Hört mir gut zu, ihr Snobs, die ihr glaubt, alles über zeitgenössische Kunst zu wissen, lasst mich euch von Jadé Fadojutimi erzählen, geboren 1993 in London, eine Künstlerin, die eure kleinen Gewissheiten wie eine Supernova an einem Sommerhimmel explodieren lässt. Ich weiß schon, was ihr sagen werdet: “Noch eine junge Künstlerin, die vom Markt überbewertet wird!” Aber bevor ihr zurückkehrt und euren Jahrgangs-Champagner bei euren mondänen Vernissagen schlürft, nehmt euch die Zeit zuzuhören, warum ihr völlig falsch liegt.
In ihrem Studio im Südosten Londons, das zu einem experimentellen Labor umfunktioniert wurde, das den größten Alchimisten würdig ist, führt sie einen frenetischen Tanz mit ihren Leinwänden auf, oft nachts, wie eine moderne Priesterin, die die Geister der Schöpfung heraufbeschwört. Der Vergleich ist nicht zufällig: Sie selbst bezeichnet ihren kreativen Prozess als “Zauberei”. Und wenn man ihre monumentalen Werke betrachtet, einige über drei Meter breit, versteht man warum. Es sind keine bloßen Gemälde, es sind dimensionale Portale in eine Welt, in der Synästhesie als absoluter Herrscher regiert.
Nehmen Sie “The Woven Warped Garden of Ponder” (2021), verkauft für 2 Millionen Dollar bei Christie’s. Diese Leinwand ist nicht nur eine einfache abstrakte Komposition, sondern ein ganzheitliches sensorisches Erlebnis, das uns in ein Bad chromatischer Empfindungen eintauchen lässt. Tiefblaue Töne vermischen sich mit roten und orangen Funkeln in einem kosmischen Tanz, der die Werke von Turner wie friedliche Postkarten erscheinen lässt. Aber Vorsicht, fallen Sie nicht in die Falle, sie nur als Erbin des abstrakten Expressionismus zu sehen. Das wäre, als würde man Serge Gainsbourg auf einen einfachen französischen Sänger reduzieren.
Was hier gespielt wird, ist viel tiefer und fügt sich direkt in die Tradition der Phänomenologie von Maurice Merleau-Ponty ein. Dieser französische Philosoph erklärte uns, dass Wahrnehmung keine einfache passive Aufnahme der Welt ist, sondern eine ständige Interaktion zwischen unserem Körper und unserer Umwelt. Fadojutimi verkörpert diese Theorie in ihrer künstlerischen Praxis perfekt. Jeder Pinselstrich, jeder Farbspritzer ist eine direkte Manifestation dieser tief empfundenen Wechselwirkung mit der sie umgebenden Welt. Wenn sie malt, stellt sie nicht einfach dar, was sie sieht, sie übersetzt die Erfahrung der Wahrnehmung selbst in Farben und Formen.
In “How to Protect a Smile” (2022), ausgestellt in der Hepworth Wakefield, verwendet sie lichtempfindliche Farben, die sich mit der Zeit verändern. Dieses monumentale Werk ist nicht nur eine technische Meisterleistung, sondern eine lebendige Metapher für unser eigenes Dasein, das sich ständig wandelt, nie wirklich festgelegt ist. Die Farbschichten überlagern sich wie Bewusstseinsschichten und schaffen eine visuelle Präsenz, die uns daran erinnert, dass unsere Identität nie feststeht, sondern immer im Werden ist.
Und hier wirkt die wahre Magie. Denn Fadojutimi ist nicht einfach eine Malerin, die Farben auf eine Leinwand aufträgt. Nein, sie ist eine Entdeckerin des Unaussprechlichen, eines Konzepts, das Vladimir Jankélévitch so wichtig war. Für diesen Philosophen ist das Unaussprechliche nicht das, was nicht gesagt werden kann, sondern das, wofür unendlich viele Worte nötig sind, um es auszudrücken. Die Leinwände von Fadojutimi sind genau das: Versuche, das Unaussprechliche zu sagen, das Unmalbare zu malen.
Nehmen Sie ihre Verwendung der Farbe. Für sie ist es nicht nur ein einfaches ästhetisches Werkzeug, sondern eine eigenständige Sprache, eine Art, Gefühle zu vermitteln, die dem konventionellen Vokabular entgehen. Sie hat entwickelt, was sie “emotionale Synästhesie” nennt, wobei jede Emotion durch eine spezifische Farbe ausgedrückt wird. Grün ist nicht einfach nur Grün, es ist die visuelle Manifestation eines besonderen Seinszustands. Dieser Ansatz erinnert auffallend an die Theorien von Wassily Kandinsky zur Entsprechung zwischen Farben und Klängen, doch Fadojutimi treibt das Konzept noch weiter voran.
In ihrem Studio, umgeben von ihren Pflanzen, ihren Kindheitsspielzeugen und Bildschirmen, die ununterbrochen japanische Animes zeigen, schafft sie eine Gesamtumgebung, die ihre Schöpfung nährt. Es ist nicht nur ein einfacher Arbeitsplatz, sondern ein kreatives Ökosystem, in dem jedes Element zur finalen Alchemie beiträgt. Die Nächte, die sie mit Malen verbringt, sind keine einfachen Arbeitssitzungen, sie sind Rituale der Verwandlung, bei denen die Künstlerin zum Medium wird und schöpferische Kräfte kanalisiert, die die bloße individuelle Willenskraft übersteigen.
