Hört mir gut zu, ihr Snobs, ich habe eine Malerin, die ich euch vorstellen möchte und die euch aus eurer ästhetischen Trägheit herausreißen wird. Marina Perez Simão ist nicht einfach eine brasilianische Künstlerin, sie ist eine kosmische Navigatorin, die uns durch die unsicheren Grenzen der Wahrnehmung führt. In ihren Gemälden fängt diese außergewöhnliche Frau den eigentlichen Moment ein, in dem der Tag die Nacht umarmt, wo Traum und Wirklichkeit ineinander verschwimmen.
Wenn ich ihre Werke betrachte, fühle ich mich wie Odysseus vor den Sirenen der Abstraktion, verführt von diesen vielfachen Horizonten, die sich in einem schwindelerregenden Farbballett übereinanderlegen. Die Kompositionen von Simão sind nicht nur einfache Landschaftsdarstellungen, sondern mentale Kartographien, bei denen jede Farbschicht einem Bewusstseinszustand entspricht. Die Mehrdeutigkeit herrscht als Meisterin in ihrem malerischen Universum, und genau diese Unbestimmtheit macht ihre Stärke aus.
Die Phänomenologie von Merleau-Ponty lehrt uns, dass Wahrnehmung niemals ein passiver Akt ist, sondern eine aktive Konstruktion, bei der Körper und Geist sich verweben, um der Welt Sinn zu verleihen. “Das Sichtbare und das Unsichtbare” berühren sich ständig in der sinnlichen Erfahrung, und genau das zeigt uns Simão in ihren Kompositionen. Ihre unmöglichen Landschaften sind Schlachtfelder, auf denen sich unsere Wahrheitsgewißheiten auflösen wie der Morgennebel über den Hügeln von Minas Gerais. “Das Auge ist nicht nur empfindlich für das, was sichtbar ist, sondern für das, was es sichtbar macht”, schrieb Merleau-Ponty [1], und die Gemälde von Marina Perez Simão verkörpern diese Dialektik perfekt, bei der der Betrachter aktiv an der Entstehung des Sinns teilhat.
Nehmen wir das Beispiel ihrer Ausstellung “Zwielicht” in der G2 Kunsthalle Leipzig im Jahr 2024. Diese riesigen Gemälde mit ihren fließenden Bewegungen und ihren glühenden Farben stellen nicht so sehr Orte dar als vielmehr Übergänge zwischen verschiedenen Bewusstseinszuständen. Die Künstlerin versetzt uns in ein Dämmerintervall, einen Zwischenraum, in dem die Konturen der Realität sich auflösen und inneren Visionen Platz machen. Es ist kein Zufall, dass “Zwielicht” auf Deutsch “Dämmerung” bedeutet, dieser flüchtige Moment, in dem sich das Licht verändert und unsere Wahrnehmung der Welt transformiert.
Wenn die Phänomenologie uns ein Interpretationsraster bietet, um das Werk von Simão zu verstehen, erlaubt uns die Poesie von Fernando Pessoa, die existenzielle Dimension zu erfassen. Die Heteronymie des portugiesischen Dichters, diese Fähigkeit, sich in vielfältige schöpferische Persönlichkeiten zu fragmentieren, findet ein eindrucksvolles Echo in den hybriden Landschaften der brasilianischen Künstlerin. Ebenso wie Pessoa unter verschiedenen Heteronymen schrieb, um diverse Facetten der menschlichen Erfahrung zu erforschen, vervielfacht Simão die Perspektiven und Horizonte in ihren Kompositionen.
In seinem Gedicht “Autopsychographie” behauptet Pessoa, “der Dichter ist ein Simulant”, der “so vollständig simuliert, dass er letztlich den Schmerz simuliert, den er wirklich empfindet” [2]. Diese Mise en abyme der subjektiven Erfahrung resoniert tief mit Simãos Vorgehen, die uns einlädt, zwischen verschiedenen Realitätsschichten zu navigieren. Ihre Gemälde sind visuelle Simulationen, die paradoxerweise wieder Verbindung zu authentischen Empfindungen herstellen: das Erblinden vor einem Sonnenuntergang, der Schwindel angesichts der Weite einer Landschaft, die Melancholie eines Dämmerlichts.
