Hört mir gut zu, ihr Snobs: Sarah Crowner zeichnet mit einer Schere und malt mit einer Nähmaschine. Diese aus Brooklyn stammende Künstlerin, geboren in Philadelphia, hält nichts von euren elitären Kategorien und festgelegten Grenzen zwischen Malerei und Skulptur, zwischen Handwerk und bildender Kunst. Seit über fünfzehn Jahren schneidet, fügt sie bemalte Leinwände zusammen und näht sie, um Werke zu schaffen, die unsere physische Beziehung zur Kunst hinterfragen und uns zwingen, neu zu denken, was ein Gemälde sein kann.
Crowner gehört zu jener Künstlergeneration, die das einschüchternde Erbe des triumphalen Modernismus ablehnt, um ihn besser fragmentarisch neu zu erfinden. Ihre genähten Leinwände erinnern sofort an die geometrische Abstraktion der 1950er- bis 1960er-Jahre, jener Zeit, in der Ellsworth Kelly oder Kenneth Noland die klaren Konturen des “Hard-Edge”-Stils und Farbflächen erforschten. Doch wo diese Meister die industrielle Perfektion und das Auslöschen der Hand suchten, beansprucht Crowner das sichtbare Nähen, die handwerkliche Unvollkommenheit, die Spur der Handlung. Jedes bemalte Stoffstück bewahrt seine eigene Identität innerhalb des Ganzen und schafft Kompositionen, in denen die Einheit aus der bewusst angenommenen Vielfalt der Teile entsteht.
Dieser Ansatz hat seine Wurzeln in einem tiefen Verständnis der modernistischen Architektur und ihrer Utopien. Die Künstlerin begnügt sich nicht damit, ihre Werke an die Wand zu hängen: Sie schafft Plattformen aus glasierten Terrakottakacheln, die den Boden um fünfzehn Zentimeter überragen und uns buchstäblich einladen, in den Raum der Kunst einzutreten. Diese Installationen erinnern an die totalisierenden Ambitionen des Bauhauses, wo Walter Gropius von einem Gesamtkunstwerk träumte, einem totalen Kunstwerk, das Architektur, Malerei, Skulptur und Handwerk in einer immersiven Erfahrung vereinen sollte.
Die modernistische Architektur, mit ihrem Glauben an konstruktive Rationalität und dem Willen, die Gesellschaft durch die gebaute Umwelt zu transformieren, durchdringt Crowners gesamtes Schaffen. Wie die Architekten der 1920er-Jahre, die die Struktur ihrer Gebäude offenlegten statt sie zu verstecken, zeigt die Künstlerin die Nähte ihrer Gemälde und offenbart den Entstehungsprozess. Die Kacheln ihrer Plattformen, die handwerklich in der Werkstatt Ceramics Suro in Guadalajara gefertigt werden, tragen die Spuren ihrer Formung und ihres Brandes und lehnen die industrielle Anonymität ab. Diese Spannung zwischen modernistischem Projekt und traditionellem Handwerk durchzieht ihr gesamtes Werk.
Ihre Installationen rufen die utopischen Räume in Erinnerung, die von den Architekten der Moderne imaginiert wurden, jene Orte, an denen Kunst und Alltagsleben verschmelzen sollten. Wenn Crowner die Galerie mit ihren erhöhten Plattformen in eine theatralische Bühne verwandelt, reaktiviert sie diesen architektonischen Anspruch und lenkt ihn gleichzeitig um. Ihre Arbeit für das American Ballet Theatre, insbesondere die Kulissen und Kostüme für “Garden Blue”, choreografiert von Jessica Lang im Jahr 2018, erweitert diese Reflexion über Raum als Rahmen ästhetischer Erfahrung [1].
Architektur ist für Crowner nicht nur ein konzeptueller Bezugspunkt: Sie wird zum Rohmaterial. Ihre großformatigen, über sechs Meter langen Panoramalien, wie “Night Painting with Verticals” von 2020, treten in direkten Dialog mit dem architektonischen Raum der Galerien. Die menschliche Maßstäblichkeit dieser Werke, ihre Fähigkeit, den Blick einzuhüllen, ihr Bezug zum Boden und zur Decke tragen dazu bei, jede Ausstellung zu einer totalen Umgebung zu machen, in der Malerei und Architektur miteinander kommunizieren.
