Hört mir gut zu, ihr Snobs, lasst mich euch von James Brown (1951-2020) erzählen, nicht der König der Soulmusik, sondern jener amerikanische Künstler, der die Grenzen der zeitgenössischen Kunst mit einer seltenen Kühnheit und intellektuellen Integrität, die vielen zeitgenössischen Künstlern schmerzlich fehlt, überwunden hat. Ein Schöpfer, der es wagte, die akademischen Konventionen herauszufordern, während er sich tief von primitiven Traditionen und dem westlichen Modernismus inspirieren ließ, und zwischen diesen Welten mit fast unerträglicher Anmut der Genauigkeit navigierte.
Beginnen wir mit seiner tiefen Beziehung zur malerischen Materialität, die seine erste kreative Periode definiert. In den 1980er Jahren, als der New Yorker Kunstmarkt sich am Neoexpressionismus ergötzte und einige Künstler Werke in Serie produzierten, um die frenetische Nachfrage der Sammler zu befriedigen, entwickelte Brown einen einzigartigen Ansatz der semi-figurativen Malerei, der die Moden seiner Zeit überstieg. Seine Werke dieser Periode offenbaren eine spürbare Spannung zwischen der Brutalität des Gestus und der Raffinesse der Komposition, die die traditionellen Kategorien der Kunstgeschichte sprengt.
Genau das ist es, was Theodor Adorno in seiner “Ästhetischen Theorie” als “bestimmte Negation” bezeichnet hätte, ein Werk, das etablierte Konventionen ablehnt und dennoch seine eigenen inneren Regeln schafft. Browns malerische Oberflächen bewahren die Spuren ihrer Entstehung wie Narben, die von ihrer Genese zeugen, doch diese Markierungen sind niemals zufällig. Jede Einkerbung in die Leinwand, jede Farbschicht trägt zu einer rigorosen Konstruktion bei, die einer oberflächlichen Analyse trotzt.
Nehmen Sie seine schwarzen Gemälde aus den 1980er Jahren. Brown gravierte darin vereinfachte Motive in die noch frische Farbe und schuf Werke, die an prähistorische Petroglyphen erinnern. Doch diese Werke auf eine bloße primitive Referenz zu reduzieren, würde ihrer intellektuellen Komplexität nicht gerecht. Diese Gravuren in der malerischen Substanz erzeugen ein anspruchsvolles Spiel zwischen Oberfläche und Tiefe, das an Maurice Merleau-Pontys Überlegungen zur Phänomenologie der Wahrnehmung erinnert. Die Oberfläche ist nicht länger nur ein Träger, sie wird zu einem taktilen und visuellen Erkundungsfeld, in dem der Blick des Betrachters konstant herausgefordert wird.
Seine Ausbildung an der École des Beaux-Arts in Paris in den 1970er Jahren ist wichtig, um seine künstlerische Entwicklung zu verstehen. Seine Rebellion gegen die klassische Lehre war keine bloße Pose eines jungen rebellischen Künstlers. Sie stellte eine echte philosophische Haltung zur Natur der zeitgenössischen Kunst dar. Indem er das akademische Korsett ablehnte und gleichzeitig in Paris blieb, demonstrierte Brown ein differenziertes Verständnis dessen, was Roland Barthes als “Tod des Autors” bezeichnete. Es ging nicht darum, jede Tradition abzulehnen, sondern die Codes sich anzueignen, um sie besser zu unterwandern.
Reisen durch Europa, insbesondere nach Italien, prägten seine Praxis tiefgreifend. Der Einfluss der italienischen mittelalterlichen Malerei ist in seiner Nutzung des Bildraums und seiner Behandlung der menschlichen Figur sichtbar. Doch Brown zitiert diese historischen Referenzen nicht nur, er transformiert sie durch die Linse seiner zeitgenössischen Sensibilität. Wie Walter Benjamin sagen würde, erschafft er ein “dialektisches Bild”, in dem Vergangenheit und Gegenwart auf produktive Weise kollidieren.
