Die irdischen Göttinnen von Cristina BanBan

Hört mir gut zu, ihr Snobs. Es gibt etwas unwiderstehlich Lebendiges in der Malerei von Cristina BanBan, das uns daran erinnert, warum wir uns überhaupt für Kunst interessieren. Ihre imposanten Leinwände, bevölkert von Frauen mit üppigen Formen und übergroßen Händen, fordern unsere Aufmerksamkeit nicht einfach nur höflich ein, sie verlangen sie mit einer ruhigen Autorität, die das Getöse der zeitgenössischen Kunstwelt zum Schweigen bringt.

Geboren 1987 in El Prat de Llobregat am Stadtrand von Barcelona, entwickelte BanBan ihre unverwechselbare Bildsprache auf einem geografischen Weg, der sie von Spanien über London nach Brooklyn führte, wo sie heute lebt und arbeitet. Diese Reise ist nicht zufällig für die Ausbildung ihrer Ästhetik. In ihren Werken herrscht eine ständige Spannung zwischen Verwurzelung und Bewegung, zwischen der monumentalen Präsenz der Körper und ihrer Fragmentierung, zwischen Erinnerung und der Unmittelbarkeit der Erfahrung.

Die weiblichen Figuren, die BanBans Leinwände bevölkern, sind zugleich vertraut und fremd. Ihre übertriebenen Proportionen, diese schweren Beine, die riesigen Hände, die massiven Füße im Kontrast zu relativ kleinen Köpfen, schaffen eine visuelle Dissonanz, die uns zwingt, unsere Wahrnehmung des weiblichen Körpers neu zu überdenken. Diese Frauen nehmen den Raum ohne Entschuldigungen ein, ihre Formen fließen oft bis an den Rand der Leinwand in einem kategorischen Widerstand gegen Einschränkungen. Und doch besitzen diese Figuren trotz ihres körperlichen Volumens eine spürbare Intimität und Verletzlichkeit.

In BanBans Arbeit liegt eine unbestreitbare körperliche Qualität. Ihre Palette aus Hauttönen, Rosé, Ocker und Braun evoziert die Sinnlichkeit der Haut, während ihre energischen Pinselstriche eine Spannung zwischen der Solidität des Körpers und seiner drohenden Auflösung erzeugen. Die geschwungenen Konturen, die ihre Figuren umhüllen, stehen im Kontrast zu dicken Farbebenen, was die Parität zwischen menschlichem Fleisch und Ölfarbe evozierte, wie sie in den Werken von Willem de Kooning und Lucian Freud ^[1] zu finden ist.

Was BanBan auszeichnet, ist ihre Fähigkeit, mühelos zwischen Figuration und Abstraktion zu navigieren. Wie sie selbst erklärt: “Ich befinde mich zwischen diesen zwei Welten, und das ist spannend, weil ich so viel lerne. Alles, was ich will, ist, mich im Atelier zu amüsieren. Es macht keinen Sinn, immer wieder dieselben Dinge zu wiederholen” ^[2]. Dieses Schwanken zwischen figurativer Darstellung und gestischer Abstraktion schafft eine visuelle Dynamik, die ihre Werke in einem permanenten Werden hält.

BanBans Figuren scheinen oft in ihrer eigenen inneren Welt versunken. Sie schauen sich selten gegenseitig an oder begegnen nicht direkt dem Blick des Betrachters. Diese Introspektion verweist auf die menschliche Isolation, die durch soziale und politische Umwälzungen der letzten Jahre verhängt wurde ^[3]. Ihre Akte werden manchmal von Unterwäsche oder verziert mit Creolen und Haarspangen begleitet. Sie werden bewusst zeitgenössisch und präsentieren kraftvolle Bilder selbstbewusster Frauen in ihren Beziehungen und Räumen.

Beim Betrachten der jüngsten Werke von BanBan denkt man unweigerlich an die spanische philosophische Tradition und deren Verhältnis zum Körper. Der Philosoph José Ortega y Gasset schrieb, dass “ich bin ich und meine Umstände” bin, eine Aussage, die tief mit BanBans Ansatz zur menschlichen Figur resoniert. Für sie ist der Körper niemals eine isolierte Entität, sondern immer in einem Kontext verortet, durchdrungen von persönlichen und kollektiven Geschichten. Ihre weiblichen Figuren existieren in einem liminalen Raum zwischen Autobiografie und Archetyp, tragen oft Züge der Künstlerin selbst.

Diese autobiografische Dimension ist zentral in BanBans Arbeit. “Ich nehme mein eigenes Bild als Ausgangspunkt und entwickle, was mich am meisten interessiert”, gesteht sie. “Malen ist wie ein Tagebuchführen, ich nutze weibliche Körper, um darzustellen, wie ich mich fühle oder was ich um mich herum sehe” ^[4]. Dieser Ansatz erinnert an die lange Tradition des Selbstporträts in der spanischen Kunst, von Velázquez bis Picasso, in der sich die Künstlerin gleichzeitig als Subjekt und Objekt des Blicks positioniert.