Dieser architektonische Zugang zur Malerei findet ein kraftvolles Echo im Theater, einem zweiten bevorzugten Untersuchungsfeld von Crowner. Das Theater, Kunst des Raums und der Zeit, Kunst der Präsenz von Körpern an einem bestimmten Ort, bietet der Künstlerin ein Labor, um die performativen Dimensionen ihrer Werke zu erforschen. Seit ihren ersten Plattformen von 2011 denkt Crowner ihre Installationen als potenzielle Bühnen, als Aktivierungsräume durch den Zuschauer-Akteur.
Diese theatrale Dimension ist keine bloße Anekdote: Sie strukturiert tiefgreifend ihr Kunstverständnis. Wenn Crowner von ihren Gemälden als “Hintergründe” und ihren Plattformen als “Bühnen” spricht, offenbart sie ein Denken, das passive Kontemplation ablehnt. Ihre Werke fordern nicht nur angesehen zu werden: Sie verlangen danach, bewohnt, durchschritten und körperlich erfahren zu werden. Der Zuschauer wird unwillkürlich zum Performer, sich seines Körpers im Raum, seiner Bewegungen, seiner Präsenz bewusst.
Dieser Ansatz spiegelt die avantgardistischen Theaterforschungen des 20. Jahrhunderts wider, von Gordon Craig bis Robert Wilson, die die Beziehungen zwischen Bühnenraum und Wahrnehmung erforschten. Wie diese Schöpfer versteht Crowner, dass Kunst ein Gerät zur sensorischen Erweckung sein kann, ein Mittel zur Aufdeckung unserer verkörperten Beziehung zur Welt. Ihre Zusammenarbeit mit Choreographen, Musikern und Tänzern setzt diese grundlegende Intuition fort: Kunst existiert nur in der Begegnung zwischen Werk und erlebendem Körper voll.
Das Theater bietet Crowner auch ein alternatives Zeitmodell im Vergleich zur traditionellen musealen Kontemplation. Eine Theateraufführung bestimmt ihre Dauer, ihren Rhythmus und ihren dramatischen Verlauf. Ebenso schaffen die Installationen der Künstlerin Wege, Annäherungs- und Entdeckungssequenzen, die das ästhetische Erleben zeitlich strukturieren. Man betrachtet ein Werk von Crowner nicht einfach: Man besucht es, erkundet es, verweilt darin.
Diese zeitliche Dimension findet ihre wörtlichste Umsetzung in den Performances, die die Künstlerin manchmal in ihren Installationen organisiert. Diese Ereignisse, wie “Post Tree”, das 2016 in Zusammenarbeit mit James Hoff und Carolyn Schoerner entstand, offenbaren das latente dramatische Potential ihrer Räume. Der Tanz aktiviert die geometrischen Formen der Gemälde, die Musik lässt die farbigen Oberflächen vibrieren und verwandelt die Installation in eine Partitur für Körper und Blicke.
Doch vielleicht zeigt sich Crowner am subtilsten in ihrem Verständnis des alltäglichen Theaters. Ihre Plattformen verwandeln das bloße Gehen in eine bewusste Handlung, eine bedeutungsvolle Geste. Auf diese 15 Zentimeter hohen Podeste zu steigen bedeutet, gesehen zu werden, selbst Akteurin des eigenen Besuchs zu werden. Diese minimale Theatralisierung des Alltags offenbart die normalerweise unsichtbaren performativen Dimensionen unseres Kunstverhältnisses.
Die Kunst von Crowner entspringt dieser doppelten architektonischen und theatralen Herkunft. Ihre Werke schaffen spezifische Raumzeiten, in denen das ästhetische Erleben seine physische, soziale und kollektive Dimension wiedererlangt. In einer Zeit, die durch die Virtualisierung menschlicher Beziehungen und die Atomisierung von Erlebnissen geprägt ist, bietet diese Arbeit einen diskreten, aber beharrlichen Widerstand. Sie erinnert uns daran, dass Kunst weiterhin ein Ort der Begegnung sein kann, ein Raum geteilter Präsenz.
