Hört mir gut zu, ihr Snobs. Ihr denkt, ihr wisst alles über zeitgenössische Kunst, mit euren anmaßenden Diskussionen über die poststrukturalistische Dekonstruktion? Doch kennt ihr wirklich Grayson Perry, diesen Ritter des Order of the British Empire, der in Rüschenkleidern herumläuft und Werke schafft, die euch dieses selbstgefällige Lächeln aus dem Gesicht reißen?
Perry ist nicht einfach ein Künstler, sondern ein kulturelles Phänomen, ein ästhetisches Erdbeben, das das britische Kunstestablishment bis in seine viktorianischen Fundamente erschüttert hat. Geboren 1960 in Essex, einer Region, die die Londoner Intelligenzija kaum verhohlen mit Verachtung betrachtet, hat er das Undenkbare geschafft: den renommierten Turner Prize im Jahr 2003 zu gewinnen und die Keramik in das Heiligtum der zeitgenössischen Kunst zu bringen.
Was Perry auszeichnet, ist seine fast übernatürliche Fähigkeit, scharfe Gesellschaftskritik in das Gewebe seiner Werke einzuflechten. Seine Vasen mit klassischen Formen, dekoriert mit provokanten Bildern und respektlosen Texten, repräsentieren einen frontal Zusammenstoß von technischer Raffinesse und einer kompromisslosen Sicht auf die zeitgenössische britische Gesellschaft. Genau diese Spannung macht seine Arbeit so kraftvoll.
Nehmen wir zum Beispiel seine Gobelinserie “The Vanity of Small Differences” (2012). Inspiriert von William Hogarths “The Rake’s Progress” bietet Perry uns eine scharfsinnige Erkundung der sozialen Mobilität in Großbritannien. Durch diese sechs monumentalen Gobelins verfolgt er den Aufstieg und Fall von Tim Rakewell, einer fiktiven Figur, die zwischen den sozialen Klassen auf tragisch unbeholfene Weise navigiert. Jeder Gobelin ist ein Mikrokosmos, der mit aufschlussreichen Details gesättigt ist: Markenzeichen, Haushaltsgegenstände, Kleidung, all diese sozialen Marker, die die Zugehörigkeit zu einer Klasse in Großbritannien so unbarmherzig definieren.
Dieses Werk erinnert uns an die Position von Pierre Bourdieu zur sozialen Distinktion. Der französische Soziologe zeigte, dass unsere ästhetischen Vorlieben nicht nur persönliche Präferenzen sind, sondern Werkzeuge für soziale Positionierung [1]. In “Über die feinen Unterschiede” (1979) erläutert Bourdieu, wie unsere kulturellen Entscheidungen dazu dienen, bestehende soziale Hierarchien zu festigen. Perry illustriert diese Theorie brillant, indem er zeigt, wie das kulturelle Kapital von Tim Rakewell sich entwickelt, während er die soziale Leiter erklimmt, von Einkäufen im Discount-Supermarkt bis zu Gourmet-Dinners.
“‚Der Geschmack macht Klasse, und Klasse macht den, der klassifiziert‘, schrieb Bourdieu, und Perry zeigt uns genau, wie dieser Mechanismus in der zeitgenössischen britischen Gesellschaft funktioniert. Die Wandteppiche enthüllen, wie unsere Vorlieben in Bezug auf Essen, Möbel, Kunst und sogar Körpersprache Indikatoren unserer sozialen Position sind. Wie Perry selbst erklärte: “Ich interessiere mich dafür, wie wir unseren Status durch das, was wir besitzen und konsumieren, signalisieren” [2].
Diese soziologische Reflexion beschränkt sich nicht nur auf seine Wandteppiche. In “The Tomb of the Unknown Craftsman” (2011), einer im British Museum präsentierten Installation, schuf Perry eine kraftvolle Hommage an die anonymen Handwerker, deren Arbeit unsere Museen füllt, deren Namen aber von der Geschichte ausgelöscht wurden. Dieses Werk ist eine tiefgründige Meditation über den Wert, den wir Kunst und Handwerk beimessen, und darüber, wie diese Werte von Machtstrukturen geprägt werden.
