Hört mir gut zu, ihr Snobs, es ist an der Zeit, über Jacqueline Humphries zu sprechen, diese Künstlerin, die die Grenzen der abstrakten Malerei im digitalen Zeitalter neu definiert. In ihrem großen Atelier in Red Hook, New York, mit schwindelerregend hohen Decken und durchdrungen von östlichem Licht, führt sie faszinierende Experimente durch, die die Leinwand in ein Erkundungsgebiet der Grenzen zwischen Greifbarem und Virtuellem, zwischen der Materialität der Malerei und der Immateriellheit digitaler Codes verwandeln.
In einer Welt, in der unsere Bildschirme uns Tag und Nacht hypnotisieren, in der unsere Emotionen auf standardisierte Emojis reduziert werden und in der unsere Aufmerksamkeit sich in eine Vielzahl funkelnder Pixel fragmentiert, vollbringt Humphries etwas Außergewöhnliches: Sie verwandelt diese digitale Kakophonie in eine visuelle Symphonie, die uns zwingt, langsamer zu werden, wirklich hinzuschauen, zu fühlen. Ihre monumentalen Werke sind nicht einfach Gemälde, sondern Portale in einen liminalen Raum, in dem Analoges und Digitales in einem komplexen und subtilen Tanz miteinander verschmelzen.
Diese Künstlerin, geboren 1960 in New Orleans, hat die Jahrzehnte durchquert und dabei eine einzigartige Position in der zeitgenössischen Kunstwelt eingenommen. Sie wurde an der Parsons School of Design und anschließend am renommierten Whitney Independent Study Program in den 1980er Jahren ausgebildet und entschied sich in einer Zeit, in der dieses Medium als veraltet galt, hartnäckig am Malen festzuhalten. Diese Beharrlichkeit verwandelte sich in eine unermüdliche Suche, die Möglichkeiten der Malerei angesichts der technologischen Veränderungen unserer Zeit neu zu erfinden.
Nehmen Sie zum Beispiel ihre berühmten silbernen Leinwände. Auf den ersten Blick könnten Sie sie für riesige Bildschirme halten. Aber nähern Sie sich. Die reflektierende Oberfläche spielt mit dem Licht auf eine Weise, die kein Bildschirm nachahmen könnte. Die Spiegelungen ändern sich je nach Ihrer Position und schaffen ein kinästhetisches Erlebnis, das der fotografischen Reproduktion trotzt. Das Werk weigert sich hartnäckig, auf ein einfaches JPEG-Bild reduziert zu werden, und widersteht so der digitalen Standardisierung, die unsere Wahrnehmung der Welt abflacht.
Diese physische und erfahrbare Dimension von Humphries’ Arbeit spiegelt auf eindrucksvolle Weise das Denken des Philosophen Gilbert Simondon über das Verhältnis zwischen Mensch und Technik wider. In seinem grundlegenden Werk “Über die Existenzweise technischer Objekte” (“Du mode d’existence des objets techniques”) entwickelt Simondon die revolutionäre Idee, dass Technik nicht der Kultur entgegengesetzt ist, sondern eine wesentliche Dimension von ihr darstellt. Er lehnt kategorisch die vereinfachte Dichotomie zwischen Natur und Künstlichkeit ab und schlägt stattdessen eine Sichtweise vor, in der Mensch und Technik in einer komplexen Beziehung der gegenseitigen Entwicklung koexistieren.
Humphries’ Gemälde verkörpern diese simondonsche Vision auf perfekte Weise. Wenn sie Schablonen verwendet, die aus ASCII-Zeichen erstellt wurden, um ihre früheren Arbeiten zu reproduzieren, recycelt sie nicht einfach, sondern erfindet eine neue malerische Sprache, die die Unterscheidung zwischen manuellem Gestus und mechanischer Reproduktion transzendiert. Ihre Leinwände werden zu Vermittlungszonen, in denen sich Computer-Code und künstlerischer Ausdruck treffen und sich gegenseitig verwandeln.
Dieser Ansatz erinnert uns besonders an Simondons Überlegungen zur technischen Individuation. Für den Philosophen ist ein technisches Objekt nicht einfach ein passives Werkzeug, sondern ein sich ständig weiterentwickelndes System, das an unserem kollektiven Werden teilhat. Ebenso sind Humphries’ Gemälde keine statischen Objekte; sie verändern sich buchstäblich je nach unserer Position und dem Umgebungslicht und schaffen ein Erlebnis, das weder auf die reine Materialität der Malerei noch auf die Virtualität des Digitalen reduziert werden kann.
