Hört mir gut zu, ihr Snobs, lasst mich euch von Henry Taylor erzählen, geboren 1958, diesem amerikanischen Maler, der mit einer verblüffenden Kühnheit die Grenzen zwischen figurativer Kunst und sozialem Engagement überschreitet. Während unsere zeitgenössische Kunstwelt oft in ihren eigenen Konventionen gefangen ist, tritt Taylor hervor und erschüttert unsere Gewissheiten mit der Kraft eines Miles Davis, der seine Trompete gegen Pinsel eingetauscht hätte.
Das Erste, was in Taylors Werk auffällt, ist seine eigenartige Art, die Darstellung der Menschlichkeit in ihrer ganzen Komplexität anzugehen. Seine Porträts sind keine einfachen Wiedergaben von Gesichtern, sondern offene Fenster zur Seele des zeitgenössischen Amerika. Nehmen wir “The Times They Ain’t A Changing, Fast Enough!” (2017), dieses monumentale Werk, das die Erschießung von Philando Castile durch die Polizei einfängt. Taylor beschränkt sich nicht darauf, einen tragischen Kriminalfall zu dokumentieren, sondern taucht ein in die Eingeweide einer amerikanischen Gesellschaft, die sich nur schwer in die Augen sehen kann. Die Komposition mit ihrer engen Rahmung des Fahrzeuginnenraums und dieser weißen Hand, die eine Waffe hält und wie ein bedrohliches Gespenst auftaucht, erinnert unweigerlich an “Die Freiheit führt das Volk” von Delacroix, allerdings in einer alptraumhaften Version, in der die Freiheit selbst als Geisel genommen wird.
Dieses Gemälde ist ein perfektes Beispiel für das erste Thema, das sich durch Taylors Werk zieht: die hegelsche Dialektik zwischen Herr und Sklave, neu interpretiert durch die Linse der zeitgenössischen afroamerikanischen Erfahrung. Die Spannung zwischen Unterdrücker und Unterdrücktem wird nicht einfach nur angedeutet, sie ist im Fleisch des Gemäldes eingeschrieben. Die energischen, fast gewalttätigen Pinselstriche, die Farben, die förmlich aus der Leinwand zu bluten scheinen, all das trägt dazu bei, ein Werk zu schaffen, das seine dokumentarische Funktion übersteigt, um zu einem wahren Protestschrei zu werden.
Wenn Taylor seine Motive malt, egal ob es sich um Obdachlose aus Skid Row oder Prominente wie die Obamas handelt, behandelt er sie mit derselben Würde, derselben malerischen Dringlichkeit. Seine Technik, scheinbar roh und spontan, verbirgt eine tiefe Raffinesse, die an die Schriften Friedrich Nietzsches über die ewige Wiederkehr erinnert. Wie der deutsche Philosoph, der in der Wiederholung nicht nur eine bloße Wiederholung, sondern eine Gelegenheit zur Transformation sah, verwandelt Taylor jedes Porträt in einen Akt des Widerstands gegen das historische Vergessen. Dieser Ansatz zeigt sich besonders deutlich in seinen Porträtserien von anonymen Personen, bei denen jedes Motiv mit der gleichen sorgfältigen Aufmerksamkeit behandelt wird wie eine historische Figur.
Nehmen wir zum Beispiel seinen Umgang mit den Patienten des psychiatrischen Krankenhauses von Camarillo, wo er zehn Jahre lang als Krankenpfleger gearbeitet hat. Diese Porträts, die zwischen 1984 und 1995 entstanden sind, offenbaren ein tiefes Verständnis der menschlichen Kondition, das weit über die bloße klinische Beobachtung hinausgeht. Taylor erfasst nicht nur das äußere Erscheinungsbild seiner Motive, sondern auch ihre psychologische Essenz, ihre grundlegende Menschlichkeit. Dieser Ansatz erinnert an Michel Foucaults Überlegungen zur Beziehung zwischen Macht und Wissen im institutionellen Kontext, wobei Taylor eine zutiefst empathische Dimension hinzufügt, die die theoretische Analyse übersteigt.
In “Hammons meets a hyena on holiday” (2016) treibt Taylor diese Reflexion noch weiter. Indem er David Hammons, eine legendäre Figur der afroamerikanischen zeitgenössischen Kunst, vor der Großen Moschee von Djenné in Mali mit einer grinsenden Hyäne an seiner Seite darstellt, schafft er eine schwindelerregende zeitliche und räumliche Kollision. Dieses Werk ist nicht nur eine einfache Hommage an Hammons und seine berühmte Performance, bei der er Schneebälle auf einem New Yorker Bürgersteig verkaufte. Es ist eine tiefe Meditation über die Natur kultureller Identität, die an die Theorien des Philosophen Paul Ricoeur über narrative Identität anknüpft.
