Hört mir gut zu, ihr Snobs, es ist Zeit, über Jean-Charles Blais zu sprechen, geboren 1956 in Nantes, ein Künstler, der es geschafft hat, urbane Abfälle in Gold zu verwandeln, nicht das grelle Gold der Spekulanten, sondern das wahre Gold der Kunst, die stört und bleibt. Da ist jemand, der seit vierzig Jahren dem Kunstestablishment mit dem Malen auf zerrissenen Plakaten die Zunge herausstreckt.
In den 1980er Jahren, während die meisten Künstler in einer so ungehemmten freien Figuration schwelgten wie in einer Karaoke-Party, grub Blais eine tiefere, radikalere Furche. Seine ersten Giganten mit angeschwollenen Körpern, winzigen oder fehlenden Köpfen, schienen die Last der Welt auf ihren überdimensionierten Schultern zu tragen. Diese grotesken Figuren, diese missgestalteten Wesen waren wie eine Ohrfeige für die bürgerliche Kunst. Eine scharfe Antwort auf den bürgerlichen Humanismus, wie Walter Benjamin in seinen Überlegungen zur mechanischen Reproduktion der Kunst angemerkt hätte. Diese monströsen Gestalten, im Bildraum eingezwängt wie Sardinen in ihrer Dose, verkörperten die moderne menschliche Bedingung besser als alle philosophischen Abhandlungen.
Sehen Sie sich “La Honte” von 1983 an, dieses monumentale Diptychon von 278 x 192 Zentimetern. Zwei Titanen mit übergroßen Gliedmaßen, die versuchen, ihrem Rahmen zu entkommen wie Gefangene aus ihrer Zelle. Ihre unbeholfenen Gesten, ihre grotesken Posen erzählen unser existenzielles Unbehagen besser als alle Analysen von Sartre. Das ist absurdes Theater in der Malerei, Beckett in zwei Dimensionen. Und sagen Sie mir nicht, dass es “nur” Malerei auf zerissenen Plakaten ist. Das wäre so, als würde man sagen, Guernica sei “nur” Malerei auf Leinwand.
Diese erste Periode von Blais ist eine beeindruckende Ohrfeige für die etablierte zeitgenössische Kunst. Seine Figuren mit riesigen Körpern und lilliputanischen Köpfen sind eine perfekte Metapher für unsere Gesellschaft: Körper, vollgestopft mit Konsum, aber Köpfe, die vom Einheitsdenken geschrumpft sind. Das wäre, was Theodor Adorno eine “negative Dialektik” genannt hätte, Kunst, die sich weigert, sich mit der Realität zu versöhnen, die sie anprangert.
Aber täuscht euch nicht, es war keine bloße Stilübung oder eine kostenlose Provokation. Indem er zerrissene Plakate als Träger verwendete, vollbrachte Blais einen radikalen Akt künstlerischer Aneignung. Wie John Berger in “Ways of Seeing” schrieb, verspricht das Werbebild eine Zukunft, die zum Konsumobjekt wird. Indem Blais auf diesen zerrissenen Versprechen malte, verwandelte er die kommerzielle Lüge in künstlerische Wahrheit. Die Unregelmäßigkeiten des Trägers, seine Blasen und Risse wurden Teil des Werks, wie Narben im Gesicht eine Geschichte erzählen.
Diese Wahl des Trägers war kein Zufall. In einer von Werbebildern übersättigten Gesellschaft waren diese Bilder als Rohmaterial zu verwenden sowohl ein politischer als auch ein ästhetischer Akt. Wie Guy Debord analysiert hätte, war es eine Art, das Spektakel gegen sich selbst zu wenden. Jedes abgerissene Plakat, jede aufgerissene Papierschicht wird unter seinen Händen zu einem Manifest gegen die Konsumgesellschaft.
Ab 1990 bot uns der Künstler einen zweiten, ebenso wirkungsvollen Akt. Die grotesken Männchen weichen geisterhaften Silhouetten, Schatten, die auf dem Papier tanzen wie die Gefangenen in Platons Höhle. Die Metrostation Assemblée Nationale in Paris wurde sein lebensgroßer Spielplatz. Ein monumentales Fries, auf dem seine gespenstischen Figuren zu uns zu sagen scheinen: “Seht her, ihr, die ihr eilig vorbeigeht, so wird die Menschheit im Zeitalter der Geschwindigkeit.”
