Die erhabene Zerreißung: Wei Jia und der fragmentierte Körper

Hört mir gut zu, ihr Snobs, wir haben zu viel Zeit damit verbracht, kalte und kalkulierte Werke zu betrachten, konzeptuelle Installationen, bei denen die Idee über das Gefühl gestellt wird, intellektuelle Gesten, die uns so zufrieden zurücklassen wie ein leerer Teller. Während ihr den letzten angesagten Künstler aus Shanghai bewundert, schafft ein Mann in seiner Werkstatt in Chongqing Gemälde, die vor Authentizität bluten. Wei Jia, merkt euch diesen Namen, ist vielleicht der emotionalste Maler seiner Generation.

Dieser in Chengdu Geborene, ausgebildet in den rigorosen Gravurtechniken der Zentralen Akademie der Schönen Künste in Peking, durchlief die Rollen eines vorbildlichen Studenten, eines respektierten Lehrers, um schließlich zu einem Schöpfer zu werden, dessen Werke mit erstaunlicher Schärfe den Schleier der Erscheinungen zerreißen. Erwarten Sie keine freundliche stilistische Entwicklung. Wei Jias Kunst ist eine Serie gewaltsamer Häutungen, innerer Metamorphosen, die sich in jedem Pinselstrich manifestieren. Es ist die Schönheit des Häutens.

Was in seiner Arbeit sofort auffällt, ist diese Art, den Menschen in einem Zustand existenzieller Fragilität einzufangen. Seine Figuren, oft einsame männliche Gestalten oder Gruppen, schweben in undefinierten Räumen, zwischen Erde und Himmel, zwischen Vertrautem und Fremdem. Die Konturen verblassen, die Körper verschmelzen mit der Landschaft. Man denkt sofort an Francis Bacon und seine Art, die menschliche Figur zu verzerren, aber ohne das Makabre. Wei Jia quält seine Malerei, nicht seine Themen. Bei ihm gibt es eine Zärtlichkeit, die das Leiden in etwas Leuchtendes verwandelt.

In seiner Serie aktueller Werke wie “Ohne Titel” (2019-2021) zeigt Wei verschwommene Silhouetten, die scheinbar aus einem Farbfeld auftauchen, wie Geister, die versuchen, Gestalt anzunehmen. Die Technik ist sowohl roh als auch raffiniert, die wilden Pinselstriche bauen Körper, die kurz davor zu sein scheinen, sich aufzulösen. Genau das beschrieb Antonin Artaud, als er vom “Körper ohne Organe” sprach, diesem revolutionären Konzept des menschlichen Körpers, nicht mehr als organisierte Maschine, sondern als Feld von Intensitäten, Kräften und Empfindungen ^[1]. Artaud schrieb: “Der Körper ist der Körper. Er ist allein und braucht keine Organe. Der Körper ist niemals ein Organismus. Organismen sind die Feinde des Körpers.” Wei Jia übersetzt diesen radikalen Gedanken visuell und macht aus seinen Figuren keine anatomischen Darstellungen, sondern Präsenz, Manifestationen einer Lebensenergie.

Die Körper in den Gemälden von Wei Jia sind nicht einfach nur desorganisiert, sie werden dabei, etwas anderes zu werden. In “Legendärer Held” (2020) scheint die zentrale Figur sich in einem Strudel aus Blau und Grün aufzulösen, während sie dennoch eine kraftvolle Präsenz bewahrt. Dieses Auflösen ist keine Niederlage, sondern eine Verwandlung, ein Übergang zu einem anderen Daseinszustand. Wie Artaud in “Um mit dem Urteil Gottes abzuschließen” schrieb: “Wenn ihr ihm einen körperlosen Organismus geschaffen habt, dann habt ihr ihn von all seinen Automatismen befreit und zu seiner wahren Freiheit zurückgegeben” ^[2]. Das Gemälde von Wei ist genau dieser Akt der Befreiung.

Wenn Artaud einen Schlüssel zum Verständnis der Körperauffassung in Weis Werk liefert, erhellt uns die Literatur des deutschen Schriftstellers W.G. Sebald seine Beziehung zur Zeit und zum Gedächtnis. Sebald erforscht in seinen Romanen wie “Austerlitz” oder “Die Ringe des Saturns”, wie die Vergangenheit die Gegenwart durchdringt, wie Erinnerungen wie Gespenster bestehen bleiben und an unerwarteten Orten auftauchen ^[3]. Er schreibt: “Das Gedächtnis, sagt er, erscheint mir oft wie eine Stadt, in der eine große Schlacht geschlagen wurde. Man kann sich nicht bewegen, ohne auf Beweise der Verwüstung zu stoßen.” Die Figuren von Wei Jia scheinen genau in einem solchen Raum zu wohnen, einem Ort, an dem Zeit nicht linear, sondern gleichzeitig ist und mehrere Existenzschichten sich übereinanderlegen.