Doch BanBan geht über diese Tradition hinaus, indem sie ihr eigenes Bild fragmentiert und vervielfacht. In Werken wie “Cristina”, einem multiplen Selbstporträt, stellt sie sich in verschiedenen Lebensphasen dar und schafft einen zeitlichen Dialog, der die lineare Erzählweise infrage stellt. Diese Vervielfachung des Selbst evoziert Henri Bergsons Zeitverständnis, für den die Dauer keine Abfolge einzelner Momente ist, sondern eine fortwährende Durchdringung von Bewusstseinszuständen. Die überlagerten Figuren BanBans verkörpern dieses fließende Zeitkonzept, in dem Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft im selben bildlichen Raum koexistieren.

Die Art und Weise, wie BanBan mit dem Medium der Malerei arbeitet, ist ebenso bedeutend wie ihre Sujets. Ihr Umgang mit der Ölfarbe, einem Medium, das sie relativ kürzlich übernommen hat, zeigt ein tiefes Verständnis für dessen Materialität. “Mit Öl weiß man nie, wie sie reagiert”, bemerkt sie. “Ich musste das Gefühl haben, nicht die Kontrolle zu haben, damit Unfälle passieren können. Das ist so schön” ^[5]. Diese Offenheit für das Unvorhergesehene, der Wille, Fehler und Zufälle als integrale Bestandteile des kreativen Prozesses anzunehmen, verleiht ihren Werken eine spürbare Vitalität und Unmittelbarkeit.

BanBans Prozess beginnt stets mit der Zeichnung, einer Praxis, die sie seit ihrer Kindheit pflegt. “Zeichnen ist eher wie Meditation, weil ich mir Zeit zum Sitzen nehme. Es ist ruhiger. Malen ist das Gegenteil. Es ist mehr wie der Bauch”, erklärt sie ^[6]. Diese Dualität zwischen der Überlegung der Zeichnung und der Impulsivität der Malerei schafft eine produktive Spannung, die ihre Werke belebt. Die präzisen Konturen ihrer Figuren sind ständig von expressiven Pinselstrichen bedroht, die sie in die Abstraktion aufzulösen scheinen. BanBans Übergang zur Ölmalerei markiert einen wichtigen Wendepunkt in ihrer Praxis. “Letztes Jahr langweilte ich mich an meiner eigenen Malerei, als hätte ich etwas darin erschöpft. Ich spürte das Bedürfnis, Abstand zu gewinnen und meine Herangehensweise an die Malerei zu ändern, ich musste mich wieder dafür begeistern”, gesteht sie ^[7]. Dieses ständige Bestreben, sich selbst zu hinterfragen und die Grenzen ihrer Praxis zu überschreiten, ist charakteristisch für eine Künstlerin, die es ablehnt, sich auf ihren Errungenschaften auszuruhen.

BanBans Einflüsse sind vielfältig und reichen von dem japanischen Anime, den sie als Kind im katalanischen Fernsehen sah, bis hin zu amerikanischen abstrakten Expressionisten. “Ich schaue mir viel Willem de Kooning an. Helen Frankenthaler. Ich mag auch Joaquín Sorolla”, offenbart sie ^[8]. Diese Verschmelzung unterschiedlicher kultureller Einflüsse, von europäischen malerischen Traditionen bis zur japanischen Popkultur, schafft eine hybride visuelle Sprache, die sich einfachen Kategorisierungen entzieht. Doch jenseits dieser künstlerischen Einflüsse findet man vielleicht in der Literatur die tiefsten Echos von BanBans Werk. Die Poesie von Antonio Machado, mit ihrer Meditation über Zeit, Erinnerung und Identität, bietet einen besonders fruchtbaren Schlüssel zum Verständnis ihres Werks. Der Dichter schrieb: “Reisender, der Weg / sind die Spuren deiner Schritte / Das ist alles; Reisender, / es gibt keinen Weg, / der Weg entsteht beim Gehen.” Diese Verse resonieren tief mit BanBans prozessualem Ansatz, für die die Malerei weniger ein fertiges Produkt als eine Aufzeichnung eines körperlichen Engagements mit dem Material ist.

Diese körperliche Dimension steht im Zentrum von BanBans Arbeit. Sie malt stehend, in einem totalen physischen Engagement mit der Leinwand. “Ich bin keine Malerin, die sitzt. Ich bin ziemlich aktiv. Ich mag die Geste und die Aktion, große Leinwände zu bemalen”, erklärt sie ^[9]. Dieser performative Umgang mit der Malerei integriert ihren Künstlerkörper ins Werk selbst und schafft eine Kontinuität zwischen dem dargestellten Körper und dem repräsentierenden Körper.