Bei ihrer Ausstellung “Onda” in der Pace Gallery in London im Jahr 2022 präsentierte Marina Perez Simão eine Reihe von Polyptychen, bei denen sich die organischen Formen von einem Paneel zum anderen fortzusetzen schienen und so eine fragmentierte, aber kohärente visuelle Erzählung schufen. Diese zerklüftete Erzählstruktur erinnert nicht ohne Grund an das “Buch der Unruhe” von Pessoa, dieses epische Werk, das aus Fragmenten besteht, die zusammen das Porträt eines ständig in Bewegung befindlichen Bewusstseins zeichnen. “Ich bin ein Fragment eines Ichs, dessen Ganzheit ich nicht kenne”, hätte Bernardo Soares, Pseudoschriftsteller von Pessoa, beim Betrachten dieser Gemälde schreiben können, in denen Einheit aus Zersplitterung entsteht.
Die Stärke von Marina Perez Simão liegt in ihrer Fähigkeit, die Erfahrung der Landschaft in eine innere Erkundung zu verwandeln. Die sinnlichen Wellenbewegungen ihrer Kompositionen sind keine bloßen Darstellungen von Hügeln oder Wellen, sondern visuelle Metaphern für unsere wechselhaften Gemütszustände. Wie sie in einem Interview verriet: “Ich zerlege die Komposition, um einen Zustandswechsel zu schaffen, ein Versprechen von etwas jenseits des Bildes.” Dieses Versprechen eines Jenseits, eines Überschreitens der Grenzen des Sichtbaren, steht im Mittelpunkt ihrer künstlerischen Herangehensweise.
Die Künstlerin arbeitet nie, wenn sie traurig ist, ein Geständnis, das Beachtung verdient! Im Gegensatz zum romantischen Mythos des gequälten Genies fordert Simão Freude als notwendige Voraussetzung für die Schöpfung. “Ich muss mich wohlfühlen, um im Atelier zu sein”, sagt sie. Diese Ethik des schöpferischen Glücks spiegelt sich in ihren Bildern durch eine besondere Helligkeit, eine chromatische Vibration wider, die uns aus unserer täglichen Melancholie reißt. Ihre abstrakten Landschaften sind Maschinen zur Erzeugung visueller Freude, optische Apparate, die unsere nach Schönheit dürstenden Neuronen stimulieren.
Simãos Ausbildung an der École des Beaux-Arts in Paris hat sicherlich ihre malerische Technik beeinflusst, doch im Dialog mit der brasilianischen Landschaft formte sie ihre einzigartige visuelle Sprache. Die lebendigen Farben ihrer Gemälde, diese glühenden Orangetöne, tiefen Blautöne, dämmernden Violettschattierungen, rufen die eindrucksvollen Kontraste der brasilianischen Natur hervor. “Alles ist zu viel”, sagt sie über ihre Heimat, wo Stürme plötzlich aufkommen und das Licht die Landschaft je nach Tageszeit radikal verändert.
Was in Marina Perez Simãos Werk auffällt, ist die ständige Spannung zwischen Kontrolle und Loslassen. Jedes Bild wird sorgfältig durch eine Reihe von Aquarellen und Skizzen vorbereitet, doch bewahrt die Künstlerin stets einen Anteil an Improvisation in der finalen Ausführung. “Ich mag keine zu große Zögerlichkeit in der Malerei”, betont sie, “ich mag die direkte Geste.” Diese gestische Flüssigkeit verleiht ihren Kompositionen eine fast musikalische Qualität, als wäre jede Farbe eine Note in einer visuellen Symphonie.
An diejenigen, die ihre Arbeit auf eine bloße Variation der abstrakten Landschaftsmalerei reduzieren wollen, antworte ich: Öffnet eure Augen weit! Simãos Kunst übersteigt einfache Kategorien und lädt uns zu einer totalen sinnlichen Erfahrung ein. Ihre Gemälde sind keine Fenster zur Welt, sondern Spiegel unserer Innerlichkeit, Portale zu parallelen Dimensionen, in denen die Gesetze der Physik aufgehoben sind.
Die Kritikerin Hettie Judah hat zu Recht beobachtet, dass sich in Simãos Polyptychen “etwas Interessantes im Raum zwischen den Paneelen” abspielt. Diese Zwischenräume, diese wenigen Zentimeter weiße Wand, die ihre Werke gliedern, werden zu Projektionsflächen für unsere Fantasie. Was geschieht in diesen Brüchen? Ein Zeitabschnitt? Eine Bewegung im Raum? Diese Fragen ohne definitive Antwort sind ein integraler Bestandteil der ästhetischen Erfahrung, die uns die Künstlerin bietet.
