Hilary Pecis und die Poesie der intimen Räume

Hört mir gut zu, ihr Snobs. Wir sind es so gewohnt, Werke zu verehren, die uns lautstark ihre Bedeutung verkünden, dass wir manchmal vergessen, genau das zu betrachten, was direkt vor unseren Augen liegt. Hilary Pecis, diese außergewöhnliche Beobachterin des Alltäglichen, hat häusliche Räume und kalifornische Landschaften in visuelle Feste verwandelt, die unsere von der täglichen Monotonie eingeschlafenen Sinne wecken.

In ihren gesättigten Farbtafeln, wo Perspektiven fröhlich miteinander kollidieren, offenbart uns Pecis eine grundlegende Wahrheit: Unsere unmittelbare Umgebung ist voller Schönheit, wenn wir nur die Mühe aufbringen, ihr Aufmerksamkeit zu schenken. Diese Künstlerin aus Los Angeles fängt schwebende Momente mit einer Präzision ein, die niemals steril ist, mit einer Lebendigkeit, die niemals aufdringlich wirkt.

Ihre Stillleben sind Porträts ohne Gesichter. Die Bücher, die auf einem Couchtisch gestapelt sind, die Vasen, überquellend mit Blumen, die geometrischen Muster der Polsterstoffe, all diese Elemente erzählen die Geschichte ihrer abwesenden Besitzer. Wie Virginia Woolf in “Ein Zimmer für sich allein” schrieb: “Ich glaube, dass Gemälde und Bücher wie diese tiefen Salzgrotten sind, die Bergleute unter dem Meer erkunden” ^[1]. Diese Salzgrotten erforscht Pecis mit unersättlicher Neugier und verwandelt jedes Objekt in einen Hinweis, jede Anordnung in einen Charakter.

Nehmen Sie ihre Bücherregale, die mit fast obsessiver Genauigkeit gemalt sind. Die Namen, die darauf erscheinen, Van Gogh, Matisse, William Blake, Eva Hesse, bilden ein autobiographisches Fries, ein persönliches Pantheon, das ihre Kunst in einer Linie verankert und gleichzeitig ihre Einzigartigkeit behauptet. Diese Referenzen sind keine prätentiösen Zwinkereien, sondern intime Geständnisse. Welch wunderbare Art, ein Selbstporträt zu schaffen, ohne sich je zu zeigen!

Der Einfluss des Fauvismus ist unbestreitbar in ihrer üppigen Farbpalette. Karminrote Töne treten in Dialog mit elektrischen Blautönen, Zitronengelb tanzt mit Salbeigrün. Diese chromatische Explosion ist nie willkürlich, sie drückt eine emotionale Intensität aus, die eine bloße Darstellung nicht vermitteln könnte. Wie André Derain sagte, dass “Farben für mich Dynamitpatronen sind” ^[2], nutzt Pecis ihre Palette, um unsere gewohnten Wahrnehmungen explodieren zu lassen.

Ihre Art, den Raum zu behandeln, ist ein köstliches Rätsel für unseren Blick, der an klassische Perspektiven gewöhnt ist. Die Objekte scheinen manchmal in einer Umgebung zu schweben, in der die Schwerkraft vorübergehend aufgehoben wurde. Die euklidischen Regeln werden freudig missachtet, nicht aus technischer Unwissenheit, sondern aus bewusster ästhetischer Entscheidung. Dieser Ansatz erinnert an Matisse, der sagte: “Genauigkeit ist nicht die Wahrheit” ^[3]. Die Wahrheit von Pecis liegt in der subjektiven Erfahrung des Raumes, in den Momenten, in denen unsere Wahrnehmung sich von physischen Zwängen befreit, um die Gesamtheit einer Szene zu umarmen.

Ihre Stadtlandschaften von Los Angeles erfassen das Wesen dieser widersprüchlichen Stadt. In “Sharon Flowers” wird die Fassade eines Blumenladens zum Anlass für eine Stilübung, bei der die Typografie der Schilder neben den organischen Formen der Blumen steht. Das kalifornische Licht, dieses besondere Licht, das so viele Künstler in den amerikanischen Westen zog, taucht ihre Kompositionen in eine fast übernatürliche Klarheit. Man denkt an David Hockney und seine Liebe zu dieser besonderen Lichtqualität, aber wo Hockney oft das Spektakuläre suchte, bevorzugt Pecis das Intime, das Vernachlässigte, jene Straßenecken, die wir durchqueren, ohne sie zu sehen.

Der phänomenologische Philosoph Gaston Bachelard schrieb in “Die Poetik des Raumes”, dass “das Haus unsere Ecke der Welt ist. Es ist unser erstes Universum” ^[4]. Pecis’ Werk ist eine leidenschaftliche Erforschung dieser ersten Universen, dieser Räume, die unsere Wahrnehmung und unsere Beziehung zur Welt prägen. Wenn sie das Innere eines Hauses malt, scheint jedes Objekt mit einer Bedeutung aufgeladen zu sein, die seine bloße Nutzfunktion übersteigt. Ein Sofa ist nicht nur ein Möbelstück, sondern ein stiller Zeuge von Gesprächen, Lesungen, Nickerchen, all diesen Momenten, die das unsichtbare Gewebe unseres Lebens bilden.