Diese erste Periode gipfelt in seinen New Yorker Ausstellungen der 1980er Jahre, insbesondere bei Tony Shafrazi und Leo Castelli. Im lebhaften Kontext des East Village zeichneten sich seine Werke durch die Ablehnung des einfachen Spektakels aus. Während einige seiner Zeitgenossen den Verlockungen des Marktes erlagen, bewahrte Brown eine künstlerische Integrität, die Respekt erzwingt. Seine Gemälde aus dieser Zeit weisen Affinitäten mit der Arbeit von Jean-Michel Basquiat auf, ohne jemals in Nachahmung zu verfallen. Bei Brown gibt es eine intellektuelle Strenge, die einfache Vergleiche übersteigt.
Die Ansiedlung in Mexiko im Jahr 1995 markiert einen neuen Wendepunkt in seiner Praxis. In Oaxaca entwickelt Brown einen Ansatz, der lokale Traditionen integriert und dabei seine zeitgenössische Sprache bewahrt. Seine Zusammenarbeit mit lokalen Handwerkern bei der Herstellung traditioneller Teppiche ist kein bloßes kulturelles Aneignungsprojekt. Sie repräsentiert das, was Jacques Rancière als ein “Teilung des Sinnlichen” bezeichnen würde, eine Neuverteilung von Rollen und Kompetenzen, die die traditionelle Hierarchie der Kunst herausfordert.
Die Gründung von Carpe Diem Press zusammen mit seiner Frau Alexandra ist ebenfalls bedeutsam. Dieses Verlagshaus, das limitierte Künstlerbücher unter Verwendung traditioneller Druckmethoden produziert, stellt eine natürliche Erweiterung seiner künstlerischen Praxis dar. Es geht dabei nicht nur darum, schöne Objekte zu erzeugen, sondern Räume für den Dialog zwischen verschiedenen Traditionen und künstlerischen Praktiken zu schaffen.
Die zweite Periode Browns beginnt mit seiner Erforschung der kosmischen Abstraktion und seiner spirituellen Suche. Ab 2004 startet er ein monumentales Projekt “The Realm of Chaos and Light”, inspiriert von Gustav Holsts “Die Planeten”, und schafft eine Serie von 81 abstrakten Gemälden, die in Konstellationen von neun angeordnet sind. Dieses Vorgehen könnte überheblich erscheinen, wäre es nicht durch eine rigorose Methodologie gestützt, die an die Forschungen von Vassily Kandinsky über die Korrespondenz zwischen Musik und Malerei erinnert.
In diesen Werken entwickelt Brown eine einzigartige Technik: Er beginnt damit, Punkte und Farbflecken auf der rohen Leinwand zu platzieren und schafft eine zufällige Kartografie, die er anschließend mit feinen Bleistiftlinien verbindet. Diese Methode erinnert an Paul Klees Arbeiten zur aktiven Linie, doch Brown fügt eine kosmologische Dimension hinzu, die über die einfache Geometrie hinausgeht. Die Formen, die aus diesem Prozess entstehen, Asteroiden, Schwarze Löcher, Konstellationen, sind keine einfachen Darstellungen, sondern Portale zu einer transzendentalen Erfahrung.
Die mit Bleistift gezogenen Verbindungen zwischen den Punkten schaffen ein unregelmäßiges Netzwerk, das sowohl an himmlische Konstellationen als auch an neuronale Strukturen erinnert. Brown erschafft so das, was Michel Foucault als “piktoriale Heterotopien” bezeichnet hätte, andere Räume, die gleichzeitig in der physischen und mentalen Welt existieren.
Faszinierend an dieser Serie “The Realm of Chaos and Light” ist, wie Brown ein fragiles Gleichgewicht zwischen Kontrolle und Zufall herstellt. Jede Leinwand ist das Ergebnis eines rigorosen Prozesses, der jedoch dem Unerwarteten Raum lässt. Dieser Ansatz erinnert an John Cages Überlegungen zur Rolle des Zufalls in der künstlerischen Schöpfung, jedoch mit einer spirituellen Dimension, die ihm eigen ist. Brown erschafft das, was Gilles Deleuze “begehrende Maschinen” genannt hätte, Assemblagen, die das Verlangen nach Transzendenz erzeugen und kanalisieren.