Der Ansatz von Simão steht in der Tradition von Künstlerinnen, die die Grenzen zwischen Abstraktion und Figuration ausgelotet haben, von Georgia O’Keeffe über Helen Frankenthaler bis hin zu Tarsila do Amaral. Aber sie bringt in diese Tradition eine zeitgenössische Sensibilität ein, die von den ökologischen Dringlichkeiten unserer Zeit durchdrungen ist. Ihre traumhaften Landschaften können als postapokalyptische Visionen gelesen werden, als alternative Welten, in denen die Natur nach der anthropogenen Katastrophe ihre Rechte zurückerlangt hat.
Glauben Sie nicht, dass Marina Perez Simão eine naive Künstlerin ist, die sich damit begnügt, hübsche Bilder zu produzieren. Ihre Arbeit ist tief in einer Reflexion über die Möglichkeiten und Grenzen der Malerei im digitalen Zeitalter verankert. In einer Welt, die von virtuellen Bildern übersättigt ist, bekräftigen ihre Leinwände die unüberwindbare Präsenz des malerischen Materials, die Bedeutung der Geste und des Körpers im kreativen Akt.
Wenn sie über ihren kreativen Prozess spricht, erwähnt Simão dieses Gefühl der “Unwissenheit”, das sie sucht: “Ich muss mich selbst überraschen. Ich muss dieses Gefühl der Unwissenheit haben: Was ist das? Wo ist das?” Diese Haltung des philosophischen Staunens, dieses ständige Hinterfragen des Sichtbaren, steht im Mittelpunkt ihres Ansatzes. Die Malerin bietet uns keine Antworten, sondern Räume der aktiven Kontemplation, in denen unsere Gewissheiten sich auflösen.
Was ist über ihre Technik zu sagen? Die Farbschichten häufen sich auf der Leinwand wie geologische Schichten und schaffen eine Tiefe, die den Blick einlädt, in die Oberfläche einzutauchen. Die Kontraste in der Materie, zwischen glatten Bereichen und Pastosen, zwischen Transparenz und Opazität, fügen der visuellen Erfahrung eine taktile Dimension hinzu. Man möchte diese Leinwände streicheln, wie man eine geträumte Landschaft berühren würde.
Es gibt etwas zutiefst Befreiendes in der Kunst von Marina Perez Simão. Indem sie die Grenzen zwischen Innen und Außen, zwischen Wirklichkeit und Imagination verwischt, erinnert sie uns daran, dass unsere Wahrnehmung der Welt immer eine subjektive Konstruktion ist, ein kreativer Prozess für sich. Ihre Gemälde sind Einladungen, unsere eigenen inneren Landschaften zu erforschen, uns in den Windungen unseres Bewusstseins zu verlieren.
Das nächste Mal, wenn Sie vor einer Leinwand von Simão stehen, nehmen Sie sich die Zeit, sich völlig hinzugeben. Lassen Sie Ihre Augen zwischen den farbigen Schichten wandern, verlieren Sie sich in den sinnlichen Wellen ihrer Kompositionen, atmen Sie im Rhythmus ihrer chromatischen Kontraste. Kunst ist nicht dazu gemacht, verstanden zu werden, sondern erlebt zu werden, und nur wenige zeitgenössische Künstlerinnen bieten eine so intensive Erfahrung wie Marina Perez Simão.
Seien Sie nicht diese flüchtigen Betrachter, die an den Gemälden vorübergehen, auf der Suche nach sofortiger Befriedigung. Seien Sie vielmehr diese unerschrockenen Reisenden, bereit, sich auf eine Reise ins Unbekannte zu begeben. Denn genau darum geht es bei dem Werk von Simão: eine Einladung zur Reise, nicht in ferne Länder, sondern in die unerforschten Territorien unserer eigenen Sensibilität.
Und wenn Sie zu einer solchen Offenheit nicht fähig sind, wenn Sie lieber an Ihren ästhetischen Gewissheiten festhalten, dann Pech gehabt! Sie werden eine der aufregendsten visuellen Erfahrungen, die die zeitgenössische Kunst zu bieten hat, verpassen. Marina Perez Simão braucht Ihre Zustimmung nicht, ihre Leinwände werden noch lange strahlen, nachdem Ihre vorschnellen Urteile vergessen sind.
- Merleau-Ponty, Maurice. “Das Sichtbare und das Unsichtbare”, Éditions Gallimard, Paris, 1964.
- Pessoa, Fernando. “Autopsychographie” in “Gedichte von Fernando Pessoa”, Christian Bourgois Verlag, Paris, 2001.
