Hört mir gut zu, ihr Snobs: Genesis Tramaine malt Heilige, die nichts mit euren chromolithografierten Sakristeibildern zu tun haben. Diese Frau aus Brooklyn, geboren 1983, verwandelt jede Leinwand in einen tragbaren Altar, jeden Pinselstrich in einen Akt des Glaubens. Ihre hingebungsvollen Porträts gleichen nichts, was ihr in euren Museen gesehen habt, und genau deshalb sind sie wichtig.
Tramaines Kunst folgt einem Ansatz, der als spiritueller Neoexpressionismus bezeichnet werden könnte. Ihre schwarzen Gesichter, verzerrt durch Ekstase und Leid, treten aus monochromen Hintergründen hervor, die vor irdischer Energie vibrieren. In Joy Comes In The Morning (2020) überlagert sich ein ovales Gesicht in einem Tanz vielfacher Ausdrücke, während das Wort “amen” dezent in einer Ecke der Leinwand erscheint. Diese Vervielfachung der Gesichtszüge, Augen, Münder und Nasen, erinnert sowohl an mystische Visionen als auch an kubistische Techniken der Realitätsfragmentierung.
Das Erbe der amerikanischen Outsider Art
Es wäre naheliegend, Tramaines Werk mit dem von Jean-Michel Basquiat zu vergleichen, und dieser Vergleich ist kein Zufall. Wie ihr Vorgänger schöpft sie aus der Ästhetik der New Yorker Graffiti der 1980er Jahre, jener Zeit, als die Wände von Brooklyn zu Trägern dringenden und authentischen künstlerischen Ausdrucks wurden [1]. Doch während Basquiat die Codes der Konsumgesellschaft und des systemischen Rassismus befragte, übersteigt Tramaine diese, um eine eigentümlich mystische Dimension zu erreichen.
Outsider Art, wie sie von Jean Dubuffet definiert wurde, ist völlig frei von akademischen Konventionen und strebt einen reinen Ausdruck an, der nicht von etablierten kulturellen Codes korrumpiert ist. Tramaine ordnet sich perfekt in diese Linie ein, trägt aber eine Besonderheit: Ihr “Brut” ist nicht das des freudianischen Unbewussten, sondern das der göttlichen Offenbarung. Ihre Gemälde entstehen aus dem, was sie als empfangene Visionen im Gebet bezeichnet, als “blueprints of my prayers”, die ihre Hand zu unerwarteten Formen führen.
Dieser Ansatz erinnert an die Praxis amerikanischer visionärer Malerinnen wie Sister Gertrude Morgan, die Tramaine als eine ihrer wichtigsten Einflüsse nennt. Auch Morgan malte unter göttlicher Inspiration und schuf Werke von beeindruckender expressiver Kraft. Doch Tramaine führt diese Tradition weiter, indem sie sie mit einem zeitgenössischen plastischen Vokabular bereichert. Ihre großformatigen Gemälde (oft 180 x 180 cm) fordern eine physische Präsenz, die die Erfahrung der Betrachtung in eine echte spirituelle Begegnung verwandelt.
Tramaines Technik kombiniert Acryl, Gouache, Ölpastell und Ölstifte, ergänzt diese aber um unerwartete Elemente: Lawrys Salz, Regenwasser und vor allem “Holy Spirit” und “Yahweh”, die sie explizit in die Liste der Bestandteile ihrer Werke aufnimmt. Dieser Ansatz ist keineswegs nebensächlich, sondern offenbart ein Kunstverständnis als göttliche Zusammenarbeit. Die Künstlerin schafft nicht ex nihilo; sie fungiert als Medium, als Kanal einer Kraft, die sie übersteigt.
Theater und Performance: Malerei als Liturgie
Das Werk von Tramaine kann nur vollständig im Zusammenhang mit den darstellenden Künsten verstanden werden, insbesondere mit der afroamerikanischen Theatertradition. Ihre Figuren, die in ihren Rahmen eingefroren sind, scheinen dennoch von einer inneren Bewegung belebt zu sein, die sowohl religiöse Trancezustände als auch Gospelauftritte evoziert [2].
In Bearer of Good News (2020) nimmt die zentrale Figur fast den gesamten Raum der Leinwand ein, wie ein Schauspieler, der sich seinem Publikum entgegenstellt. Die klaren Züge in Gelb, Schwarz und Blau, aus denen diese Figur besteht, erinnern an expressionistische Masken, aber auch an rituelle Körperbemalungen. Tramaine erklärt, dass dieses Werk die Energie schwarzer junger Mädchen ehrt, die von der Gesellschaft oft unterdrückt wird. Beim Malen gibt sie ihnen eine Stimme zurück und verwandelt ihre Leinwand in eine Bühne, auf der erstickte Stimmen Gehör finden können.