Diese Entwicklung war kein Bruch, sondern eine notwendige Metamorphose. Die massiven Körper wurden schlanker und wurden zu flüchtigen Silhouetten, als ob die Materialität der Malerei selbst sich in der Zeitluft aufgelöst hätte. Das ist, was Maurice Merleau-Ponty “das Fleisch des Sichtbaren” genannt hätte, jener Moment, in dem die Form so rein wird, dass sie das Unsichtbare berührt.
Linda Nochlin hätte es geschätzt, wie Blais systematisch die Codes der Darstellung dekonstruiert. Seine gesichtslosen Figuren trotzen unserem Bedürfnis nach Identifikation, unseren Erwartungen an Narrativität. Es ist eine Kunst, die sich weigert, auf eine einfache Geschichte reduziert zu werden, die der Versuchung einer einzigen Deutung widersteht wie ein rebellischer Jugendlicher gegen elterliche Gebote. Jedes Werk ist eine Herausforderung an den Betrachter: “Also, glaubst du wirklich, du kannst mich so leicht verstehen?”
Die 1990er Jahre sahen Blais also neue Territorien erkunden. Er wagte sich in die dritte Dimension mit Skulpturen von Büsten und Köpfen in “elastischer Schwerelosigkeit”. Er arbeitete mit Modedesignern zusammen, verwandelte seine Silhouetten in Schnittmuster und spielte mit der Idee des Körpers als soziale Konstruktion. Diese Experimente waren keine Abschweifungen, sondern natürliche Erweiterungen seiner Forschung zur menschlichen Figur und deren Metamorphosen.
In seiner Serie “sur mesure” von 1998 treibt er diese Erforschung noch weiter, indem er seine Werke aus Stoff von einem Schneiderei-Studio anfertigen ließ. Ein Vorgehen, das Marcel Duchamp zum Schmunzeln gebracht hätte, der so gerne die Grenzen zwischen Kunst und Handwerk verwischte. Diese textilen Werke sind wie Geister seiner Gemälde, materielle Echos seiner gemalten Silhouetten.
Seit den 2000er Jahren hat sich Blais mit derselben ikonoklastischen Kühnheit auf das digitale Abenteuer eingelassen. Einige würden sagen, er habe seine malerischen Ursprünge verraten. Ich sage, er setzt seine Suche mit bemerkenswerter Kohärenz fort. Seine digitalen Projektionen sind für Pixel, was seine zerrissenen Plakate für Papier waren: ein rohes Material, das zu transformieren und zu transzendieren ist. Wie Rosalind Krauss betont hätte, erkundet er die Bedingungen der Möglichkeit des Mediums selbst.
Im Jahr 2013 präsentiert die Pinakothek der Moderne in München “Die digitale Linie”, eine Ausstellung, die ihre digitalen Werke zusammenbringt. Dort entdeckt man bewegte Formen, tanzende Schatten, Figuren, die sich bilden und auflösen wie in einem elektronischen Traum. Es ist Blais, der seine Forschung zur Figur bis zu ihrer ultimativen Entmaterialisierung vorantreibt. Friedrich Kittler hätte darin eine perfekte Illustration seiner Medientheorie gesehen: wie das Digitale unsere Beziehung zum Bild und zum Körper verändert.
Aber was mir bei Blais am meisten gefällt, ist, dass er eine ständige Spannung zwischen Abstraktion und Figuration, zwischen Anwesenheit und Abwesenheit aufrechterhält. Seine jüngsten Silhouetten, die auf die Vorderseite von Werbeplakaten gemalt sind, wirken wie Geister, die die Ruinen unserer Konsumgesellschaft heimsuchen. Figuren, die aus den Zwischenräumen der verblassten Slogans auftauchen und das schaffen, was man als eine Politik des Zwischenraums bezeichnen könnte. Anstatt die Werbeplakate wie in den 1980er Jahren umzudrehen, malt er jetzt auf deren bedruckter Vorderseite und lässt Fragmente von Texten und kommerziellen Bildern unter seinen schwarzen Figuren durchscheinen. Das ist eine Art zu sagen, dass wir alle von diesen Bildern, diesen Slogans, diesen Versprechen kommerziellen Glücks bewohnt sind. Aber es ist auch eine Art, sie zu transzendieren, sie zu etwas anderem zu verwandeln.
