Grotjahn: Die primitive Gewalt der Abstraktion

Hört mir gut zu, ihr Snobs, die Geschichte von Mark Grotjahn (geboren 1968) ist die eines Künstlers, der uns dazu zwingt, unsere Beziehung zu Abstraktion und Materialität der Malerei neu zu überdenken. Aber Vorsicht, täuscht euch nicht, er ist nicht einer jener Pseude-Intellektuellen, die ihre Zeit damit verbringen, Kunst in den goldenen Salons des 16. Arrondissements zu theoretisieren. Nein, Grotjahn ist ein wildes Tier der Malerei, ein Raubtier, das seine Beute mit chirurgischer Präzision jagt, bewaffnet mit seinen Malmessern und Ölfarbkrapfen.

Ich werde euch von zwei grundlegenden Aspekten seines Werks erzählen, die seinen einzigartigen Ansatz perfekt veranschaulichen: seiner Serie “Butterflies” und seinen “Face Paintings”. Und glaubt mir, wenn ihr denkt, dass geometrische Abstraktion ein veraltetes Konzept ist, müsst ihr eure voreiligen Urteile zurücknehmen.

Beginnen wir mit seinen “Butterflies”, diesen hypnotischen Gemälden, die Ende der 90er Jahre entstanden sind. Lasst euch nicht von diesem irreführenden Titel täuschen, diese Werke haben nichts mit den dekorativen Schmetterlingen zu tun, die die Wände touristischer Galerien schmücken. Nein, Grotjahn greift hier auf die Perspektivtechniken der Renaissance zurück, um sie in tausend Stücke zu sprengen. Er schafft strahlende Kompositionen, die vor Energie zu pulsieren scheinen, als hätten Piero della Francesca und Barnett Newman ein uneheliches Kind, das von Frank Stella aufgezogen wurde. Jede Linie wird mit obsessiver Präzision gezogen und schafft multiple Fluchtpunkte, die unsere Wahrnehmung destabilisieren. Es ist, als würde der Künstler uns sagen: “Ihr wollt Perspektive? Ich werde euch eine Überdosis davon geben.”

Dieser Ansatz erinnert an das, was Maurice Merleau-Ponty in “Das Auge und der Geist” über unsere Wahrnehmung der sichtbaren Welt schrieb. Grotjahn begnügt sich nicht damit, den Raum darzustellen, er dekonstruiert ihn, um uns dazu zu zwingen, unsere eigene Beziehung zur Realität zu hinterfragen. Und während sich einige Sammler vor bunten NFTs begeistern, erforscht er mit fast wissenschaftlicher Strenge die Grundlagen unserer visuellen Wahrnehmung.

Aber in seinen “Face Paintings” erreicht Grotjahn eine noch faszinierendere Dimension. Nachdem er sich 2008 (bei einem Skiunfall, nicht bei einer Schlägerei in einer angesagten Bar in Los Angeles) an der Schulter verletzt hatte, musste er seine Art zu malen neu erfinden. Das Ergebnis? Abstrakte Gesichter von beeindruckender Brutalität, mit dem Malmesser auf Karton auf Leinwand aufgetragen. Diese Werke sind wie primitive Masken, die durch einen postmodernen Schredder gegangen sind. Augen, Nase und Mund tauchen aus dicken Farbschichten wie Fossilien im Gestein hervor.

Diese Serie erinnert an die Überlegungen von Georges Bataille zum Formlosen und zur Überschreitung von Grenzen. Jede Leinwand ist ein Schlachtfeld, auf dem Figuration und Abstraktion in einem makabren Tanz aufeinandertreffen. Die malerische Oberfläche wird zu einem Experimentierfeld, auf dem die Materie selbst lebendig und pulsierend zu sein scheint. Das ist weit entfernt von den zarten Stillleben, auf die einige Pariser Sammler stolz sind, ihr wisst schon, jene, die immer noch Picasso und Picabia verwechseln.

Grotjahn arbeitet wie ein Boxer und reiht kontrollierte Schläge mit dem Malmesser aneinander. Seine Gesten sind sowohl brutal als auch präzise und schaffen Materialansammlungen, die der Schwerkraft trotzen. Die Farbpalette von Grotjahn ist ebenso provokativ. Er verwendet Farben, die wie aus einem psychedelischen Albtraum wirken: säuregrüne, blutrote und giftgelbe Töne. Diese Entscheidungen sind nicht willkürlich, sie tragen dazu bei, eine visuelle Spannung zu erzeugen, die den Betrachter in ständiger Alarmbereitschaft hält. Es ist, als hätte Francis Bacon beschlossen, ein Remake von “2001: Odyssee im Weltraum” in Zusammenarbeit mit Helen Frankenthaler zu machen.

Seine Werkstatt in Little Armenia in Los Angeles ist zu einer Art Labor geworden, in dem er seine Experimente immer weiter vorantreibt. Abseits jeglicher Konzepte oder Diskurse bleibt Grotjahn seiner physischen, fast gewaltsamen Annäherung an die Malerei treu. Er theorisiert nicht, er handelt. Er konzeptualisiert nicht, er greift die Leinwand an.