Diese performative Dimension zeigt sich auch im kreativen Prozess selbst. Tramaine malt oft am Boden, kniend, in einer Haltung, die sowohl an Gebet als auch an Tanz erinnert. Sie hört zeitgenössische Gospelmusik, während sie arbeitet, und schreibt den musikalischen Rhythmus buchstäblich in ihre malerischen Bewegungen ein. Dieser Ansatz erinnert an die Praktiken einiger abstrakter Expressionisten wie Jackson Pollock, jedoch mit einer expliziten spirituellen Dimension, die bei diesen fehlte.
Das afroamerikanische Theater, von den Minstrel Shows, die von schwarzen Künstlern umgedeutet wurden, bis hin zu zeitgenössischen Werken, hatte stets die Fähigkeit, die Bühne in einen Raum des Widerstands und der Identitätsbestätigung zu verwandeln. Die Figuren von Tramaine erben diese Tradition: Sie sind keine einfachen Porträts, sondern Verkörperungen schwarzer Heiligkeit, die ihren Platz in einem künstlerischen Pantheon einfordern, das lange von eurozentrischen Darstellungen dominiert wurde.
Die Künstlerin selbst beansprucht diese subversive Dimension, wenn sie erklärt, “den patriarchalen Blick auf religiöse Kunst demontieren zu wollen”. Ihre Heiligen mit verzerrten Gesichtern, vielen Augen und geöffneten Mündern stellen traditionelle ikonographische Konventionen in Frage. In Saint Bathsheba (2020) zeigt die weibliche Figur einen Ausdruck, der gleichzeitig schmerzhaft und ekstatisch ist und sowohl an Bacon als auch an afrikanische rituelle Masken erinnert.
Eine queere und inklusive Spiritualität
Tramaines Stellung als schwarze und queere Frau in der südlichen Baptistenkirche verleiht ihrem Werk eine unverkennbare politische Dimension. Ihre Ausstellung von 2018 mit dem Titel “God Is Trans” ließ keine Zweifel an ihren Absichten: die christliche Ikonographie neu zu erfinden, um marginalisierte Körper und Identitäten einzubeziehen.
Dieser Ansatz ist Teil einer breiteren Bewegung der Aneignung religiöser Symbole durch LGBTQ+-Gemeinschaften. Aber Tramaine geht über bloße Identitätsansprüche hinaus. Ihre Heiligen überschreiten Kategorien von Geschlecht und Rasse, um eine universelle Menschlichkeit zu erreichen. In Fighting Demons (2020) kann die erhobene Hand als Zeichen des Segens sowohl als Schutzgeste als auch als Widerstandsgeste verstanden werden.
Die Künstlerin bekennt sich offen zu ihrem christlichen Glauben, was eine ungewöhnliche Position in der zeitgenössischen Kunstwelt darstellt, die gegenüber expliziten religiösen Ausdrucksformen meist misstrauisch ist. Aber dieser Glaube ist weder naiv noch dogmatisch. Er speist sich aus einer kritischen und persönlichen Lektüre der Schrift, bereichert durch die gelebte Erfahrung einer Frau, die dafür kämpfen musste, ihren Platz in der Kirche anzuerkennen.
Eine neue Ikonographie für das 21. Jahrhundert
Tramaines bedeutendster Beitrag liegt wohl in ihrer Fähigkeit, eine authentisch zeitgenössische christliche Ikonographie zu schaffen. Ihre Heiligen kopieren nicht die Modelle der Vergangenheit; sie erfinden neue Formen der Heiligkeit, die unserer Zeit angemessen sind.
In David and Goliath (2020) verwandelt sich die traditionelle biblische Szene in eine Meditation über Gewalt und Erlösung. Die Geste Davids, der den Kopf Goliaths hochhält, kann auch als ausgestreckte Hand zum besiegten Feind gelesen werden, was andeutet, dass der wahre Sieg in Mitgefühl statt in Zerstörung liegt.
Diese Neuinterpretation biblischer Erzählungen offenbart ein ausgeklügeltes Verständnis zeitgenössischer theologischer Fragestellungen. Tramaine beschränkt sich nicht darauf, die Schriften zu illustrieren; sie aktualisiert sie und macht sie für eine Generation sprachfähig, die in einer fragmentierten Welt nach Sinn sucht.
Ihre Farben, erdige Ocker, tiefes Blau und strahlendes Gelb, erinnern sowohl an die Landschaften des antiken Nahen Ostens als auch an die Sonnenuntergänge von Brooklyn. Diese geographisch-zeitliche Synthese macht ihre Gemälde zu Begegnungsorten zwischen Vergangenheit und Gegenwart, zwischen Tradition und Innovation.