Nehmen Sie seine frühen Grafiken, wie “Stille” (1999) oder “Tiefes Atmen” (2002), in denen junge Männer leere Räume und entfernte Horizonte betrachten. Diese Werke sind nicht nur Porträts, sondern Meditationen über die Zeitlichkeit. Wie Sebald in “Schwindel” schreibt: “Damals schien es mir, wie es mir heute beim Nachdenken erscheint, dass alle Momente unseres Lebens den gleichen Raum einnehmen” ^[4]. Dieses Gefühl der zeitlichen Abflachung durchdringt Weis Werk.

Als Wei Jia um 2004 von der Radierung zur Acrylmalerei wechselte, änderte er nicht einfach das Medium, sondern verwandelte radikal seine Beziehung zur Darstellung. Die sorgfältig aufgebauten Oberflächen seiner Radierungen wichen einem intuitiveren, fast gewalttätigen Ansatz. Die Farbschichten häufen sich wie geologische Schichten, von denen jede Spuren früherer Durchgänge trägt. Das ist genau das, was Sebald die “Sedimente der Zeit” nennt, Schichten persönlicher und kollektiver Geschichte, die sich anhäufen und ein dichtes, reichhaltiges visuelles Zeugnis bilden ^[5].

In neueren Werken wie “Der raue Fluss stromaufwärts” (2020) verzichtet Wei fast ganz auf traditionelle Figuration, um einen Zustand zu erreichen, in dem die Malerei selbst zum Thema wird. Die Farben krachen heftig aufeinander und schaffen vibrierende Intensitätsfelder, die wie mit eigenem Leben erfüllt wirken. Der Körper wird nicht mehr dargestellt, sondern angedeutet, suggeriert durch Spuren, Gesten, Abwesenheiten. Wie Sebald schrieb: “Wir haben keine Ahnung, was unsere Körper im Gedächtnis speichern” ^[6]. Die Gemälde von Wei Jia scheinen genau Versuche zu sein, dieser unbewussten Körperspeicherung, diesen Erinnerungen zu gestalten, die unser Fleisch bewohnen, ohne dass wir uns dessen voll bewusst sind.

Der Übergang von Wei von kontrollierten narrativen Bildern zu abstrakteren und gestischen Werken spiegelt den intellektuellen Weg vieler zeitgenössischer chinesischer Künstler wider, die in den 1970er Jahren geboren wurden. Diese Generation wuchs in einer Zeit radikaler sozialer und wirtschaftlicher Transformation auf. Sie waren Zeugen der Öffnung Chinas zur Welt, des Aufkommens einer städtischen Mittelschicht und des Aufstiegs eines ehemals isolierten Landes. Aber im Gegensatz zu einigen Zeitgenossen, die einen Pop- oder zynischen Stil angenommen haben, hat Wei Jia einen introspektiveren, auch aufrichtigeren Weg gewählt.

Was bei Wei Jia interessant ist, ist seine Fähigkeit, ein fragiles Gleichgewicht zwischen Kontrolle und Loslassen herzustellen. Selbst in seinen ausdrucksstärksten Werken spürt man eine zugrunde liegende Disziplin, einen Rahmen, der dem Chaos Gestalt gibt. Es ist, als ob die rigorose Ausbildung als Graveur, die er erhalten hat, seine Hand weiterhin leitet, selbst wenn er sich den wildesten Gesten hingibt. Diese Spannung zwischen Struktur und Freiheit erzeugt eine besondere Energie, die sich durch sein gesamtes Werk zieht. Dieselbe Spannung findet sich in Sebalds Schriften, wo die kontrollierte und sorgfältige Prosa dennoch ein Gefühl von Schwindel und Desorientierung vermittelt ^[7].

Wei Jia selbst sagte: “Wenn ich male, suche ich oft einen Zustand, in dem ich den Prozess nicht vollständig kontrolliere. Ich möchte, dass es einen Dialog zwischen mir und der Malerei gibt, bei dem sie mich manchmal leitet.” Dieser dialogische Ansatz spiegelt genau das wider, was Sebald als “ein Gespräch mit den Toten” beschreibt, nicht im wörtlichen Sinne, sondern als Engagement mit den Spuren der Vergangenheit, die in der Gegenwart fortbestehen ^[8].

Was Wei Jia von so vielen zeitgenössischen Künstlern unterscheidet, ist seine Ablehnung des einfachen Zynismus. In einer Zeit, in der Ironie zur Standardposition der Kunst geworden ist, wagt Wei es, aufrichtig zu sein. Seine Gemälde wollen nicht cool oder distanziert sein, sie engagieren sich in einem erbitterten Kampf mit den grundlegendsten Fragen der menschlichen Existenz. Wie Sebald schreibt: “Vielleicht versuchen wir alle, einen Ort zu finden, an dem das Leiden uns nicht erreichen kann” ^[9]. Wei Jias Bilder sind keine Zufluchtsorte vor dem Leiden, sondern Versuche, diesem einen Sinn zu geben, es in Schönheit zu verwandeln.