Dieser Ansatz spiegelt die Theorien von Theodor Adorno über die Negativität in der modernen Kunst wider. Grotjahn lehnt bewusst die vorherrschenden ästhetischen Konventionen ab, um etwas radikal Neues zu schaffen. Seine Werke zielen nicht darauf ab zu gefallen, sie wollen eine viszerale Reaktion beim Betrachter hervorrufen.

Der Kunstmarkt hat natürlich begeistert reagiert, wie er es immer bei offensichtlichen Rebellionen tut. Seine Werke erzielen bei Auktionen stratosphärische Preise, mit einem Höchstpreis von 16,8 Millionen Euro im Jahr 2017 für “Untitled (S III Released to France Face 43.14)”. Aber täuschen Sie sich nicht, Grotjahn ist kein oberflächlicher Rebell. Er ist tief in einer malerischen Tradition verwurzelt, die er bis an ihre Grenzen treibt.

Diese Dualität zwischen Tradition und Innovation zeigt sich besonders deutlich in seiner Art, die malerische Oberfläche zu behandeln. Die Farbschichten häufen sich wie geologische Schichten und schaffen eine komplexe Topographie, die an die zerklüfteten Reliefs der Rocky Mountains erinnert. Man könnte darin eine Metapher für die Geschichte der Malerei selbst sehen, wobei jede Schicht einen neuen Versuch darstellt, die Grenzen des Mediums zu verschieben.

Wenn einige Kritiker in seiner Arbeit nur eine einfache Fortsetzung des späten Modernismus sehen, verpassen sie das Wesentliche. Grotjahn recycelt nicht einfach die Formen der Vergangenheit, sondern verdaut und verwandelt sie in etwas Radikal Neues. Das ist es, was Roland Barthes “der Nullpunkt des Schreibens” nannte, hier angewandt auf die Malerei: ein Versuch, eine visuelle Sprache zu schaffen, die sich den Konventionen entzieht, sie aber dennoch anerkennt.

Sein kreativer Prozess ist ebenso faszinierend wie das Endresultat. Er arbeitet obsessiv und verbringt Stunden damit, die Farbe aufzutragen und wieder abzukratzen, um Oberflächen zu schaffen, die fast ein Eigenleben zu haben scheinen. Dieser Ansatz erinnert an das, was Gilles Deleuze über Francis Bacon schrieb, die Vorstellung, dass die Malerei die unsichtbaren Kräfte festhalten muss, die durch den Körper gehen.

Die “Face Paintings” insbesondere offenbaren eine ständige Spannung zwischen Ordnung und Chaos. Die Gesichter tauchen aus den Farbschichten wie Gespenster auf, zugleich präsent und abwesend. Es ist, als versuche Grotjahn, genau den Moment einzufangen, in dem die Figur aus der Abstraktion hervorgeht, oder vielleicht das Gegenteil, den Moment, in dem sie darin aufgeht.

Diese bewusste Mehrdeutigkeit steht im Zentrum seiner Praxis. Während viele zeitgenössische Künstler eine klare Botschaft durchsetzen wollen, zieht Grotjahn es vor, Unsicherheit zu kultivieren. Seine Werke widerstehen einer einfachen Interpretation und zwingen den Betrachter, sich aktiv am Prozess der Bedeutungsfindung zu beteiligen.

An dieser Herangehensweise ist etwas zutiefst Amerikanisches, eine Art malerischer Pragmatismus, der an die Schriften von William James über unmittelbare Erfahrung erinnert. Grotjahn verliert sich nicht in abstrakten Theorien, sondern erforscht direkt die physischen Möglichkeiten seines Mediums.

Doch hinter dieser scheinbaren Spontaneität verbirgt sich eine tiefgründige Reflexion über die Natur der Malerei selbst. Jede Geste, jede Farbwahl ist das Ergebnis jahrelanger Experimente und Forschung. Das ist das, was Michel Foucault eine “Archäologie des malerischen Wissens” genannt hätte.

Die Arbeit von Mark Grotjahn erinnert uns daran, dass Malerei nicht tot ist, entgegen dem, was einige uns glauben machen wollen. Sie ist lebendig, pulsierend, ja sogar gefährlich. Grotjahn führt eine Praxis weiter, die sowohl zutiefst ernsthaft als auch radikal experimentell ist.

Er malt nicht einfach nur Bilder, er definiert neu, was Malerei im 21. Jahrhundert sein kann. Und während einige weiterhin über die Relevanz der abstrakten Malerei in unserer digitalen Welt debattieren, drängt Grotjahn still und ruhig die Grenzen dessen, was mit Farbe auf einer ebenen Fläche möglich ist, weiter.

Seine Arbeit erinnert uns daran, dass Kunst keine nette dekorative Aktivität ist, die dazu dient, die Wände bürgerlicher Wohnungen zu verschönern. Es ist eine brutale Konfrontation mit dem Material, ein ständiger Kampf, um dem Chaos Sinn zu entlocken. Und in diesem Kampf erweist sich Grotjahn als einer der erbittertsten und entschlossensten Kämpfer seiner Generation.