Apropos Machtstrukturen, wie könnte man Perrys Cross-Dressing unerwähnt lassen? Sein Alter Ego Claire ist nicht einfach eine Exzentrizität, sondern ein provokanter Kommentar zu den sozialen Konstruktionen von Geschlecht. Indem er sich als Claire präsentiert, die er als “eine reformistische Matriarchin des 19. Jahrhunderts, eine Protestlerin aus dem Mittelengland für No More Art, eine Herstellerin von Flugmodellen oder eine Freiheitskämpferin aus Osteuropa” beschreibt, stellt Perry unsere Erwartungen darüber infrage, was ein männlicher Künstler “sein sollte”.
Dieses Spiel mit Geschlechtsidentitäten erinnert an Judith Butlers Theorien zur Performativität des Geschlechts. In “Gender Trouble” (1990) argumentiert Butler, dass Geschlecht keine angeborene Essenz ist, sondern eine soziale Aufführung, die wir ständig wiederholen [3]. Perry verkörpert diese Theorie buchstäblich und zeigt, wie Geschlecht konstruiert, dekonstruiert und rekonstruiert werden kann. Als Claire offenbart er die willkürliche Natur von Geschlechternormen und feiert dabei das Vergnügen der Grenzüberschreitung.
Aber lassen Sie sich nicht täuschen: Perry ist nicht nur ein Provokateur, der schockieren will. Seine Arbeit basiert auf einem tiefen Verständnis der Kunstgeschichte und einer beeindruckenden technischen Beherrschung. Seine Keramiken beziehen sich auf verschiedene Traditionen, von griechischer Töpferei bis hin zur Volkskunst, und sind gleichzeitig entschieden zeitgenössisch. Das Aufbausverfahren mit der Wulsttechnik, das er für seine Vasen verwendet, ist jahrtausendealt, doch die Bilder und Texte, die sie schmücken, sind eindeutig des 21. Jahrhunderts.
Diese Verschmelzung von Traditionellem und Zeitgenössischem zeigt sich besonders deutlich in “The Walthamstow Tapestry” (2009), einem monumentalen Werk von 15 Metern Länge. Inspiriert von dem Teppich von Bayeux und den “Sieben Lebensaltern des Menschen”, zeichnet es einen Weg von der Geburt bis zum Tod anhand von Konsummarken nach. Das Design bezieht sich auf William Morris (geboren in Walthamstow), die Ausführung ist jedoch entschieden modern, digital erstellt und dann auf einem computergesteuerten Webstuhl gewebt.
Der Wandteppich erinnert an die Meditationen von Guy Debord über die Gesellschaft des Spektakels. In seinem gleichnamigen Werk von 1967 kritisiert Debord, wie der Konsum die authentischen sozialen Beziehungen ersetzt hat [4]. Perry aktualisiert diese Kritik, indem er zeigt, wie unser Leben von Logos und Marken durchzogen ist, von Babywindeln bis zu Bestattungsdiensten. Es ist eine ernüchternde, aber tiefgründige Sicht auf das moderne Leben, in dem selbst unsere intimsten Momente durch den Handel vermittelt werden.
Was Perry so einzigartig macht, ist seine Fähigkeit, diese tiefgründigen Fragen mit Humor und Zugänglichkeit anzugehen. Im Gegensatz zu so vielen zeitgenössischen Künstlern, die scheinbar gewillt sind, das nicht fachkundige Publikum auszuschließen, sucht Perry aktiv den Kontakt zu einem breiten Publikum. Seine Fernseh-Dokumentationen, wie “All In The Best Possible Taste” (2012) oder “Grayson Perrys großer amerikanischer Roadtrip” (2020), sind intelligente, aber zugängliche Erkundungen komplexer Themen wie soziale Klasse, Geschlecht und nationale Identität.
Perry verkörpert das, was der Kunsttheoretiker Arthur Danto “das Ende der Kunst” nannte, nicht das Ende der künstlerischen Produktion, sondern das Ende der großen Erzählungen, die definierten, was Kunst “sein sollte” [5]. In einer posthistorischen Welt, in der kein Stil oder Medium bevorzugt wird, ist Perry frei, aus allen Traditionen zu schöpfen, Hoch- und Populärkultur zu vermischen und die Grenzen zwischen Kunst und Handwerk zu verwischen.