Ihre Serie fluoreszierender Gemälde, die unter Schwarzlicht ausgestellt sind, veranschaulicht diese Dimension perfekt. Diese Werke schaffen einen mehrdeutigen Raum zwischen der Materialität der Farbe und der Immaterialität des Lichts. Das fluoreszierende Pigment, das normalerweise mit Nachtclubstimmung und Popkultur assoziiert wird, wird hier zum Medium einer anspruchsvollen künstlerischen Ausdrucksform erhoben. Diese Bilder erinnern uns daran, dass jede Wahrnehmung vermittelt ist, sei es durch unsere Augen, durch einen Bildschirm oder durch die visuelle Kultur, die uns umgibt. Diese Vermittlung ist kein Hindernis, das überwunden werden muss, sondern der Ort, an dem sich unser Verhältnis zur Welt vollzieht.
Die Künstlerin treibt diese Erforschung mit ihren Werken, die CAPTCHA-Tests integrieren, noch weiter voran. Diese digitalen Mechanismen, die dazu bestimmt sind, Menschen von Robotern in unseren Online-Interaktionen zu unterscheiden, werden unter ihrem Pinsel zu Elementen einer neuen visuellen Grammatik. Sie verwandelt diese Marker unserer technologischen Ängste in Kompositionen, die die Natur von Authentizität und künstlerischem Ausdruck im Zeitalter der künstlichen Intelligenz hinterfragen.
Ihre Verwendung von Emojis ist ebenso provokativ wie raffiniert. Diese standardisierten Piktogramme, die oft als Symbole der Verarmung unserer emotionalen Kommunikation kritisiert werden, erfahren in ihrer Arbeit eine unerwartete Komplexität. Überlagert, verzerrt, in aufeinanderfolgenden Farbschichten integriert, verlieren sie ihre unmittelbare kommunikative Funktion und werden zu Elementen einer reicheren und ambivalenteren malerischen Syntax.
Simondons Überlegungen zur technischen Entfremdung erhalten hier eine besondere Bedeutung. Für den Philosophen stammt die Entfremdung nicht aus der Technik selbst, sondern aus unserer Unfähigkeit, die Technik in unsere Kultur zu verstehen und zu integrieren. Humphries’ Gemälde zeigen uns einen möglichen Weg der Versöhnung, bei dem das Digitale weder verteufelt noch vergöttert wird, sondern in eine künstlerische Praxis integriert ist, die dessen Komplexität und poetisches Potenzial offenbart.
Diese Integration zeigt sich besonders eindrücklich in ihrer Behandlung der malerischen Oberfläche. Die Farbschichten, die durch Schablonen erzeugten Muster, die metallischen Reflexe schaffen eine Tiefe, die nicht nur räumlich, sondern auch zeitlich ist. Jede Leinwand trägt Spuren zahlreicher Eingriffe, wie ein visuelles Zeugnis, bei dem sich das Digitale und das Analoge gegenseitig einschreiben und überschreiben und einen komplexen Dialog zwischen verschiedenen Bildproduktionsweisen schaffen.
In ihren jüngsten Werken treibt Humphries diese Erforschung der Grenzen zwischen manuell und mechanisch noch weiter voran. Sie nutzt Computerprogramme, um ihre früheren Gemälde einzuscannen und in ASCII-Code umzuwandeln, und verwendet diese Codes dann als Grundlage für neue Kompositionen. Dieser Prozess der Übersetzung und Rückübersetzung schafft Werke, die zugleich vertraut und seltsam neu sind, wie digitale Echos malerischer Gesten.
Die Künstlerin spielt ständig mit unseren Erwartungen und Wahrnehmungsgewohnheiten. Ihre silberfarbenen Gemälde zum Beispiel reflektieren nicht nur Licht, sondern auch den Betrachter, wodurch eine Interaktion entsteht, die an Touchscreens erinnert. Doch im Gegensatz zu unseren digitalen Geräten, die uns die Illusion von Kontrolle geben, erinnern diese Spiegelungen an unsere instabile Position und unsere Unfähigkeit, das Bild in eine endgültige Form zu fixieren.
Diese Instabilität steht im Mittelpunkt von Humphries’ künstlerischem Projekt. Sie zeigt uns, dass Malerei, fern davon, in der digitalen Ära obsolet zu sein, zu einem privilegierten Ort werden kann, um die Paradoxien unserer zeitgenössischen Existenz zu erforschen. Ihre Werke laden uns ein, langsamer zu werden, die vielfältigen Vermittlungsschichten zu beobachten, die unsere Erfahrung strukturieren, und die Komplexität unserer Beziehung zur Technologie anzuerkennen.