Und sprechen wir über den Einfluss der japanischen Kultur auf ihre Arbeit. Im Gegensatz zu so vielen westlichen Künstlern, die sich mit oberflächlichem Japonismus begnügen, hat Fadojutimi ein echtes Verständnis der japanischen Ästhetik entwickelt. Ihre Liebe zum Anime ist kein bloßer Zeitvertreib, sondern ein grundlegender Einfluss, der ihre künstlerische Vision seit der Kindheit geprägt hat. In ihren Werken finden wir dieselbe Fähigkeit, parallele Welten zu erschaffen, die gleichzeitig vertraut und fremd sind, dieselbe Aufmerksamkeit auf subtile Übergänge, dieselbe Feier des Vergänglichen.
Die Frage der Identität durchzieht ihr gesamtes Werk wie ein glühender roter Faden. Als Britin mit nigerianischen Wurzeln hätte sie leicht in die Klischees der “postkolonialen” Kunst fallen können. Doch nein, sie überwindet diese einfachen Kategorien, um etwas viel Universelleres zu schaffen. Ihre Gemälde sprechen weniger von kultureller Identität als von menschlicher Identität im weitesten Sinne. Sie erforschen den genauen Moment, in dem wir uns im Spiegel betrachten und nicht mehr genau wissen, wer wir sind.
“A Permeable Existence” (2022) ist vielleicht das Werk, das diese Suche am besten illustriert. Die Farbenschichten durchdringen sich wie verschiedene Bewusstseinszustände und schaffen einen bildlichen Raum, der sowohl zutiefst persönlich als auch eigenartig universell ist. Die Formen tauchen auf und lösen sich auf wie halbvergessene Erinnerungen und schaffen eine emotionale Kartographie, die mit uns allen spricht.
Doch was ihre Arbeit wirklich revolutionär macht, ist, dass sie Werke schafft, die sowohl intellektuell anregend als auch viszeral kraftvoll sind. In einer Zeit, in der sich so viele zeitgenössische Künstler entweder in trockenem Konzeptualismus oder in leichtem Expressionismus verlieren, gelingt es Fadojutimi, eine Kunst zu schaffen, die sowohl Geist als auch Sinne anspricht.
Ihr kreativer Prozess ist selbst eine Performance. Sie tanzt buchstäblich mit ihren Leinwänden, nimmt manchmal Anlauf, um Farbe aufzutragen, und schafft Bewegungen, die eher einer Choreographie ähneln als einer traditionellen Malsession. Diese Körperlichkeit spiegelt sich in den fertigen Werken wider, bei denen jede Geste als eingefrorener Moment in der Zeit festgehalten wird, eine Spur dieses nächtlichen Tanzes mit der Schöpfung.
Und sprechen wir erst gar nicht von ihrer Nutzung des Raums. Ihre großen Leinwände sind nicht einfach nur groß, um Sammler zu beeindrucken; ihre Größe ist wesentlich für ihre Bedeutung. Sie schaffen immersive Umgebungen, die uns zwingen, unsere Beziehung zum bildlichen Raum neu zu überdenken. Es sind keine Fenster zu einer anderen Welt, wie in der westlichen Maltradition, sondern Tore, die uns einladen, physisch in den Raum des Gemäldes einzutreten.
“Die Kaiserin der Pflanzen” (2022) mit ihren acht Metern Länge ist weniger ein Gemälde als eine Gesamtenvironment, eine Installation, die uns in ihrem farblichen Universum einhüllt. Die Farben vibrieren und pulsieren wie lebendige Wesen und schaffen eine Erfahrung, die sowohl der virtuellen Realität als auch der traditionellen Malerei nahekommt.
Was vielleicht am beeindruckendsten an ihrer Arbeit ist, ist ihre Fähigkeit, authentisch zu bleiben trotz eines überwältigenden kommerziellen Erfolgs. Während so viele Künstler vom Markt korrumpiert werden und endlose Variationen ihrer größten Erfolge produzieren, experimentiert Fadojutimi weiter, geht Risiken ein und erweitert die Grenzen dessen, was Malerei sein kann.
Ihr Wechsel zu Gagosian im Jahr 2022 hätte den Beginn einer übermäßigen Kommerzialisierung ihrer Arbeit markieren können. Stattdessen nutzte sie die Ressourcen der Galerie, um noch ehrgeizigere, noch radikalere Werke zu schaffen. Es ist selten, sehr selten, eine Künstlerin zu sehen, die das System zu ihrem Vorteil nutzt, ohne von ihm absorbiert zu werden.
Und vielleicht liegt hier die wahre Bedeutung von Jadé Fadojutimi in der zeitgenössischen Kunstlandschaft. Sie zeigt uns, dass es noch möglich ist, authentische und persönliche Kunst zu schaffen, während man sich durch die trüben Gewässer des zeitgenössischen Kunstmarkts navigiert. Ihre Werke sind lebendige Beweise dafür, dass die Malerei nicht tot ist, dass sie sich weiterhin entwickelt und neu erfindet. Ihre Arbeit erinnert uns auch an die einzigartige Kraft der Malerei: ihre Fähigkeit, Erfahrungen zu schaffen, die unser ganzes Wesen ansprechen, nicht nur unsere Augen. Ihre Leinwände sind keine Objekte für passives Betrachten, sondern Einladungen zum Erleben, Tore zu anderen Bewusstseinszuständen.
Ja, Sie können weiterhin in ihren Gemälden bloße Explosionen abstrakter Farben sehen, Sie können ihren Erfolg weiterhin als eine spekulative Blase des Kunstmarkts abtun. Aber Sie würden das Wesentliche verpassen. Was Fadojutimi uns bietet, ist weit mehr als eine ästhetische Erfahrung; es ist eine Einladung, unsere Beziehung zur sinnlichen Welt neu zu denken, jene Bereiche unserer Erfahrung zu erforschen, die der verbalen Sprache entgleiten.