Browns Arbeit an dieser Serie offenbart eine beeindruckende technische Meisterschaft. Die Farbauftragspassagen in Bögen oder winkligen Streifen in nahen Blau- und Braun-Tönen formen Gebilde, die Asteroiden und Schwarze Löcher suggerieren. Doch diese Formen sind niemals vollständig definiert, sie verbleiben in einem Zustand ständiger Werdung, der aktiv die Vorstellungskraft des Betrachters fordert.
In dieser Serie “The Realm of Chaos and Light” erreicht Brown eine Form malerischer Sublimation, die seine gewöhnliche Produktion übersteigt. Diese Werke, besonders in ihrem monumentalen Format, verkörpern das, was Kandinsky die “innere Notwendigkeit” der Kunst nannte, einen Moment, in dem Materie Geist wird. Museale Institutionen und Sammler haben das gut verstanden und suchen eifrig nach diesen Gemälden, die wie zeitgenössische Theophanien den genauen Augenblick manifestieren, in dem Chaos und Licht in einem kosmischen Tanz verschmelzen.
Der Einfluss seiner mexikanischen Jahre ist besonders sichtbar in seiner späten Farbpalette. Erdige Töne und Ocker erinnern an die Landschaften von Oaxaca, doch diese Farben werden in einer Weise verwendet, die jede direkte Landschaftsreferenz übersteigt. Bei Brown gibt es ein tiefes Verständnis dessen, was Gaston Bachelard “Psychologie der Materie” nannte, eine Sensibilität für die intrinsischen Qualitäten der Materialien und Farben.
Seine in den 1990er Jahren intensivierte Collage-Praxis verdient besondere Beachtung. Weit davon entfernt, lediglich synthetischen Kubismus von Picasso und Braque zu zitieren, erfindet Brown das Medium neu, indem er eine spirituelle Dimension einführt, die das bloße formale Spiel übersteigt. Seine Collagen integrieren oft natürliche Elemente, Korallen, Muscheln, Fotografien tropischer Fische, in Kompositionen, die tiefe Verbindungen zwischen Mikrokosmos und Makrokosmos suggerieren.
Browns Papierarbeiten zeigen eine bemerkenswerte Mittelökonomie, die nicht ohne Erinnerungen an die Zen-Konzepte des “Wabi-Sabi” ist. In der Serie “24 Drawings from a Treasure Room” (1994-95) deuten die Zeichnungen erkennbare Objekte an, ein Schiff, eine Perlenkette, ein Boot, ein Gesicht, ein schematischer Schwan, doch diese Formen sind kaum lesbar, wie flüchtige Erscheinungen in einem malerischen Nebel.
Was bei Brown wirklich bemerkenswert ist, ist, dass er eine tiefe Kohärenz durch eine vielförmige Praxis aufrechterhält, die Malerei, Skulptur, Keramik und Edition umfasst. Brown entschied sich für den Weg der Komplexität und ständigen Erforschung. Seine unersättliche Neugier und intellektuelle Strenge machen ihn zu einem Vorbild für eine wirklich zeitgenössische künstlerische Praxis. Brown überwindet einfache Gegensätze zwischen Abstraktion und Figuration, zwischen Spiritualität und Materialität, zwischen Tradition und Innovation.
Sein tragischer Tod im Jahr 2020 bei einem Autounfall in Mexiko, zusammen mit seiner Frau Alexandra, erscheint fast wie eine Metapher seines Lebens: immer in Bewegung, immer zwischen zwei Welten. Doch sein Werk bleibt ein lebendiges Zeugnis eines Lebens, das der Erforschung der Grenzen zwischen Sichtbarem und Unsichtbarem, Materiellem und Spirituellem, Ordnung und Chaos gewidmet ist. In einer Kunstwelt, die oft von Zynismus und Oberflächlichkeit dominiert wird, leuchten die Integrität und Tiefe seines Ansatzes wie ein Leuchtturm in der Nacht.