Für Ricoeur wird unsere Identität durch die Geschichten konstruiert, die wir über uns selbst erzählen, und durch die Geschichten, die andere über uns erzählen. Taylor scheint sich dieser narrativen Dimension der Identität voll bewusst zu sein. Seine Porträts sind niemals bloße Abbildungen, sondern komplexe visuelle Erzählungen, die die persönliche und kollektive Geschichte seiner Motive integrieren. Dieser Ansatz zeigt sich besonders deutlich in seinen Porträts von Künstlern und historischen Persönlichkeiten, bei denen er oft gewagte zeitliche Gegenüberstellungen schafft, die unser lineares Geschichtsverständnis infrage stellen.
Das zweite Thema, das aus Taylors Werk hervorgeht, ist sein einzigartiger Umgang mit Zeitlichkeit in der Malerei. Seine Gemälde funktionieren als visuelle Zeugnisse, in denen verschiedene zeitliche Schichten sich überlagern und vermischen. Nehmen wir “Cicely and Miles Visit the Obamas” (2017), in dem er eine unmögliche Begegnung zwischen Cicely Tyson, Miles Davis und dem Ehepaar Obama im Weißen Haus imaginiert. Dieses Werk verweist direkt auf Walter Benjamins Überlegungen zur Geschichte und sein Konzept des dialektischen Bildes. Für Benjamin haben bestimmte Bilder die Kraft, die historische Kontinuität zu sprengen, indem sie unerwartete Verbindungen zwischen verschiedenen Zeiten herstellen.
Taylor nutzt diese Kraft des dialektischen Bildes, um zeitliche Brücken zu schlagen, die die lineare Chronologie transzendieren. In diesem besonderen Werk beschränkt er sich nicht darauf, verschiedene historische Epochen nebeneinanderzustellen, sondern schafft einen neuen Raum-Zeit-Ort, an dem Vergangenheit und Gegenwart dynamisch miteinander kommunizieren. Die gleichzeitige Präsenz dieser emblematischen Figuren verschiedener Generationen zwingt uns, über das afroamerikanische kulturelle Erbe und seine Weitergabe durch die Zeit nachzudenken.
Seine malerische Technik trägt selbst zu dieser zeitlichen Disruption bei. Die schnellen und scheinbar spontanen Pinselstriche, die lebendigen Farben, die auf der Leinwand zu pulsieren scheinen, die absichtlich unvollendeten Bereiche, all das erzeugt eine visuelle Spannung, die den Betrachter in einem Zustand ständiger Wachsamkeit hält. Es ist, als würde Taylor uns sagen, dass Geschichte niemals wirklich abgeschlossen ist, sondern sich direkt vor unseren Augen weiter neu schreibt.
Dieser Ansatz der Temporalität zeigt sich auch in seiner Art, den malerischen Raum zu gestalten. Seine Kompositionen sind nie statisch, sondern immer in Bewegung, sie schaffen räumliche Dynamiken, die die sozialen und politischen Spannungen unserer Zeit widerspiegeln. In “Warning Shots Not Required” (2017) beispielsweise wird der Raum der Leinwand zu einem Kraftfeld, in dem unterschiedliche historische und soziale Spannungen aufeinandertreffen.
Der muskulöse Körper von Stanley “Tookie” Williams, Mitbegründer der Crips, nimmt den Raum auf eine ambivalente Weise ein, zugleich imposant und verletzlich. Die monumentalen Buchstaben des Titels, die wie drohende Gespenster zu schweben scheinen, erzeugen eine visuelle Spannung, die dem systemischen Gewaltphänomen widerhallt, das sie anprangern. Diese Verwendung des Raums als soziale Metapher führt zurück zu den Theorien von Henri Lefebvre über die soziale Produktion des Raums.
Für Lefebvre ist Raum kein neutraler Behälter, sondern eine soziale Produktion, die Machtverhältnisse reflektiert und beeinflusst. Taylor scheint sich dieser politischen Dimension des Raums vollkommen bewusst zu sein und nutzt ihn als Werkzeug, um die zugrundeliegenden Machtgefüge der amerikanischen Gesellschaft aufzudecken. Seine räumlichen Kompositionen sind nie willkürlich, sondern stets mit sozialen und politischen Bedeutungen aufgeladen.
Dieses politische Bewusstsein zeigt sich auch in seiner Art, die Materialität der Malerei zu behandeln. Die Struktur seiner Gemälde, der Farbauftrag, die Farbtropfen, die Bereiche, in denen die rohe Leinwand sichtbar bleibt, tragen dazu bei, eine malerische Sprache zu schaffen, die die Illusion technischer Perfektion zugunsten einer tieferen Wahrheit ablehnt. Dieser Ansatz erinnert an die Überlegungen von Theodor W. Adorno zur Beziehung zwischen Form und Inhalt in der modernen Kunst.
