Hört mir gut zu, ihr Snobs, die ihr meint, alles über zeitgenössische Kunst zu wissen. Heute werden wir über Jeff Koons (geboren 1955) sprechen, dieses Marketing-Genie, das sich zum Künstler wandelte, oder war es umgekehrt?
Beginnen wir mit dem ersten Merkmal seines Werks: die absolute Vermarktlichung der Kunst. Koons ist der geistige Erbe Warhols, aber zynischer, berechnender. Als ehemaliger Wall-Street-Trader hat er perfekt verstanden, dass in unserer Gesellschaft des Spektakels, wie Guy Debord gesagt hätte, nicht das Objekt zählt, sondern seine Repräsentation. Und welche bessere Repräsentation gibt es als den Kitsch, der zur Kunst erhoben wird?
Nehmen Sie “Balloon Dog” zum Beispiel. Diese monumentale Skulptur aus poliertem Edelstahl, die für die bescheidene Summe von 58,4 Millionen Dollar verkauft wurde, ist nichts anderes als ein übergroßer Jahrmarktballon. Aber das ist der boshafte Genius von Koons: Indem er dieses triviale Objekt in ein monumentales Kunstwerk verwandelt, spielt er nicht nur mit den Codes der Kunst, sondern verfälscht sie vollständig. Walter Benjamin sprach vom Aura des Kunstwerks in der Zeit seiner technischen Reproduzierbarkeit. Koons hingegen schafft eine künstliche Aura um Objekte, die niemals eine hatten.
Das zweite Merkmal seiner Arbeit ist seine obsessive Beziehung zur technischen Perfektion. Jedes Werk wird mit nahezu industrieller Präzision in seinen Ateliers produziert, wo Dutzende Assistenten wie moderne Mönchskopisten arbeiten. Diese Suche nach Perfektion erinnert an die Werkstätten der Renaissance, aber während ein Verrocchio seine Lehrlinge zu Meistern ausbildete (fragen Sie Leonardo da Vinci), verwandelt Koons seine Assistenten in einfache ausführende Arbeiter einer Vision, die er nicht einmal selbst zu materialisieren würdigt.
Nehmen wir “Rabbit” (1986), das 2019 für 91,1 Millionen Dollar verkauft wurde, ein absoluter Rekord für ein Werk eines lebenden Künstlers und knapp über dem Bild “Portrait of an Artist (Pool with two figures)” von David Hockney. Diese Skulptur aus Edelstahl, eine Reproduktion eines billigen aufblasbaren Hasen, wurde zum Emblem seiner Kunst. Warum? Weil sie perfekt das verkörpert, was Roland Barthes die moderne “Mythologie” nannte: ein alltägliches Objekt, das zu einer Ikone verwandelt wird, seiner ursprünglichen Bedeutung entleert, um ein reines Symbol zu werden. Koons’ Hase ist kein Kinderspielzeug mehr, sondern ein Totem des späten Kapitalismus.
Diese alchemistische Verwandlung des Banalen in das Außergewöhnliche führt uns zum dritten Merkmal seines Werks: seine komplexe Beziehung zur Popkultur. Im Gegensatz zu seinen Vorgängern des Pop Art, die die Massenkultur als Rohstoff nutzten, um sie zu kritisieren (denken Sie an Roy Lichtenstein), umarmt Koons sie ohne offensichtliche kritische Distanz. Er prangert die Konsumgesellschaft nicht an, er feiert sie mit einer fast religiösen Inbrunst.
Seine Serie “Banality” ist in dieser Hinsicht besonders aufschlussreich. Wenn er “Michael Jackson and Bubbles” (1988) schafft, eine goldene Porzellanskulptur, die den Popstar mit seinem Schimpansen darstellt, dokumentiert er nicht nur eine kulturelle Ikone, sondern beteiligt sich aktiv an deren Mythologisierung. Das wäre es, was Jean Baudrillard einen “Simulakrum” genannt hätte: eine Kopie ohne Original, eine Darstellung, die realer wird als das, was sie darstellt.
Die Materialwahl bei Koons ist niemals zufällig. Das spiegelpolierte Edelstahl seiner berühmtesten Skulpturen erzeugt einen Reflexionseffekt, der den Betrachter zwingt, sich selbst im Werk zu sehen. Diese narzisstische Interaktion ist perfekt kalkuliert: In einer Gesellschaft, die von ihrem eigenen Bild besessen ist, was könnte verlockender sein als ein Kunstwerk, das uns buchstäblich unser Spiegelbild zurückwirft?
