Die emotionalen Gärten von Michaela Yearwood-Dan

Hört mir gut zu, ihr Snobs. Wenn ihr denkt, die zeitgenössische abstrakte Kunst sei tot, dann habt ihr das üppige und lebendige Universum von Michaela Yearwood-Dan noch nicht kennengelernt. Diese 30-jährige britische Künstlerin schafft Gemälde, die wie chromatische Ohrfeigen für unsere moralisch zimperliche Zeit sind, florale Symphonien, die die Grenzen der Darstellung überschreiten, um uns in einen Raum zu entführen, in dem Identität niemals statisch, sondern stets in Bewegung ist.

Ihre Werke rufen das hervor, was Georges Bataille als “innere Erfahrung” beschrieb, jenes Zerreißen, das uns jenseits der Grenzen unserer alltäglichen Wahrnehmung führt. Bataille schrieb: “Die Erfahrung ist das Infragestellen (Erproben), in Fieber und Angst, dessen, was ein Mensch über sein Sein weiß” ^[1]. Die abstrakten Kompositionen von Yearwood-Dan, mit ihren dicken Schichten von Ölfarbe, ihren Spritzern lebendiger Farben und den halb versteckten Texten, tun genau das, sie prüfen uns. Sie zerreißen den Schleier künstlerischer Konventionen, um uns zu fragen: Wer sind wir wirklich jenseits der Etiketten?

Yearwood-Dan ist nicht an eurer seligen Verehrung für formale Reinheit oder eurer Obsession für offensichtliche historische Referenzen interessiert. Sie braucht diese intellektuellen Krücken nicht. Ihre Gemälde sind brutal ehrlich, wie Tagebuchseiten, die ans Licht gezerrt wurden, aber durch technische Meisterschaft so verwandelt sind, dass das Persönliche universell berührend wird. Ihre Arbeit ist ein fröhlicher stummer Gruß an Traditionen, die schwarze queere Frauen in enge identitäre Schubladen stecken wollen.

Nehmt ihre monumentalen Werke wie “Despite all odds” (2022) oder “Love me nots” (2021), wobei letztere bei Christie’s für die bescheidene Summe von 730.800 Pfund Sterling verkauft wurde (etwa 875.000 Euro), also mehr als das 14-fache ihres ursprünglichen Schätzwerts. Aber verkennt nicht, dass der Preis das Werk nicht ausmacht. Es ist vielmehr die Art, wie die Künstlerin Räume der Kontemplation erschafft, in denen man sich stundenlang verlieren kann. Sie verwendet oft Worte in ihren Gemälden, entnommen aus Liedern, Gedichten oder eigenen Schriften, die wie geflüsterte Geständnisse erscheinen und uns einladen, näherzukommen und Zeit mit dem Bild zu verbringen, anstatt es nur anzuschauen.

Was Yearwood-Dan tut, erinnert merkwürdig an den Ansatz der französischen Feministin Hélène Cixous und ihrem Konzept des “écriture féminine”. Cixous sagte, dass “Frau sich schreiben muss: muss über Frauen schreiben und Frauen zum Schreiben bringen” ^[2]. Yearwood-Dans Gemälde sind genau das: eine Form von körperlichem, sinnlichem Schreiben, das die patriarchalen Zwänge der Darstellung ablehnt. Die Blumen und botanischen Motive, die ihre Leinwände bevölkern, sind keine bloßen Dekorationen, sondern Lebensbekundungen, von Fülle und Erneuerung.

Wie Cixous, die Frauen ermutigte, “mit ihrem Körper” zu schreiben, malt Yearwood-Dan mit vollem Bewusstsein ihrer körperlichen Identität als schwarze, queere Frau, weigert sich aber, diese Identitäten sie definieren oder ihre kreative Freiheit einschränken zu lassen. Ihre Werke feiern Vielfalt und Fluidität statt fester Identität. Sie sind politisch, gerade weil sie das Recht auf Schönheit, Vergnügen und emotionale Komplexität für alle einfordern.