Oberflächliche Kritiker könnten ihre Arbeit einfach als “dekorativ” abtun, ein Begriff, der oft verwendet wird, um Kunst von Frauen zu schmälern. Welch riesiger Fehler! Pecis reiht sich in eine malerische Tradition ein, die bis zu den holländischen Stillleben des 17. Jahrhunderts zurückreicht, jene Werke, die alltägliche Gegenstände in Meditationen über Vergänglichkeit, Materialität und menschliches Verlangen verwandelten. Doch sie aktualisiert diese Tradition mit einer zeitgenössischen Sensibilität, die sich der visuellen Überladung bewusst ist, die unsere Zeit kennzeichnet.

Das Fehlen menschlicher Figuren in ihren Bildern ist kein Mangel, sondern eine bewusste Wahl. Wie sie selbst erklärt: “Ich denke, dass Räume ebenso persönlich sein können wie ein Porträt eines Gesichts” ^[5]. Dieser Ansatz spiegelt Roland Barthes’ Gedanken wider (ohne jedoch in seine semiologische Falle zu tappen), wie Objekte ein Zeichensystem bilden, das genauso kommuniziert wie Worte oder Gesichtsausdrücke.

Der visuelle Rhythmus ihrer Kompositionen wird oft mit dem von Alex Katz verglichen, mit seinen großen Farbflächen und klaren Konturen. Doch wo Katz eine gewisse Kälte sucht, umarmt Pecis Wärme, Unvollkommenheit, diese kleinen Unebenheiten, die einen Raum lebendig machen. Ihre Pinselstriche, die sie selbst als “Markierungen einer wenig selbstbewussten Malerin” ^[6] bezeichnet, schaffen eine Textur, die sowohl zum Tasten als auch zum Betrachten einlädt.

Pecis zögert nicht, hergestellte Objekte mit erkennbaren Marken darzustellen, Bücher, Konsumprodukte, und verwandelt diese kommerziellen Signifikanten somit in malerische Elemente. Dabei macht sie sichtbar, wie unsere häusliche Umgebung von diesen äußeren Zeichen durchdrungen ist und wie unsere Intimität stets im Dialog mit der sozialen und wirtschaftlichen Welt um uns herum steht.

Ihre künstlerische Praxis ist auch eine Reflexion über die Zeit. In einer Epoche, in der sich alles beschleunigt und das digitale Bild regiert, wählt Pecis die akribische Langsamkeit der Acrylmalerei. Jedes Gemälde ist das Ergebnis von Stunden Beobachtung und Ausführung, ein Akt des Widerstands gegen die Unmittelbarkeit, die unsere zeitgenössische Beziehung zu Bildern prägt. Wie die Philosophin Byung-Chul Han in ihrem Essay “Der Duft der Zeit” feststellt: “Das kontemplative Leben setzt die Fähigkeit voraus, nicht sofort auf Reize zu reagieren” ^[7].

Das Leben als Langstreckenläuferin, das sie parallel zu ihrer künstlerischen Praxis führt, steht in Zusammenhang mit ihrer Malerei. In beiden Fällen handelt es sich um eine regelmäßige Praxis, ein körperliches Engagement mit der Welt, eine Form der aktiven Meditation. Sie macht oft Fotos während ihrer morgendlichen Läufe und fängt jene flüchtigen Momente ein, in denen das Licht eine gewöhnliche Landschaft in eine außerordentliche Vision verwandelt. Diese Bildsammlung wird dann zum Rohmaterial ihrer Werke.

Die scheinbare Bescheidenheit ihrer Motive verbirgt einen beträchtlichen künstlerischen Ehrgeiz. Pecis zeigt, dass es nicht notwendig ist, sich an den großen, traditionell als “edel” angesehenen Themen zu versuchen, um bedeutende Kunst zu schaffen. Eine Schale Orangen auf einem gestreiften Tisch kann ebenso viel Wahrheit enthalten wie eine mythologische oder historische Szene. Damit folgt sie dem Weg, den Künstlerinnen wie Pierre Bonnard oder Édouard Vuillard eingeschlagen haben, die häusliche Szenen zur hohen Kunst erhoben.

Die Beziehung von Pecis zu Los Angeles ist grundlegend. Diese Stadt, die oft wegen ihrer Oberflächlichkeit kritisiert wird, wird unter ihrem Pinsel zu einem Paradies aus Farben und Texturen. “Das Leben in LA scheint ein wenig langsamer und heller zu sein, und ich fühle eine unendliche Inspiration”, gesteht sie ^[8]. Dieses besondere Licht, diese einzigartige atmosphärische Qualität beeinflusst tiefgehend ihre Farbpalette und ihre Wahrnehmung der Räume. Ohne in das Klischee des kalifornischen Paradieses zu verfallen, fängt sie diese Spannung zwischen Natürlichkeit und Künstlichkeit ein, die die urbane Landschaft von Los Angeles charakterisiert.