Kunst als Dienst
Tramaine definiert sich selbst als “devotional painter” (Andachtsmalerin), ein Begriff, der Beachtung verdient. In der christlichen Tradition bezeichnet Andacht eine regelmäßige geistliche Praxis, eine Glaubensübung, die das ganze Wesen einbezieht. Indem die Künstlerin diesen Begriff für sich beansprucht, ordnet sie ihre malerische Praxis einer Logik des göttlichen Dienstes zu.
Diese Auffassung von Kunst als Dienst verändert den Status des Werkes radikal. Ihre Gemälde sind nicht mehr bloße Objekte ästhetischer Betrachtung, sondern Instrumente spiritueller Transformation. Sie laden den Betrachter zu einer Erfahrung ein, die über das reine visuelle Vergnügen hinausgeht und grundlegende existentielle Fragen berührt.
In Singer of Psalm (2020) erinnern die vielfachen offenen Münder der Figur an einen Chor für sich, der das individuelle Porträt in eine kollektive Feier verwandelt. Diese Multiplikation der Gesichtselemente, die in Tramaines Werk wiederkehrend ist, kann als Metapher für die kirchliche Gemeinschaft gelesen werden: Wir sind alle eins in Christus, bewahren aber jeweils unsere Einzigartigkeit.
Die Inschrift von Texten auf den Seiten ihrer Bilder, Psalmen, geistliche Affirmationen und persönliche Botschaften, verstärkt diese liturgische Dimension. Diese Worte sind von vorne unsichtbar und offenbaren sich erst dem Betrachter, der sich die Zeit nimmt, um das Werk zu umrunden, wodurch eine Form von malerischer Wallfahrt entsteht.
Eine neuartige malerische Sprache
Beeindruckend an der jüngsten Entwicklung in Tramaines Werk ist ihre Fähigkeit, eine eigene malerische Sprache zu erfinden und zugleich aus verschiedenen Traditionen zu schöpfen. Ihre aktuellen Gemälde, die in der Ausstellung “Sweet Jesus!” (2024) gezeigt werden, markieren eine bedeutende Entwicklung: Die Münder ihrer Figuren öffnen sich und enthüllen Reihen mehrfacher Zähne, die sowohl an Lachen als auch an Schreien erinnern.
Diese formale Transformation spiegelt eine spirituelle Reifung wider. Wo ihre ersten Heiligen noch das Gewicht der Welt auf den Schultern zu tragen schienen, wirken die Neuen bereit, das Wort zu ergreifen und ihren Glauben mit ansteckender Freude zu bezeugen. In Saint Sarai (2024) deuten die ausdrucksstarken Züge auf eine Frau hin, die wichtige Dinge zu sagen hat und die Weisheit der Zeitalter in sich trägt.
Diese stilistische Entwicklung geht einher mit einer vertieften Reflexion über die Rolle der Kunst in der zeitgenössischen Gesellschaft. Tramaine malt nicht nur für sich selbst oder ihre Glaubensgemeinschaft; sie sucht danach, eine “Sprache der Zukunft” zu schaffen, die kommende Generationen erreichen kann. Ihre Gemälde werden so zu Zeugnissen für die Zukunft, zu Hoffnungsbotschaften, die in eine sinnsuchende Welt gesandt werden.
Hin zu einer Ästhetik der Gnade
Das Werk von Genesis Tramaine konfrontiert uns mit einer verstörenden Tatsache: Die zeitgenössische Kunst hat die spirituelle Dimension weitgehend zugunsten eines oft sterilen Intellektualismus verdrängt. Indem sie ihren Glauben ohne Komplexe bekennt und ihre künstlerische Praxis zu einem Akt der Hingabe macht, öffnet sie unerforschte Wege und gibt der Kunst ihre ursprüngliche Funktion zurück: die menschliche Seele in ihrem tiefsten Inneren zu berühren.
Ihre deformierten Heiligen, ihre leuchtenden Farben und ihre Energie überströmenden Kompositionen erinnern uns daran, dass Kunst immer noch transformieren, erheben, trösten kann. In einer von Bildern überfluteten Welt schaffen ihre Gemälde einen Raum der Stille und Sammlung, der in unserer Zeit schmerzlich fehlt.
Tramaine revolutioniert die zeitgenössische Kunst nicht; sie regeneriert sie, indem sie ihr eine authentische spirituelle Dimension einhaucht. Ihre Leinwände sind so viele Einladungen, aus unseren ästhetischen Gewissheiten auszubrechen, um uns von der Gnade überraschen zu lassen. Und vielleicht ist das das schönste Geschenk, das eine Künstlerin uns machen kann: uns daran zu erinnern, dass Kunst jenseits aller kritischen Diskurse vor allem eine Frage des Glaubens bleibt.
- Cooper, Martha. Subway Art. Thames & Hudson, 1984.
- Johnson, James Weldon. God’s Trombones: Seven Negro Sermons in Verse. Viking Press, 1927.