Yearwood-Dan erklärte: “Ich treffe die aktive Entscheidung, meine Arbeit nicht traumatisch und schwer zu machen” ^[3]. Dieser Widerstand gegen die Ausbeutung des schwarzen Traumas ist an sich ein radikaler politischer Akt. In einer Kunstwelt, die oft von schwarzen Künstlerinnen verlangt, auf der Leinwand zu bluten, um ihre Authentizität zu beweisen, wird die Entscheidung, Freude darzustellen, zu einer Form des Widerstands. Sagt Cixous nicht, dass “Lachen die erste Geste der Freiheit” ist? Yearwood-Dans Gemälde, mit ihren üppigen Farben und rhythmischen Kompositionen, sind genau das, ein befreiendes Lachen.

Besonders bemerkenswert an ihrer Arbeit ist die Art, wie sie Materialität angeht. Ihre Gemälde sind keine bloßen Bilder, sondern sinnliche Objekte, die eine körperliche Präsenz verlangen. Textur ist ihr wichtig: dicke Farbschichten, kunstvoll kontrollierte Drippings, manchmal Perlen, Glitzer oder Blattgold, die das Licht einfangen. Diese materielle Fülle erinnert an Batailles Ideen von Überschuss und unproduktiver Ausgabe. Für Bataille “verweigert wahre Souveränität den Nutzen” ^[4]. Yearwood-Dans Gemälde, in ihrer visuellen und taktilen Opulenz, lehnen die utilitaristischen Werte des Kapitalismus ab, um Schönheit und Sinnlichkeit als Selbstzweck zu feiern.

Wenn Bataille uns auffordert, die Grenzen unserer Existenz zu überschreiten, um Ekstase zu erreichen, schlägt Yearwood-Dan einen ähnlichen Weg vor, der jedoch in einer täglichen Praxis des Staunens verwurzelt ist. Ihre abstrakten Gärten sind Räume, in denen der Betrachter sich verlieren, sich finden und wieder verlieren kann. Wie sie selbst sagte: “Ich bitte den Betrachter, Zeit mit dem Werk zu verbringen, es nicht nur anzuschauen, sondern Zeit mit ihm zu verbringen, so wie ich jemanden zu mir nach Hause einladen würde: Setzen Sie sich, ruhen Sie sich aus, nehmen Sie sich einen Moment” ^[5].

Diese Einladung zur Introspektion zeigt sich sogar in ihrer Art der Präsentation. Für ihre Installation “Let Me Hold You” (2022) bei Queercircle schuf sie ein kurviges Wandgemälde von 3 Metern Höhe mit integrierten Sitzgelegenheiten und verwandelte die Galerie in einen Raum der Ruhe und Gemeinschaft. Ebenso stellte sie für ihre Ausstellung “The Sweetest Taboo” (2022) bei Tiwani Contemporary Bänke und Hocker auf, damit die Besucher sitzen und Zeit mit ihren Werken verbringen können. Diese Geste ist nicht zufällig; sie stellt die elitären Konventionen der weißen, sterilen Kunstgalerie in Frage, in der man sich schnell bewegen soll, ohne wirklich anzuhalten.

Yearwood-Dans Praxis ist tief verwurzelt in einem ökologischen Bewusstsein, das den Anliegen von Cixous in Bezug auf unsere Beziehung zur natürlichen Welt entspricht. Für Cixous ist weibliches Schreiben “ein Gesang, der erste, der neuen Liebesgeschichte”, der “Frauen ihre Besitztümer, ihre Freuden, ihre Organe, ihre immensen körperlichen Territorien zurückgeben kann” ^[6]. Ebenso besetzen Yearwood-Dans abstrakte Landschaften den Bildraum mit einer Sensibilität, die Verbindung statt Dominanz, Harmonie statt Hierarchie feiert.

Diese Künstlerin beschränkt sich nicht nur aufs Malen, sondern schafft auch Keramikskulpturen, Klanginstallationen und Möbelstücke. Während der Pandemie 2020, als sie zu Hause eingeschlossen war und nicht im gewohnten Monumentalmaßstab ihrer Gemälde arbeiten konnte, wandte sie sich dem Ton zu und erschuf Vasen und Gefäße, die dieselben organischen Muster und handgeschriebenen Texte wie ihre Leinwände tragen. Diese Vielfalt an Medien spiegelt ihre Weigerung wider, sich auf eine Ausdrucksform festlegen zu lassen.