Wenn die Bewegung der Fauves einen bedeutenden Einfluss für Pecis darstellt, dann teilt sie möglicherweise mit den Künstlerinnen und Künstlern der Pattern and Decoration-Bewegung der 1970er Jahre die meisten Affinitäten. Diese Gruppe, überwiegend aus Frauen bestehend, bemühte sich um die Wiederbelebung von Ausdrucksformen, die traditionell mit weiblichem Handwerk und dekorativen Künsten assoziiert werden. Wie sie umarmt Pecis ohne Hemmungen das visuelle Vergnügen, die Fülle der Muster und die Sinnlichkeit der Texturen.

Ihr kreativer Prozess beginnt mit Fotografien, die sie mit ihrem Telefon macht. Ausgehend von diesen Bildern skizziert sie die Komposition schnell auf der Leinwand und arbeitet dann in aufeinanderfolgenden Schichten, wobei sie Details und Farben hinzufügt, ohne jemals in eine sklavische Nachahmung zu verfallen. Dieser Ansatz erlaubt es ihr, eine Frische und Spontaneität zu bewahren, die ihre Gemälde lebendig macht. Wie sie erklärt: “Ich nehme mir viele Freiheiten im Vergleich zu dem, was im Originalbild dargestellt ist, sowie mit den verwendeten und verstärkten Farben” ^[9].

Was Hilary Pecis wirklich auszeichnet, ist, dass sie uns die Schönheit des Alltäglichen neu entdecken lässt. In einer Welt, die vom Spektakulären und Außergewöhnlichen besessen ist, erinnert sie uns daran, dass die wahre Magie oft in den banalsten Winkeln unseres Lebens verborgen liegt. Ihre Gemälde wirken wie Wahrnehmungsverstärker, die uns einladen, unsere eigene Umgebung mit neuen Augen zu betrachten, den Glanz einer von der Morgensonne beleuchteten Blumenvase oder die komplexe Geometrie eines mit Büchern beladenen Bücherregals neu zu entdecken.

Ihre jüngste Entwicklung hin zu größeren Formaten zeugt von wachsendem Selbstvertrauen. Diese großformatigen Leinwände ermöglichen es dem Betrachter, wirklich “in” den dargestellten Raum einzutreten, von diesen schimmernden Innenräumen umhüllt zu werden. Wie sie sagt: “Ich mag es wirklich, als Betrachter in ein Gemälde eintauchen zu können, und mit den größeren Leinwänden habe ich das Gefühl, auf eine Weise in den Raum eintreten zu können, die mit kleineren Werken nicht möglich war” ^[10].

Den Puristen zum Trotz, die zeitgenössische Malerei auf Abstraktion oder Konzeptuelles beschränken möchten, beweist Pecis, dass die Figuration uns noch viel zu sagen hat. Ihre Arbeit begnügt sich nicht damit, die Welt darzustellen, sondern verwandelt sie, enthüllt die verborgene Poesie in jedem Objekt, jedem Raum. Sie praktiziert das, was der Dichter Wallace Stevens “eine Wut nach Ordnung” nannte, diesen obsessiven Versuch, dem Chaos der Realität Form und Sinn zu geben.

Also, ihr Snobs, das nächste Mal, wenn ihr an einem Gemälde von Hilary Pecis vorbeigeht, haltet an. Nehmt euch Zeit, euch in diesen vertrauten und doch fremden Räumen zu verlieren, in diesen Kompositionen, die die Logik herausfordern und zugleich das Greifbare, das Fassbare feiern. Vielleicht entdeckt ihr dort, wie ich, eine Einladung zum Innehalten, zum echten Betrachten dessen, was euch umgibt. Und ist das nicht eine der wesentlichen Funktionen der Kunst, uns das Sehen beizubringen?

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1. Woolf, Virginia, “Ein eigenes Zimmer”, Éditions 10/18, 1992.
2. Derain, André, zitiert in “Matisse und Derain: 1905, das Jahr des Fauvismus”, Flammarion, 2005.
3. Matisse, Henri, “Schriften und Aussagen zur Kunst”, Hermann, 1972.
4. Bachelard, Gaston, “Die Poetik des Raumes”, Presses Universitaires de France, 1957.
5. Vitello, Gwynned. Pecis, Hilary, Interview in Juxtapoz Magazine, Frühjahr 2021.
6. Ebd.
7. Han, Byung-Chul, “Der Duft der Zeit”, Circé, 2016.
8. Vitello, Gwynned. Pecis, Hilary, Interview in Juxtapoz Magazine, Frühjahr 2021.
9. Ebd.
10. Pecis, Hilary, Interview mit Nancy Gamboa, Cultured Magazine, 23. Juni 2021.