In seinem Atelier in Saint-Paul de Vence, wo er seit den 1980er Jahren arbeitet, nicht weit von der Fondation Maeght, wo ich als Gastkurator tätig war, erkundet Blais weiterhin dieses einzigartige Gebiet, das er sich geschaffen hat. Zwischen den dicken Mauern dieser ehemaligen Kapelle, die zum Atelier umgebaut wurde, setzt er seine Suche mit ungebrochener Energie fort. Wie er selbst sagt: “Ich bin ein Künstler, der keine Idee, kein Bildthema in Gedanken hat, kein Projekt. Meine Malerei ist ohne Absicht…” Eine falsche Bescheidenheit, die eine tiefe Wahrheit verbirgt: Wahre Kunst entsteht oft aus dieser völligen Offenheit für das, was geschieht.
Oberflächliche Kritiker werden sagen, Blais wiederhole sich, drehe sich im Kreis um seine Obsessionen. Aber das versteht die Natur seiner Vorgehensweise überhaupt nicht. Wie Gilles Deleuze schrieb, ist Wiederholung nicht die Reproduktion des Gleichen, sondern die Produktion von Unterschied. Jedes neue Werk von Blais ist eine Variation, die seine bildliche Sprache bereichert, seine Forschung an der menschlichen Figur und ihren Metamorphosen vertieft.
Die Werke von Jean-Charles Blais sind keine Fenster zur Welt, sondern Spiegel, die unserer gehetzten, abgelenkten, von Bildern besessenen Gesellschaft entgegengehalten werden. Jede Figur, die aus diesen Schichten von Plakaten auftaucht, ist wie ein Überlebender unserer Wegwerfgesellschaft, ein Zeuge unserer komplexen Beziehung zu Bild und Konsum. Das ist, was Jacques Rancière einen “Teil des Sinnlichen” nennen würde, eine Umverteilung der Beziehungen zwischen Sichtbarem und Unsichtbarem, Sagbarem und Unsagbarem.
Blais ist genau das, was unsere Zeit braucht: ein Künstler, der sich einfachen Etiketten widersetzt, der weiter erforscht, experimentiert und uns überrascht. In einer von Marketingstrategien und Medienaktionen dominierten Kunstwelt bewahrt er eine seltene Forderung, eine Authentizität, die Respekt erzwingt.
Seine Werke sind in den größten öffentlichen Sammlungen der Welt vertreten, vom MoMA in New York bis zum Centre Pompidou in Paris und der Tate Gallery in London. Aber was wirklich zählt, ist, dass er uns nach vier Jahrzehnten Schaffens weiterhin anspricht, uns Fragen stellt, uns herausfordert. Seine Kunst ist nicht dazu da, die Salons der Neureichen zu schmücken oder Inhalte für soziale Netzwerke zu erzeugen. Sie soll uns daran erinnern, dass Kunst noch immer eine Erfahrung sein kann, die unseren Blick auf die Welt verändert.
Also ja, gehen Sie zu seinen Ausstellungen. Konfrontieren Sie sich mit diesen gesichtslosen Figuren, die uns so ähneln. Lassen Sie sich von diesen fragmentierten Körpern, diesen rätselhaften Silhouetten, die unsere Wände wie die Gespenster unserer in der Krise befindlichen Menschlichkeit heimsuchen, verunsichern. Und wenn Sie damit nichts anfangen können, dann ist das eben so. Sie können immer noch die neuesten angesagten Instagram-tauglichen Installationen bewundern. Aber kommen Sie nicht und weinen, wenn man in dreißig Jahren immer noch über Blais spricht, während Ihre angesagten Künstler längst vergessen sein werden.
Denn letztlich ist das die Größe von Jean-Charles Blais: eine Kunst geschaffen zu haben, die sich den Moden entzieht und dabei tief in ihrer Zeit verwurzelt bleibt. Eine Kunst, die uns von unserer menschlichen Existenz erzählt, ohne je ins Pathos oder die Einfachheit abzurutschen. Eine Kunst, die, wie Roland Barthes gesagt hätte, den Punkt erreicht, an dem Zeichen zu träumen beginnen.