Die Nähtechnik, zentral in Crowners Praxis, materialisiert diese Philosophie der Verbindung und des Zusammensetzens. Jedes genähte Tuch ist ein Manifest für Kunst als kollektiven Aufbau, als Addition von Einzigartigkeiten. Im Gegensatz zum romantischen Mythos des einsamen Künstlers beansprucht Crowner eine Kunst, die aus Kooperationen besteht: mit ihren Assistenten, die ihr beim Nähen helfen, mit den mexikanischen Handwerkern, die ihre Fliesen herstellen, mit den Architekten, die die Ausstellungsräume entwerfen, mit den Darstellern, die ihre Installationen aktivieren.
Diese Ästhetik der Zusammenarbeit findet ihren vollendeten Ausdruck in den großen, jüngsten Panorama-Leinwänden. Landschaftswerke im architektonischen Maßstab, sie können nicht auf einen Blick erfasst werden und erfordern einen Rundgang, eine Bewegung des Betrachters, der selbst Teil des Werks wird. Wie bei den besten künstlerischen Kooperationen behält jedes Element seine Autonomie, während es zu einem Ganzen beiträgt, das sie übersteigt.
Die historischen Bezüge, die Crowner heraufbeschwört, von Ellsworth Kelly bis Lygia Clark und den russischen Konstruktivisten, zeugen von einer anspruchsvollen künstlerischen Kultur, die im Dienst einer zeitgenössischen Vision steht. Die Künstlerin kopiert diese Meister nicht: sie zitiert sie, nutzt sie um, aktualisiert sie. Ihre Version von Lygia Clarks “Superficie Modulada”, gefertigt 2009, eröffnet ihre Technik der genähten Malerei und zollt gleichzeitig dieser Pionierin der brasilianischen partizipativen Kunst Tribut.
Dieser zitatreiche Ansatz offenbart ein Verständnis von Kunstgeschichte als Reservoir von Formen, die reaktiviert werden können, statt als eingefrorenes Erbe, das zu verehren ist. Crowner praktiziert ein kreatives Recycling der Avantgarden des 20. Jahrhunderts, das sie durch den Filter ihrer zeitgenössischen Sensibilität und ihrer aktuellen Anliegen passieren lässt. Sie zeigt, dass das modernistische Erbe lebendige künstlerische Forschungen noch nähren kann, vorausgesetzt, es wird neu gedacht und neu erfunden.
Sarah Crowners Werk lehrt uns schließlich, dass die zeitgenössische Kunst ihre transformatorischen Ambitionen zurückgewinnen kann, ohne auf ihre kritische Komplexität zu verzichten. Indem sie Abstraktion und Handwerk, Elitarismus und Zugänglichkeit, Kontemplation und Partizipation versöhnt, zeichnet sie einen originellen Weg in der heutigen Kunstlandschaft. Ihre genähten Gemälde und Flieseninstallationen bieten ein ästhetisches Erlebnis, das zugleich anspruchsvoll und unmittelbar sinnlich, gelehrt und populär ist.
In einer Kunstwelt, die oft in ihren eigenen Codes eingeschlossen ist, erinnert Crowner daran, dass Kunst immer noch eine geteilte Sprache, ein Begegnungsraum verschiedener Sensibilitäten sein kann. Ihre Werke schaffen Situationen, in denen das ästhetische Erlebnis wieder kollektiv, physisch und freudvoll wird. Sie laden uns ein, Kunst zu bewohnen, statt sie zu betrachten, Kunst zu erfahren, statt sie zu entschlüsseln.
Diese grundsätzliche Großzügigkeit, dieser Glaube an die Kräfte der Kunst als transformierende Erfahrung macht Sarah Crowner zu einer singularen und notwendigen Stimme in der zeitgenössischen Kunstlandschaft. Ihre Arbeit erinnert uns daran, dass Kunst, fern davon ein Luxus für Eingeweihte zu sein, wieder das werden kann, was sie nie aufhören durfte zu sein: ein Mittel, unsere Wahrnehmung der Welt zu erweitern und unsere gemeinsame Erfahrung des Daseins zu bereichern.
- Jessica Lang, “Garden Blue”, American Ballet Theatre, Lincoln Center, Oktober 2018, Kostüme und Bühnenbild von Sarah Crowner.