Die übergroßen Hände, die die Figuren von BanBan auszeichnen, erhalten hier eine besondere Bedeutung. Sie werden zu einer Metonymie des kreativen Prozesses selbst, einer Feier der manuellen Arbeit des Malens in einer zunehmend digitalisierten Welt. “Ich denke, man kann viel über die Hände eines Menschen sagen. Ich fühle mich zu Händen hingezogen, zu großen Händen. Sie spielen immer eine sehr wichtige Rolle in der Komposition meiner Gemälde”, bemerkt sie ^[10]. Diese Betonung der Hände verweist auch auf die kunsthandwerkliche Tradition, aus der BanBan stammt. Sie erzählt, wie ihre Großmutter, die Schneiderin war, die Person war, die sie zur Kreativität inspiriert hat. Diese weibliche Abstammung, diese Weitergabe eines handwerklichen Könnens, verankert ihre Arbeit in einer Genealogie kreativer weiblicher Praktiken, die in der offiziellen Kunstgeschichte oft marginalisiert wurden.

Die Frauen, die BanBan malt, sind mächtig, nicht trotz ihrer Fülle, sondern gerade wegen ihr. In einem kulturellen Kontext, der weibliche Schlankheit wertschätzt, stellen ihre üppigen Figuren einen Akt ästhetischen und politischen Widerstands dar. Wie sie erklärt: “Ich mag, dass sie mächtig und echt sind. Sie sind auch in ihrem eigenen Kopf und denken an sich selbst” ^[11]. Diese Innerlichkeit, diese Selbstbezogenheit kontrastiert mit der Tradition des weiblichen Aktes in der westlichen Kunstgeschichte, wo die Frau typischerweise als Objekt männlichen Blicks dargestellt wird. Indem sie diese Objektivierung ablehnt, reiht sich BanBan in eine Reihe weiblicher Künstlerinnen ein, die die Darstellung des Körpers genutzt haben, um Geschlechternormen infrage zu stellen. Wie die Kunstkritikerin Linda Nochlin in ihrem bahnbrechenden Essay “Why Have There Been No Great Women Artists?” anmerkte, wurden weibliche Künstlerinnen historisch von den dominanten künstlerischen Institutionen ausgeschlossen und mussten eigene Räume und Sprachen schaffen, um sich auszudrücken. BanBan trägt zu dieser Widerstandstradition bei, indem sie einen malerischen Raum schafft, in dem weibliche Körper für sich selbst existieren, befreit vom bewertenden männlichen Blick.

Diese politische Dimension von BanBans Arbeit ist umso kraftvoller, als sie niemals didaktisch ist. Sie entsteht ganz natürlich aus ihrer Praxis, ihrem Engagement mit der Materialität der Malerei und ihrer Erforschung ihrer eigenen gelebten Erfahrung. Wie sie selbst sagt: “Es ist nicht so, dass ich eine Absicht habe, aber wenn ich sie anschaue, spüre ich, dass sie alle ihren eigenen Raum einnehmen, selbstbewusst, so wie sie sind” ^[12]. Die Frage des Raums ist in BanBans Arbeit wichtig. Ihre Figuren nehmen den Bildraum mit einer ruhigen Sicherheit ein, die die Konventionen der weiblichen Darstellung herausfordert. Aber diese Raumaneignung hat auch eine persönliche und biografische Dimension. Da sie zwischen Spanien, London und New York gelebt hat, ist BanBan besonders sensibel für Fragen der Zugehörigkeit und der Verortung. “Ich bin von Barcelona nach London mit einem Koffer gezogen und habe das gleiche von London hierher getan. Ich mag den Neuanfang. Ich habe alles gegeben und dann hier neu angefangen”, erzählt sie ^[13]. Diese materielle Leichtigkeit steht im Kontrast zur emotionalen und physischen Dichte ihrer Gemälde. Es gibt eine produktive Spannung zwischen dem Nomadentum ihres persönlichen Lebens und der körperlichen Verwurzelung ihrer Figuren. Ihre weiblichen Figuren scheinen zugleich in ihrer Körperlichkeit verwurzelt und im Übergang, ihre unscharfen Konturen deuten auf eine Identität im ständigen Fluss hin.