In ihren abstrakten Gemälden findet man Spuren der karibischen Kultur ihrer Eltern, visuelle Elemente des Notting Hill Karnevals, Verweise auf die britische queere Kultur und sogar Anspielungen auf die zeitgenössische Popkultur. Sie zitiert oft Liedtexte, von Adele bis Kendrick Lamar, und verwandelt diese Fragmente der Popkultur in poetische Meditationen über Liebe, Verlust und Identität. Diese Verschmelzung von “oben” und “unten”, von Persönlichem und Politischem, von Poetischem und Alltäglichem verleiht ihrer Arbeit genau die zeitgenössische Resonanz.

Für Bataille ist das wahre ästhetische Erlebnis jenes, das uns an die Grenze unseres Selbst treibt, das in uns ein Gefühl des Schwindels gegenüber dem Unbekannten hervorruft. Er schreibt: “Was wir dringend suchen, ist das, was uns verbrennt, es ist der Überschuss, es ist das Fieber, das verzehrt, es ist die maßlose Ausgabe” ^[7]. Die Werke von Yearwood-Dan bieten uns genau dieses Erlebnis von Überfluss, von sensorischem und emotionalem Zuviel, das unser Bedürfnis nach Kategorisierung herausfordert.

Und glaubt nicht, dass diese Explosion von Farben und Formen bloß eine einfache dekorative Sache ist! Yearwood-Dan ist sich der politischen Bedeutung ihrer Arbeit vollkommen bewusst. “Es ist wirklich eine politische Handlung, sich zu entscheiden, nicht in die Klickfalle zu tappen, die von vielen Schwarzen, besonders schwarzen Frauen, erwartet wird”, erklärte sie ^[8]. Dieser Widerstand, nicht zur Flagge einer kollektiven Identität zu werden, steht im Zentrum ihres künstlerischen Ansatzes.

Interessant ist, wie Yearwood-Dan die Tradition der abstrakten Malerei nutzt, die lange von weißen, heterosexuellen Männern dominiert wurde, um radikal andere Erfahrungen auszudrücken. Sie lehnt das Erbe der Abstraktion nicht ab, sondern transformiert und bereichert es mit neuen Bedeutungen. Wie sie so treffend sagte: “Ich habe gedacht, weißt du was, ich werde diese Bilder noch größer machen als zuvor. Ich werde sie hübscher machen, und sie werden rosa sein. Sie werden fleischig und weiblich sein und üppig, und wenn jemand dazu etwas sagen will, kann er sich verpissen!” ^[9]

Diese heftige Behauptung der Schönheit als Form des Widerstands findet ein Echo in der Philosophie von Cixous, für die das weibliche Schreiben nicht nur eine Ausdrucksform, sondern ein Akt der Befreiung ist. “Das weibliche Schreiben (die Dichter haben es gespürt) behauptet: […] und ich überschreite die Struktur, ich lasse sie platzen, ich verwandle sie durch Lust, durch Öffnung” ^[10]. Die Gemälde von Yearwood-Dan sprengen die einschränkenden Gesetze der zeitgenössischen Kunst mit demselben befreienden Genuss.

Yearwood-Dans Werdegang ist umso bemerkenswerter, wenn man bedenkt, dass sie zu den jüngsten Künstlerinnen gehört, die von der Galerie Hauser & Wirth, einem Giganten des zeitgenössischen Kunstmarktes, vertreten werden. Sie studierte an der University of Brighton, wo sie 2016 ihren Abschluss machte, und erregte schnell Aufmerksamkeit mit ihren ersten Ausstellungen bei der Sarabande Foundation, gegründet vom verstorbenen Modedesigner Alexander McQueen. Seitdem stellte sie an renommierten Orten wie dem Contemporary Arts Center in Cincinnati, dem Scottsdale Museum of Contemporary Art und dem Museum of Contemporary African Art in Marrakesch aus.

Ihre Arbeiten sind inzwischen Teil der ständigen Sammlungen des Hirshhorn Museum and Sculpture Garden in Washington D.C., des Institute of Contemporary Art in Miami und des Dallas Museum of Art, unter anderem. Diese rasche institutionelle Anerkennung zeugt von der Kraft und Relevanz ihres Werks.