Für Adorno ist die künstlerische Form nicht einfach ein Träger des Inhalts, sondern selbst Träger sozialer Bedeutung. Im Fall von Taylor wird seine scheinbar rohe und direkte malerische Technik zu einer Form des Widerstands gegen akademische Konventionen, die historisch bestimmte Stimmen und Erfahrungen aus dem künstlerischen Kanon ausgeschlossen haben.
In seinen neueren Werken führt Taylor diese formale Erkundung noch weiter und integriert skulpturale Elemente und Installationen. Seine “afro-Bäume”, diese baumartigen Skulpturen mit schwarzen synthetischen Haaren, schaffen faszinierende Brücken zwischen Natur und Kultur, zwischen persönlicher und kollektiver Geschichte. Diese Werke spiegeln die Gedanken von Édouard Glissant über Relation und Kreolisierung wider und suggerieren, dass Identität keine singuläre Wurzel ist, sondern ein Rhizom, das sich in vielfältige Richtungen entfaltet.
Die Art und Weise, wie Taylor Texte in seine Werke integriert, ist ebenfalls besonders interessant. Die Wörter, die in seinen Gemälden erscheinen, sind nicht bloß Legenden oder Kommentare, sondern eigenständige visuelle Elemente, die zur Sinnkonstruktion beitragen. Diese Verwendung von Text erinnert an die Praktiken der Konzeptkünstler der 1960er und 1970er Jahre, doch Taylor verleiht ihr eine emotionale und politische Dimension, die den rein intellektuellen Ansatz des Konzeptualismus übersteigt.
In “The Times Thay Aint A Changing, Fast Enough!”, wird der Titel selbst zu einem bildlichen Element, das auf komplexe Weise mit dem Bild in Dialog tritt. Die unkonventionelle Schreibweise (“Thay” statt “They”) ist kein Fehler, sondern eine bewusste Wahl, die an den afroamerikanischen Dialekt anknüpft und so ein Zitat von Bob Dylan in einen bissigen Kommentar über die Persistenz des systemischen Rassismus in der amerikanischen Gesellschaft verwandelt.
Was Taylors Werk so kraftvoll macht, ist, dass es ein fragiles Gleichgewicht zwischen politischem Engagement und formaler Erforschung hält. Er opfert niemals das eine für das andere, sondern schafft eine einzigartige Synthese, die ihn zu einem der wichtigsten Künstler seiner Generation macht. Seine Malerei ist keine bloße Chronik unserer Zeit, sondern ein kühner Versuch, die bildliche Sprache neu zu erfinden, um über die Dringlichkeiten unserer Zeit zu sprechen.
Taylors Einfluss auf die zeitgenössische Kunstszene ist bereits beträchtlich. Seine Art, das Porträt als einen Raum des Dialogs zwischen dem Individuellen und dem Kollektiven, dem Persönlichen und dem Politischen zu behandeln, hat neue Wege für eine jüngere Künstlergeneration eröffnet. Seine Arbeit zeigt, dass es möglich ist, politisch engagierte Kunst zu schaffen, ohne die formale und konzeptuelle Komplexität zu opfern.
Wenn wir sein Gesamtwerk betrachten, wird deutlich, dass Taylor weit mehr geschaffen hat als nur ein reines Werk an Kunstwerken. Er hat eine neue visuelle Grammatik entwickelt, um über die menschliche Erfahrung in all ihrer Komplexität zu sprechen. Seine Gemälde sind Akte des Widerstands gegen das kollektive Vergessen, kraftvolle Behauptungen der menschlichen Würde angesichts von Widrigkeiten, tiefgründige Erkundungen dessen, was es bedeutet, in einer immer entmenschlichenderen Welt Mensch zu sein.
Die Kunst von Henry Taylor erinnert uns daran, dass Malerei, weit entfernt davon, ein veraltetes Medium zu sein, ein kraftvolles Werkzeug bleibt, um unsere gegenwärtige Realität zu erforschen und zu verstehen. In einer Welt, die von flüchtigen digitalen Bildern übersättigt ist, zwingen uns seine Leinwände, innezuhalten, wirklich hinzuschauen und uns mit unbequemen, aber notwendigen Wahrheiten auseinanderzusetzen. Sein Werk ist ein Zeugnis der Fähigkeit von Kunst, soziale und kulturelle Barrieren zu überwinden, um etwas zutiefst Universelles in der menschlichen Erfahrung zu berühren.
Durch seine eindrucksvollen Porträts, seine kühnen Kompositionen und sein unerschütterliches soziales Engagement zeigt uns Taylor, dass Kunst sowohl politisch engagiert als auch ästhetisch innovativ, persönlich intim und gesellschaftlich relevant sein kann. Seine Arbeit wird als eines der eindrucksvollsten Zeugnisse unserer Zeit in Erinnerung bleiben, eine ständige Mahnung, dass Kunst immer noch die Kraft hat, unsere Sicht auf die Welt und uns selbst zu verändern.