Diese Identitätsfluidität zeigt sich auch in BanBans technischer Herangehensweise. Ihr jüngster Übergang zu mehr Abstraktion spiegelt den Wunsch wider, die Figur von zu expliziten narrativen Zwängen zu befreien. “Ich wollte so weit wie möglich davon wegkommen, klare Erzählungen in meinen Gemälden zu haben, wie zum Beispiel ‚Oh, das sind zwei Mädchen, zwei Freundinnen, die in der Küche sprechen‘. Ich wusste, wie ich das machen konnte, und irgendwann wurde es für mich langweilig”, erklärt sie ^[14]. Diese Entwicklung hin zur Abstraktion bedeutet jedoch nicht, die menschliche Figur aufzugeben. Im Gegenteil, BanBan nutzt die Abstraktion, um ihr Verständnis der Figur zu erneuern, um ihre expressiven Möglichkeiten über die reine narrative Darstellung hinaus zu erforschen. “Ich versuche, die Figur noch weiter zu heben. Ich lerne neue Wege, Spuren zu setzen, und ich betrachte mehr die Komposition jedes Gemäldes, die Farben und die Textur, was meiner Meinung nach näher an der Arbeitsweise eines abstrakten Malers ist”, beobachtet sie ^[15].

BanBans jüngste Werke zeugen von dieser produktiven Spannung zwischen Figuration und Abstraktion. Die weiblichen Körper bleiben erkennbar, aber sie sind ständig durch expressive Pinselstriche und Überlagerungen von Formen von Auflösung bedroht. Diese visuelle Mehrdeutigkeit schafft einen offenen Interpretationsraum, der den Betrachter einlädt, aktiv an der Bedeutungsfindung teilzunehmen.

Die zeitliche Dimension ist ebenfalls grundlegend in BanBans Arbeit. Ihre Figuren existieren in einer gedehnten Gegenwart, schwebend zwischen Erinnerung und Erwartung. Diese komplexe Temporalität wird besonders deutlich in ihren jüngsten Werken, wo die Körper zugleich fest präsent und dabei sind, sich aufzulösen. Diese flüchtige Qualität erinnert an die Verletzlichkeit der körperlichen Erfahrung, ihre Anfälligkeit für den Lauf der Zeit und äußere Kräfte.

Die Kunstkritikerin Rosalind Krauss sprach von der “Postmedium-Bedingung” der zeitgenössischen Kunst, in der die traditionellen Grenzen zwischen künstlerischen Medien ständig infrage gestellt werden. Die Arbeit von BanBan fügt sich in diese Bedingung ein und bestätigt gleichzeitig die anhaltende Relevanz der Malerei als Mittel zur Erforschung der Körpererfahrung. Ihre Leinwände zeigen, dass Malerei uns in einer von flüchtigen digitalen Bildern übersättigten Welt immer noch überraschen, berühren und herausfordern kann.

Was die Arbeit von Cristina BanBan so überzeugend macht, ist ihre Fähigkeit, multiple Spannungen auszuhandeln: zwischen Figuration und Abstraktion, zwischen Narrativem und Formalem, zwischen Persönlichem und Universellem. Ihre weiblichen, üppigen Figuren mit überdimensionierten Händen und introspektiven Blicken bieten uns eine alternative Sicht auf die weibliche Körperlichkeit, die gleichzeitig ihre Kraft und Verwundbarkeit feiert. In einer Kunstwelt, die oft von konzeptueller Neuheit besessen ist und dabei das Engagement mit der Materialität vernachlässigt, erinnert uns BanBan an den dauerhaften Wert der Malerei als verkörperte Praxis. Ihre Arbeit lädt uns ein, unsere Beziehung zum Körper, unserem eigenen und dem der anderen, neu zu überdenken und dessen unüberwindbare Komplexität anzunehmen. Damit repräsentiert sie nicht nur die Zukunft der figurativen Malerei; sie erfindet ihre Möglichkeiten für unsere Zeit aktiv neu.

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1. Skarstedt Gallery, “Cristina BanBan: Biografie”, 2023.
2. Apartamento Magazine, “Cristina BanBan”, Interview aus dem März 2021.
3. Skarstedt Gallery, “Cristina BanBan: Biografie”, 2023.
4. Artnet News, “‚Malen ist wie ein Tagebuch führen‘: Aufsteigender Stern Cristina BanBan erkundet ihre Psyche, indem sie eine Welt der Doppelgänger darstellt”, 20. Mai 2022.
5. Juxtapoz Magazine, “Cristina BanBan: Die Nuance der Erinnerung”, Interview geführt von Evan Pricco, 2022.
6. Interview Magazine, “Cristina BanBan wird mit ihrer neuen Londoner Ausstellung ‘roher zum Gefühl'”, Interview von Rennie McDougall, 10. Oktober 2023.
7. Juxtapoz Magazine, “Cristina BanBan: Die Nuance der Erinnerung”, Interview geführt von Evan Pricco, 2022.
8. Apartamento Magazine, “Cristina BanBan”, Interview aus dem März 2021.
9. Ebd.
10. Ebd.
11. Ebd.
12. Ebd.
13. Ebd.
14. Interview Magazine, “Cristina BanBan wird mit ihrer neuen Londoner Ausstellung ‘roher zum Gefühl'”, Interview von Rennie McDougall, 10. Oktober 2023.
15. Ebd.