Doch täuschen Sie sich nicht: Trotz dieses kommerziellen Erfolgs bleibt Yearwood-Dan tief mit der Zugänglichkeit ihrer Kunst verbunden. Sie nutzt aktiv soziale Netzwerke, um ihre Arbeit mit denen zu teilen, die sich ihre Werke nicht leisten oder nicht zu ihren Ausstellungen reisen können. “Ich verbreite meine Kunst gern, denn viele Menschen können sich meine Arbeit nicht leisten. Vielleicht können sie meine Arbeit nicht persönlich sehen. Aber sie können sich einen Instagram-Account leisten” ^[11], erklärt sie.

Diese Demokratisierung des Zugangs zur Kunst steht im Einklang mit Cixous’ Vision von Kreativität, die institutionelle und soziale Barrieren überwindet. Für Cixous ist das weibliche Schreiben eine “großzügige Bewegung”, die “nichts zurückhält, nichts zurückhält: sie lässt durch, ohne zu wissen, was sie durchlässt” ^[12]. Ebenso zirkuliert Yearwood-Dans Kunst großzügig und bietet Momente von Schönheit und Reflexion einem Publikum, das weit über die Mauern der Elitengalerien hinausreicht.

Während so viele zeitgenössische Künstler*innen in einem desillusionierten Zynismus oder einer übermäßigen Konzeptualisierung gefangen zu sein scheinen, bietet uns Yearwood-Dan etwas Seltenes, eine künstlerische Praxis, die fest an die Möglichkeit von Schönheit als Kraft der Transformation glaubt. Wie sie es ausdrückte und Stormzy sowie Michaela Coel zitierte: “Ich liebe meine Zukunft mehr, als ich einige Teile meiner Geschichte hasse” ^[13]. Diese Ausrichtung auf die Zukunft, dieser Glaube an die Möglichkeit einer schöneren und gerechteren Welt verleiht ihrer Arbeit eine prophetische Qualität, die vergängliche Kunstmoden übersteigt.

Das Werk von Michaela Yearwood-Dan erinnert uns daran, warum wir Kunst überhaupt brauchen, nicht als finanzielle Investition oder als Statussymbol, sondern als Raum der Möglichkeiten, als Ort, an dem wir uns vorstellen können, freier, verbundener und ganz Mensch zu sein. In einer Welt, die von Kategorisierung und Fragmentierung besessen ist, bietet sie uns eine Vision von Ganzheit, Fülle, einem Leben, das in all seiner funkelnden Komplexität gelebt wird. Und genau das brauchen wir jetzt.

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1. Bataille, Georges. Das innere Erlebnis. Paris: Gallimard, 1943.
2. Cixous, Hélène. “Das Lachen der Medusa.” L’Arc, Nr. 61, 1975.
3. Yearwood-Dan, Michaela, zitiert in “Michaela Yearwood-Dans üppige Abstraktionen sind auffallend intim” von Charlotte Jansen, Artsy, 11. April 2022.
4. Bataille, Georges. Der verfluchte Teil. Paris: Éditions de Minuit, 1949.
5. Yearwood-Dan, Michaela, zitiert in “Lebenszeichen: Wie Michaela Yearwood-Dan die Zukunft der abstrakten Kunst gestaltet” von Charlotte Jansen, Vogue UK, 16. März 2025.
6. Cixous, Hélène. “Das Lachen der Medusa.” L’Arc, Nr. 61, 1975.
7. Bataille, Georges. Der Erotismus. Paris: Éditions de Minuit, 1957.
8. Yearwood-Dan, Michaela, zitiert in “Künstlerin Michaela Yearwood-Dan über Freude durch Kunst finden und Schönheit zurückerobern” von Eloise Hendy, The Glossary Magazine, 9. März 2023.
9. Yearwood-Dan, Michaela, ebd.
10. Cixous, Hélène. “Das Lachen der Medusa.” L’Arc, Nr. 61, 1975.
11. Yearwood-Dan, Michaela, zitiert in “INTERVIEW // Im Gespräch mit Michaela Yearwood-Dan” von Laura Franchetti und Fred Shan, Immediations, 2021.
12. Cixous, Hélène. “Das Lachen der Medusa.” L’Arc, Nr. 61, 1975.
13. Yearwood-Dan, Michaela, zitiert in “Künstlerin Michaela Yearwood-Dan über Freude durch Kunst finden und Schönheit zurückerobern” von Eloise Hendy, The Glossary Magazine, 9. März 2023.