er verwandelt diese Schmerzgestalten in Ikonen des Widerstands und der Würde.
Fordjours Farbpaletten vibrieren mit einer fast halluzinatorischen Intensität und schaffen unerwartete Harmonien, die traditionelle chromatische Konventionen herausfordern. In “Sonic Boom” (2023), seinem monumentalen Wandbild für das MOCA in Los Angeles, explodieren die Farben wie eine visuelle Fanfare und verwandeln die Museumsfassade in eine Feier der Tradition der Fanfarengruppen historisch schwarzer Universitäten.
Sein Umgang mit Raum ist ebenso innovativ. In “SHELTER” (2020), seiner Installation im Contemporary Art Museum in St. Louis, schuf er eine immersive Umgebung aus Wellblech und gestampfter Erde, in der das Geräusch von Regen durch ein ausgeklügeltes mechanisches System simuliert wurde. Dieses Werk verwandelte den sterilen Museumsraum in einen Ort kontrollierter Prekarität, der die Besucher zwang, physisch mit der Instabilität des Geländes zu verhandeln.
Die pädagogische Dimension seiner Arbeit darf nicht übersehen werden. Als Professor an der Yale School of Art und ehemaliger Inhaber des Alex Katz-Lehrstuhls an der Cooper Union versteht Fordjour die Bedeutung der Weitergabe. Sein jüngstes Projekt, Contemporary Arts Memphis, zielt darauf ab, Chancen für junge Künstler aus benachteiligten Gemeinden zu schaffen. Diese Initiative spiegelt die Überlegungen von Joseph Beuys zur sozialen Rolle des Künstlers und zur Kunst als Kraft sozialer Transformation wider.
Fordjours Arbeit mit Marionetten, insbesondere in “Fly Away” (2020), fügt seiner Erforschung von Performance und Kontrolle eine weitere Dimension hinzu. In Zusammenarbeit mit dem Puppenspieler Nick Lehane schafft er Aufführungen, die Macht- und Autonomiedynamiken hinterfragen. Diese Performances erinnern an Heinrich von Kleists Theorien über das Marionettentheater, in dem die Anmut paradoxerweise aus der Aufgabe bewusster Kontrolle entsteht.
Seine kürzlich eröffnete Ausstellung “Magic, Mystery & Legerdemain” (2022) in der David Kordansky Gallery setzt diese Reflexion über Illusion und Macht fort. Inspiriert von der Geschichte schwarzer amerikanischer Zauberer wie Black Herman erkundet Fordjour die Magie als Metapher für sozialen Privilegien: Wer hat das Recht, öffentlich zu täuschen? Wer kann das Ungläubigsein seines Publikums aussetzen? Diese Fragen hallen mit den Analysen von W.E.B. Du Bois zur “doppelten Bewusstheit” von Afroamerikanern wider.
In seinen jüngsten Installationen treibt Fordjour die Erforschung der Grenzen zwischen Realität und Illusion noch weiter voran. “Score” integriert Live-Performances, die die Grenzen zwischen Zuschauer und Teilnehmer verwischen. Dieser Ansatz erinnert an die Experimente des Bauhauses, wo Kunst, Performance und Architektur verschmolzen, um totale Erfahrungen zu schaffen. Doch wo das Bauhaus nach der modernistischen Utopie strebte, umarmt Fordjour die Komplexität und Ungewissheit unserer Zeit.
Fordjours Werk lädt uns ein, unsere Beziehung zur Verletzlichkeit grundlegend zu überdenken. In einer Welt, die von Schein von Stärke und Kontrolle besessen ist, erinnert er uns daran, dass unsere Menschlichkeit gerade in unserer Fähigkeit liegt, unsere gemeinsame Zerbrechlichkeit anzuerkennen und zu umarmen. Wie Édouard Glissant schrieb, erfolgt die Beziehung zur Welt durch die Akzeptanz unserer eigenen Opazität, unserer eigenen Schatten- und Unsicherheitszonen.
Indem er bescheidene Materialien in Werke von verblüffender Komplexität verwandelt, die Prekarität choreografiert, um daraus einen Tanz des Widerstands und der Feier zu machen, schafft Fordjour eine Kunst, die sowohl zutiefst persönlich als auch universell resonant ist. Seine Werke sind keine Fenster zu einer idealen Welt, sondern Spiegel, die uns unser eigenes Bild mit all seinen Rissen und Schönheiten zurückwerfen. Seine Arbeit erinnert uns daran, dass geteilte Verletzlichkeit unsere größte Stärke sein kann.