In “Club” (2021) zeigt Wei eine Gruppenszene in Blau- und Grüntönen, die eine nächtliche, fast traumartige Atmosphäre heraufbeschwört. Die Figuren scheinen in einem Moment der Gemeinschaft oder kollektiven Feier schweben. Dieses Werk erinnert an Sebalds Aussage in “Austerlitz”: “Wir nehmen die Zeit nur durch die äußeren Zeichen ihres Vergehens wahr, diese kleinen Dinge, die uns zeigen, dass sich etwas verändert hat, dass etwas unwiderruflich verloren ist” ^[10]. Die Figuren von Wei nehmen genau diese zeitliche Lücke ein, einen flüchtigen Moment zwischen dem, was war, und dem, was sein wird, eine erweiterte Gegenwart, die sowohl die Vergangenheit als auch die Zukunft enthält.

Wei Jia gehört zu jener Künstlergeneration, für die die Malerei nicht nur ein Ausdrucksmittel, sondern eine Form der Erkenntnis ist, eine Art, die Tiefen menschlicher Erfahrung zu erforschen. In diesem Sinne reiht er sich ein in die Reihen großer Meister wie Rembrandt oder Goya, die Malerei als Werkzeug zur existenziellen Untersuchung nutzten. Bemerkenswert ist, dass er diese Tiefe erreicht, ohne auf die üblichen Tropen der “ernsten” Malerei zurückzugreifen: Keine grandiosen Kompositionen, keine offensichtlichen historischen Anspielungen, kein schwerer Symbolismus.

Stattdessen arbeitet Wei Jia durch Subtraktion, durch Reinigung. Seine jüngsten Gemälde ähneln manchmal halb ausgelöschten Träumen, flüchtigen Visionen, die verschwinden, sobald man versucht, sie festzuhalten. Diese vergängliche Qualität ähnelt dem, was Artaud als “Theater der Grausamkeit” beschrieb, nicht als Spektakel willkürlicher Gewalt, sondern als Kunstform, die “Nerven und Herz erweckt”, die Sinne direkt anspricht, ohne den Filter des Intellekts ^[11].

Die Farben in Weis jüngsten Bildern sind besonders eindrucksvoll: tiefe Blautöne, üppige Grüntöne, glühende Rosatöne. Diese Farbtöne sind nicht einfach dekorativ, sie sind voller Emotionen, fast synästhetisch. Wie Artaud schreibt: “Il y a dans toute émotion une équivalence organique” ^[12]. Weis Farben scheinen direkt emotionale Zustände, sichtbare psychische Schwingungen zu verkörpern.

Im Laufe seiner Karriere entfernt sich Wei Jia immer mehr von den Konventionen der zeitgenössischen chinesischen figurativen Malerei. Seine jüngsten Werke erzählen keine expliziten Geschichten mehr, vermitteln keine klaren Botschaften. Sie existieren vielmehr als Energiefelder, Treffpunkte zwischen dem Künstler und der Welt, zwischen Vergangenheit und Gegenwart, zwischen Tradition und Innovation. In diesem Sinne erinnern sie an das, was Sebald “Übergangszonen” nennt, diese liminalen Räume, in denen Grenzen verschwimmen, wo verschiedene Realitäten koexistieren ^[13].

Was mir an Wei Jia am besten gefällt, ist, dass er den Wandel umarmt, dass er seine Praxis ständig neu erfindet, ohne je seine grundlegende künstlerische Identität zu verleugnen. Jede neue Werkserie stellt einen Bruch mit dem Vorherigen dar, bewahrt dabei jedoch eine tiefe Kohärenz. Es ist, als ob jedes Bild ein Versuch ist, die Grenzen der bildlichen Sprache zu erweitern, das zu erreichen, was Artaud einen “Sprache, die zwischen Geste und Denken angesiedelt ist” ^[14] nannte.

Wei Jia wird oft zu den Künstlern der Post-70er-Generation gezählt, den in den 1970er Jahren geborenen Künstlern, die während Chinas wirtschaftlicher Reformen aufwuchsen. Aber sein Werk übersteigt generationelle oder nationale Kategorien. Er malt nicht “China” oder “die moderne Situation”, sondern etwas Universelleres, die Suche eines Menschen nach Sinn in seiner eigenen Existenz in einer sich ständig wandelnden Welt.