Diese Freiheit wird besonders deutlich in “A House for Essex” (2015), einer Zusammenarbeit mit dem Architekturbüro FAT. Dieses Haus, gestaltet als Tempel zu Ehren von Julie Cope, einer fiktiven Frau aus Essex, ist eine gewagte Mischung von Einflüssen, von byzantinischen Kapellen bis hin zu viktorianischen Architekturfantasien. Es ist gleichzeitig ein Kunstwerk, ein funktionales Ferienhaus und ein Kommentar zu den Bestrebungen und Tragödien des gewöhnlichen Lebens.
Das Haus ist verziert mit grünen und weißen Keramikfliesen, leuchtend roten Holzarbeiten und einem vergoldeten Dach, eine Explosion von Farben, die die Konventionen des guten architektonischen Geschmacks herausfordert. Im Inneren erzählen Wandteppiche die Geschichte von Julie, “geboren auf der Insel Canvey, die 1953 von einer Überschwemmung heimgesucht wurde und letztes Jahr von einem Curry-Lieferanten in Colchester überfahren wurde”. Es ist grotesk, berührend und zutiefst menschlich, wie alle besten Werke von Perry.
Was all diese unterschiedlichen Projekte verbindet, ist Perrys Interesse an persönlichen und kollektiven Erzählungen. Wie Roland Barthes (den Perry bewusst vermeidet zu zitieren, vielleicht weil er in Künstlerkreisen zu modisch ist) versteht er, dass wir durch kulturelle Mythologien leben [6]. Aber im Gegensatz zu vielen Konzeptkünstlern, die diese Mythologien mit klinischer Distanz behandeln, nähert sich Perry ihnen mit beißender Empathie.
Nehmen wir seine Verwendung von Alan Measles, seinem Kindheitsteddy. In Werken wie “Tomb of the Unknown Craftsman” erscheint Measles als göttliche Figur, ein persönlicher Gott, den Perry geschaffen hat, um sich in einer chaotischen Welt zurechtzufinden. Es ist sowohl berührend als auch urkomisch, ein Eingeständnis, dass wir alle unsere eigenen Mythologien erschaffen, um unser Leben zu verstehen.
Diese Aufmerksamkeit für persönliche Geschichten wird deutlich in “Portrait of the Artist as a Young Girl” (2007), Perrys Autobiographie, die in Zusammenarbeit mit Wendy Jones geschrieben wurde. Der Titel bezieht sich auf den Roman von James Joyce, aber der Inhalt ist schlicht und erzählt Perrys schwere Kindheit und ihre Entwicklung als Künstlerin und Travestie. Es ist eine Geschichte des Überlebens und der Transformation, die weit über die Kunstwelt hinaus Resonanz findet.
Perrys Kunst ist tief in seinen persönlichen Erfahrungen verwurzelt, doch sie übersteigt die Autobiographie, um universelle Anliegen anzusprechen. Seine Keramiken sind bedeckt mit Verweisen auf seine traumatische Kindheit, seine sexuellen Fantasien und seine gesellschaftlichen Beobachtungen, aber sie sprechen auch über die menschliche Verfassung im weiteren Sinne. Wie er selbst sagte: “Ich will Kunst für Menschen machen, die nicht in Kunstgalerien gehen.”
Dieser Wille zur Zugänglichkeit bedeutet nicht, dass seine Arbeit simpel ist. Im Gegenteil, sie ist dicht geschichtet, voller historischer, literarischer und populärer Bezüge. In “The Vanity of Small Differences” zum Beispiel echot jeder Wandteppich ein religiöses Meisterwerk: “Die Anbetung der Kämpfer im Käfig” erinnert an die Anbetung der Weisen, während “#Lamentation” auf die unzähligen Klagen über Christus in der westlichen Kunst verweist.
