Hört mir gut zu, ihr Snobs. Elizabeth Peyton (geboren 1965) verkörpert alles, was ich an zeitgenössischer Kunst liebe und hasse, und genau deshalb verdient sie unsere Aufmerksamkeit. Diese amerikanische Künstlerin, mit ihren zugleich kostbaren und lässigen Porträts, bietet uns eine Weltanschauung, die ebenso faszinierend wie ärgerlich, ebenso brillant wie oberflächlich ist.
Beginnen wir mit dem Offensichtlichen: ihrer malerischen Technik. Diese fließenden Pinselstriche, diese glatten Oberflächen wie Glas, erzielt durch aufeinanderfolgende Schichten von Gesso, die sorgfältig bis zu einem fast spiegelglatten Finish geschliffen werden, schaffen eine sofort erkennbare visuelle Signatur. Es ist, als hätte Peyton eine Methode gefunden, mit flüssigem Honig zu malen, die ihren Motiven eine ätherische Aura verleiht, die zwischen Melancholie und Glamour schwankt. Aber täuschen Sie sich nicht: Diese scheinbare technische Einfachheit verbirgt eine anspruchsvolle Beherrschung des Mediums.
Was mich besonders anspricht, ist ihre Art, den Blick in ihren Porträts zu behandeln. Ihre Motive, sei es Kurt Cobain, Frida Kahlo oder ein enger Freund, wenden systematisch den Blick vom Betrachter ab. Diese bewusste Distanzierung verweist auf das heideggersche Konzept des “Zurückziehens” (Entzug), bei dem das Wesen des Seins paradox in seinem Sich-Entziehen offenbart wird. Gerade in diesem Spiel von Abwesenheit und Präsenz brilliert Peyton und verwandelt ihre Porträts in visuelle Meditationen über die flüchtige Natur zeitgenössischer Identität.
Nehmen wir ihre Obsession mit Jugend und Schönheit. Ihre Motive sind eingefroren in einem Zustand ewiger Anmut, wie Schmetterlinge, die in einer Vitrine befestigt sind. Diese Fixierung mag oberflächlich erscheinen, und das ist sie wahrscheinlich teilweise auch, doch offenbart sie auch eine tiefe Angst vor der Vergänglichkeit. Walter Benjamin sprach von der Aura als “dem Erscheinen eines Fernen, so nah das Auch immer sei, was sie hervorruft. Mit der Spur ergreifen wir die Sache; mit der Aura ergreift sie uns“. Peytons Porträts verkörpern diese Spannung perfekt: Sie fangen den genauen Moment ein, in dem die Jugend zu verblassen beginnt, der Ruhm schwindet und die Schönheit sich verflüchtigt.
Ihre Wahl der Motive, Rockstars, Künstler, enge Freunde, bildet ein persönliches Pantheon, das die Vorlieben einer bestimmten kulturellen Elite im New Yorker der 90er Jahre widerspiegelt. Das ist zugleich ihre Stärke und ihre Begrenzung. Peyton schafft das, was Roland Barthes eine zeitgenössische “Mythologie” nannte, indem sie populäre Figuren in zeitlose Ikonen verwandelt. Aber im Gegensatz zu Andy Warhol, der durch mechanische Wiederholung seine Motive ihrer Substanz beraubte, durchdringt Peyton ihre mit einer verstörenden, fast voyeuristischen Intimität.
Peytons Farbpalette, diese tiefen Blautöne, zarten Rosatöne und smaragdgrünen Farbtöne, erzeugt eine Atmosphäre, die an die italienischen Primitiven erinnert, dabei aber konsequent zeitgenössisch bleibt. Es ist, als würde sie unter dem Einfluss eines Instagram-Filters malen, bevor es diesen überhaupt gab. Dieser Umgang mit Farbe erinnert an Goethes Theorien zur Farbwahrnehmung: Jede Nuance wird zu einem Träger reiner Emotion.
Ihre Behandlung des bildnerischen Raums ist ebenso faszinierend. Die oft abstrakten oder kaum skizzierten Hintergründe schaffen eine Spannung zum sorgfältigen Porträtieren der Gesichter. Diese räumliche Dichotomie erinnert an das deleuzianische Konzept des “Plans der Immanenz”, bei dem Figur und Hintergrund in derselben bildnerischen Realität verschmelzen. Peytons Porträts sind weniger Darstellungen als Manifestationen einer bestimmten Art, in der Welt zu sein.
Was mich am meisten beeindruckt, ist ihre Fähigkeit, banale Fotografien in Gemälde zu verwandeln, die ihre Quelle transzendieren. In dem Wissen, dass mechanische Reproduktion die Aura eines Kunstwerks mindern kann, kehrt Peyton diesen Prozess um: Sie nimmt vielfach verbreitete Medienbilder und verleiht ihnen durch ihre malerische Sensibilität eine einzigartige Aura zurück.
Aber sprechen wir ehrlich: Es gibt etwas zutiefst Irritierendes an ihrer Arbeit. Diese endlose Faszination für jugendliche Schönheit, diese Romantisierung der Popkultur, diese Obsession mit einer bestimmten Form kultureller Elitismus, all das könnte leicht in Überfeinerung umschlagen. Und doch ist es genau diese Spannung zwischen Oberflächlichkeit und Tiefe, die ihre Arbeit so relevant für unsere Zeit macht.
Ihre Praxis wirft Fragen zur Natur des zeitgenössischen Porträts auf. Im Zeitalter von Selfies und digitalen Filtern, was bedeutet es, ein Gesicht zu malen? Peyton zeigt uns, dass das Porträt noch immer ein Akt der Offenbarung sein kann, gerade oder vielleicht vor allem, wenn es mit den Codes der Popkultur und der medialen Repräsentation spielt.
Peyton verwandelt Banalität in Transzendenz. Ihre Porträts sind weniger Darstellungen von Personen als Manifestationen eines bestimmten Zeitgeists, der den Geist einer Epoche einfängt, in der Ruhm, Intimität und Identität untrennbar miteinander verwoben sind. Ihr Werk ist zugleich ein Spiegel unserer kollektiven Faszination für Jugend und Schönheit und eine subtile Meditation über die vergängliche Natur dieser Ideale.
Und an alle, die denken, zeitgenössische Kunst müsse notwendigerweise konzeptionell oder politisch engagiert sein, sage ich: Schauen Sie noch einmal hin. In einer von Bildern übersättigten Welt liegt die wahre Radikalität vielleicht in der Fähigkeit, das Vertraute in etwas eigenartig Schönes und Beunruhigendes zu verwandeln. Elizabeth Peyton gelingt dies mit einer verblüffenden Anmut, auch wenn uns das manchmal ärgert. Und genau deshalb verdient sie unsere kritische Aufmerksamkeit.