Betrachten Sie “Harter Weg II” (2022), eines seiner jüngsten Werke. Das Bild zeigt eine bergige Landschaft, bewohnt von kaum erkennbaren Figuren, wie flüchtige Erscheinungen. Die energischen Pinselstriche erzeugen ein Gefühl ständiger Bewegung, als ob die Landschaft sich selbst transformiert. Dieses Werk ruft das hervor, was Sebald in “Die Ringe des Saturn” beschreibt: “Vielleicht ist unser Schicksal, in ständiger Bewegung zu sein. Wir wohnen nicht an einem Ort, sondern wir wohnen der Bewegung selbst” ^[15]. Weis Figuren scheinen tatsächlich keinen festen Raum zu bewohnen, sondern den Fluss des Daseins.

Ob Sie nun Kenner oder Neulinge zeitgenössischer chinesischer Kunst sind, ich empfehle Ihnen dringend, Wei Jia ernsthaft Aufmerksamkeit zu schenken. In einer Kunstwelt, die von kurzlebigen Trends und medialen Aufmerksamkeitsaktionen dominiert wird, repräsentiert seine Arbeit etwas Seltenes: eine authentische Suche, ein vollständiges Engagement für die Kunst als Mittel zur Erforschung der menschlichen Existenz. Seine Bilder bieten Ihnen keine bequemen Gewissheiten oder simplen Botschaften, sondern laden Sie zu einer Reise in die Tiefen gelebter Erfahrung ein.

Wei Jia erinnert uns daran, warum wir in unserer von Bildern übersättigten digitalen Zeit die Malerei brauchen. Denn Malerei ist in seinen Händen nicht einfach eine weitere Bildform, sondern eine materielle Präsenz, ein Zeugnis des physischen und geistigen Engagements eines Menschen mit der Welt. Wie Artaud schrieb: “Ich mag keine losgelösten Gedichte oder Theater. Ich mag engagierte Gedichte, die sich im Leiden, im Leben, in der Notwendigkeit engagieren” ^[16]. Weis Gemälde sind genau das, Werke, die sich dem Leben in all seiner Komplexität und Widersprüchlichkeit verpflichten.

Wenn Sie vor einem Bild von Wei Jia stehen, nehmen Sie sich die Zeit, wirklich hinzuschauen. Lassen Sie Ihren Blick über die gestalteten Oberflächen, die Farbschichten, die Figuren, die erscheinen und verschwinden, verweilen. Versuchen Sie nicht mit Ihren Erwartungen oder Vorurteilen zu sehen, sondern mit einer offenen Sensibilität. Denn was Wei Jia uns bietet, ist kein passiv zu konsumierendes Spektakel, sondern eine Einladung zu einem visuellen und emotionalen Dialog, der möglicherweise Ihre Art, die Welt zu sehen, verändern könnte.

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1. Artaud, Antonin, “Schluss mit dem Urteil Gottes”, Gesammelte Werke, Band XIII, Gallimard, Paris, 1974.
2. Artaud, Antonin, “Das Theater und sein Doppel”, Gesammelte Werke, Band IV, Gallimard, Paris, 1964.
3. Sebald, W.G., “Austerlitz”, aus dem Deutschen von Patrick Charbonneau, Actes Sud, Arles, 2002.
4. Sebald, W.G., “Schwindel”, aus dem Deutschen von Patrick Charbonneau, Actes Sud, Arles, 2001.
5. Sebald, W.G., “Die Ringe des Saturn”, aus dem Deutschen von Bernard Kreiss, Actes Sud, Arles, 1999.
6. Sebald, W.G., “Die Ausgewanderten”, aus dem Deutschen von Patrick Charbonneau, Actes Sud, Arles, 1999.
7. Sebald, W.G., “Ländliche Aufenthalte”, aus dem Deutschen von Patrick Charbonneau, Actes Sud, Arles, 2005.
8. Sebald, W.G., “Campo Santo”, aus dem Deutschen von Patrick Charbonneau, Actes Sud, Arles, 2009.
9. Sebald, W.G., “Austerlitz”, aus dem Deutschen von Patrick Charbonneau, Actes Sud, Arles, 2002.
10. Ebd.
11. Artaud, Antonin, “Das Theater und sein Doppel”, Gesammelte Werke, Band IV, Gallimard, Paris, 1964.
12. Ebd.
13. Sebald, W.G., “Die Ringe des Saturn”, aus dem Deutschen von Bernard Kreiss, Actes Sud, Arles, 1999.
14. Artaud, Antonin, “Das Theater und sein Doppel”, Gesammelte Werke, Band IV, Gallimard, Paris, 1964.
15. Sebald, W.G., “Die Ringe des Saturn”, aus dem Deutschen von Bernard Kreiss, Actes Sud, Arles, 1999.
16. Artaud, Antonin, “Die Tarahumaras”, Gesamtausgabe, Band IX, Gallimard, Paris, 1979.