Diese Bezüge sind keine bloßen intellektuellen Anspielungen, sondern Mittel, das Gewöhnliche zum Sakralen zu erheben. Perry zeigt uns, dass die Rituale des zeitgenössischen Lebens, Fußballspiele, Familienessen, Einkaufstouren, unsere modernen Gegenstücke zu den religiösen Szenen sind, die jahrhundertelang die westliche Kunst dominierten. In diesen alltäglichen Momenten liegt Würde, auch wenn sie oft vom Konsumismus und Klassenurteilen durchdrungen sind.
Diese Fähigkeit, Schönheit und Bedeutung im Alltäglichen zu finden, erinnert an die Arbeiten von Michel de Certeau zu den Alltagspraktiken. In “Die Erfindung des Alltags” (1980) erforscht Certeau, wie gewöhnliche Menschen durch ihre täglichen Aktivitäten Sinn schaffen und oft die von den kulturellen Eliten auferlegten Strukturen umgehen[7]. Perry macht etwas Ähnliches, indem er das Leben und die Vorlieben gewöhnlicher Menschen zur Kunst erhebt.
Doch idealisiert Perry die Populärkultur nicht. Er ist ebenso kritisch gegenüber den Vorurteilen und Blindheiten der Arbeiterklasse wie gegenüber der Anspruchshaltung des Mittelstands oder der Arroganz der Elite. Seine Arbeit legt die Widersprüche und Heucheleien aller Gesellschaftsschichten in Großbritannien offen, einschließlich der Kunstwelt, der er jetzt angehört.
Diese ambivalente Position, sowohl Insider als auch Outsider zu sein, verschafft Perry eine einzigartige Perspektive. Er ist jetzt Sir Grayson, Mitglied des Establishments, behält aber einen kritischen Blick auf die Privilegien und Selbstverständlichkeiten dieses Establishments. Wie er treffend sagte: “Ich bin schon lange Mitglied des Establishments, und vielleicht werden diejenigen, die sich gerne als kontrovers sehen, feststellen, dass sie nun auch Mitglieder des Establishments sind.”
Diese Ambivalenz liegt im Zentrum von Perrys Anziehungskraft. In einer Kunstwelt, die oft zwischen undurchdringlichem Elitismus und simplistischem Populismus gespalten ist, findet er ein seltenes Gleichgewicht. Seine Arbeit ist intellektuell anregend, aber emotional zugänglich, technisch versiert, aber visuell unmittelbar, politisch engagiert, aber niemals didaktisch.
Was Grayson Perry zu einem so wichtigen Künstler macht, ist, dass er uns die Welt mit neuen Augen sehen lässt. Ob es um unsere Klassenurteile, Geschlechterängste oder Konsumrituale geht, Perry zeigt uns die unsichtbaren Strukturen, die unser Leben prägen. Und er tut dies mit einer unwiderstehlichen Mischung aus Humor, Empathie und technischer Expertise.
Also, das nächste Mal, wenn Sie im britischen Fernsehen eine männliche Figur im Rüschenkleid sehen, schalten Sie nicht weg. Denn unter den Perücken und Rüschen verbirgt sich einer der scharfsinnigsten und unterhaltsamsten Sozialkommentatoren unserer Zeit. Ein Künstler, der Keramik in soziale Satire verwandelt, Wandteppiche zu Klassenkommentaren macht und sein eigenes Leben zu einer Meditation über Identität und Authentizität. Ein wahres Original in einer Welt voller Nachahmer.
- Bourdieu, Pierre. “Die feinen Unterschiede: Kritik der gesellschaftlichen Urteilskraft.” Les Éditions de Minuit, 1979.
- Perry, Grayson. Interview in “The Guardian”, 9. November 2021.
- Butler, Judith. “Geschlechterstörung: Feminismus und die Subversion der Identität.” Routledge, 1990.
- Debord, Guy. “Die Gesellschaft des Spektakels.” Buchet/Chastel, 1967.
- Danto, Arthur. “Nach dem Ende der Kunst.” Seuil, 1996.
- Barthes, Roland. “Mythologien.” Seuil, 1957.
- de Certeau, Michel. “Die Erfindung des Alltags, 1.: Künste des Handelns.” Gallimard, 1980.