Damit greift ihre Arbeit einen weiteren entscheidenden Aspekt von Simondons Denken auf: die Idee, dass Technik nicht einfach ein Mittel zum Zweck ist, sondern eine Existenzweise, die an unserem kollektiven Werden teilhat. Humphries’ Gemälde sind keine Kommentare zur Technologie, sondern Geräte, die es uns ermöglichen, neue Formen der Wahrnehmung und Beziehung zu erfahren.
Diese experimentelle Dimension zeigt sich besonders deutlich in ihrer Arbeitsweise in Serien, wobei jedes Werk als Ausgangspunkt für neue Erkundungen dient. Motive, Gesten, Effekte zirkulieren von einem Bild zum anderen und schaffen ein Beziehungsnetz, das an die rhizomatische Struktur des Internets erinnert. Doch im Gegensatz zum ständigen Fluss digitaler Bilder, der unser Zeitalter kennzeichnet, zwingen uns ihre Gemälde zum Innehalten, zum bewussten Wahrnehmen subtiler Variationen, Lichtspiele und Überlagerungen von Schichten.
Ihre Arbeit mit schwarzem Licht ist besonders interessant. Diese Werke, die nur unter bestimmten Lichtbedingungen gesehen werden können, schaffen ein immersives Erlebnis, das unsere Wahrnehmung des Raums radikal verändert. Die fluoreszierenden Pigmente, aktiviert durch ultraviolettes Licht, erzeugen eine Leuchtkraft, die scheint, als käme sie aus dem Inneren der Leinwand, wodurch die Grenzen zwischen der bemalten Oberfläche und dem umgebenden Raum verschwimmen.
Diese Erforschung des Lichts als künstlerisches Medium erinnert an die Experimente von Dan Flavin, doch Humphries führt das Erlebnis in eine radikal andere Richtung. Während Flavin mit fluoreszierendem Licht als skulpturalem Material arbeitete, nutzt Humphries es, um die Natur der Sichtbarkeit in einer von Leuchtschirmen dominierten Welt zu hinterfragen.
Ihre Verwendung von ASCII-Zeichen stellt eine weitere bedeutende Innovation dar. Indem sie ihre Gemälde in Code verwandelt und diesen Code dann wieder in Malerei übersetzt, schafft sie einen Übersetzungszyklus, der die verschiedenen Vermittlungsebenen hervorhebt, die unsere zeitgenössische Bildwahrnehmung kennzeichnen. Dieser Prozess erinnert an Walter Benjamins Überlegungen zur mechanischen Reproduktion von Kunstwerken, jedoch aktualisiert für das digitale Zeitalter.
Die Emojis in ihrer Arbeit funktionieren auf ähnliche Weise. Diese Symbole, die in unserer täglichen Kommunikation allgegenwärtig geworden sind, werden von ihrer üblichen Funktion abgewandt, um Elemente einer neuen visuellen Syntax zu werden. Humphries verwendet sie als Grundeinheiten einer malerischen Sprache, die mit den Konventionen des emotionalen Ausdrucks im digitalen Zeitalter spielt.
Humphries’ Kunst erinnert uns daran, dass Technik nicht im Gegensatz zur Sensibilität steht, dass Digitales das Tastbare nicht ausschließt, dass mechanische Reproduktion neue Formen von Authentizität schaffen kann. Ihre Gemälde schaffen einen Raum, in dem diese scheinbaren Widersprüche koexistieren und sich gegenseitig transformieren können, wodurch neue Möglichkeiten für die zeitgenössische Kunst eröffnet werden.
In einer Zeit, die von Geschwindigkeit und Unmittelbarkeit besessen ist, bietet uns Jacqueline Humphries’ Werk einen Moment der Pause, eine Einladung, unsere Beziehung zu Bildern und Technologie neu zu überdenken. Ihre Gemälde geben uns keine einfachen Antworten, sondern bieten einen Raum für Reflexion und Erfahrung, in dem Digitales und Analoges, Mechanisches und Gestisches, Code und Ausdruck in Dialog treten können.
Durch ihre Erforschung der Grenzen zwischen Realem und Virtuellem zeigt uns Humphries, dass Malerei ein lebenswichtiges Medium bleibt, um unsere zeitgenössische Existenz zu verstehen und zu hinterfragen. Ihre Arbeit erinnert uns daran, dass Kunst nicht nur ein Spiegel unserer Zeit ist, sondern ein Labor, in dem neue Wahrnehmungs- und Erfahrungsformen entstehen können. Ihre Werke bieten einen Raum des Widerstands und der Reflexion, einen Ort, an dem die Komplexität unserer Beziehung zum Digitalen erforscht und neu gedacht werden kann.