Seine Serie “Celebration”, begonnen 1994, treibt diese Logik bis zum Äußersten. Die “Balloon Dog”, “Hanging Heart”, “Diamond”, all diese monumentalen Skulpturen sind bestens kalibrierte Objekte der Begierde für unsere Instagram- und Selfie-Zeit. Sie sind zugleich sofort wiedererkennbar und spektakulär genug, um einen konstanten Fluss von Fotos in den sozialen Medien zu erzeugen. Das ist es, was Guy Debord in seinem Essay “Die Gesellschaft des Spektakels” nicht vorausgesehen hat: Kunst, die nicht nur zum Spektakel wird, sondern auch unendlich viele Sekundärspektakel generiert.
Aber vielleicht ist es in seiner Serie “Antiquity”, wo Koons sein perverses Genie am besten offenbart. Indem er Nachbildungen klassischer Werke mit zeitgenössischen Objekten nebeneinanderstellt, spielt er nicht nur mit der Kunstgeschichte, er kannibalisiert sie. Wenn er eine blaue reflektierende Kugel auf eine perfekte Kopie des “Torse du Belvédère” setzt, zollt er der Antike keinen Tribut, sondern verwandelt sie in ein Requisit seiner eigenen Show.
Das Paradox bei Koons ist, dass er sowohl völlig ernsthaft als auch zutiefst zynisch ist. Wenn er behauptet, “Schuld und Scham” durch seine Kunst “beseitigen” zu wollen, kann man ihm glauben. Doch diese scheinbar edle Mission verbirgt eine beunruhigendere Realität: Indem er jegliche kritische Distanz beseitigt und Kunst in reine Unterhaltung verwandelt, trägt er aktiv zur Zerstörung dessen bei, was das Spezifikum der künstlerischen Erfahrung ausmacht.
Die Grenze zwischen Kunst und Kommerz existiert nicht mehr. Anders als Marcel Duchamp, der die Ready-mades benutzte, um die Natur der Kunst selbst zu hinterfragen, verwendet Koons Alltagsgegenstände, um Ikonen der Konsumgesellschaft zu schaffen. Das ist es, was Theodor Adorno als perfekte Verkörperung der Kulturindustrie bezeichnet hätte.
Die Kontroverse um sein Werk “Bouquet of Tulips”, das Frankreich als Hommage an die Opfer der Terroranschläge von 2015 geschenkt wurde, illustriert die Widersprüche seiner Kunst perfekt. Diese riesige Hand, die bunte Tulpenballons hält, die an die Freiheitsstatue erinnern soll, wurde als zynische Selbstpromotion kritisiert. Aber ist das nicht genau das, was Koons seit Beginn seiner Karriere tut? Die Tragödie in eine Show, die Trauer in Entertainment zu verwandeln?
Sein jüngstes Projekt “Jeff Koons: Moon Phases”, das den Versand von 125 Miniaturskulpturen auf den Mond vorsieht, treibt diese Logik zu ihrem kosmischen Höhepunkt. Koons begnügt sich nicht mehr damit, den irdischen Kunstmarkt zu erobern, er zielt buchstäblich auf die Sterne. Das ist es, was Friedrich Nietzsche vielleicht den “Willen zur Macht”, bis zu seiner extremen Absurdität getrieben, genannt hätte.
Die eigentliche Frage ist vielleicht nicht, ob Koons ein großer Künstler ist, sondern zu verstehen, was sein Erfolg über unsere Zeit aussagt. In einer Welt, in der Wert zunehmend von der Realität entkoppelt ist, in der das Bild über die Substanz siegt, wo die Show zur einzigen Realität geworden ist, ist Koons weniger ein Künstler als ein Symptom.
Seine Werke sind perfekt an eine Epoche angepasst, in der Kunst zu einer finanziellen Anlage wie jeder anderen geworden ist, in der Museen im Wettbewerb stehen, um mit “instagramtauglichen” Werken Besucher anzuziehen, wo die Grenze zwischen Kultur und Unterhaltung völlig verschwunden ist. In diesem Sinn ist Koons vielleicht der ehrlichste Künstler unserer Zeit: Er gibt nicht vor, das System zu transzendieren, er verkörpert es vollkommen.
Denn was sagt uns Koons mit seinen riesigen aufblasbaren Hasen, seinen monumentalen Ballonhunden und seinen Venusfiguren mit glatten, plastikähnlichen Kurven wirklich? Er sagt uns, dass in unserer postmodernen Welt der Unterschied zwischen High Art und Low Art, zwischen authentisch und künstlich, zwischen tiefgründig und oberflächlich keinen Sinn mehr macht. Und das ist vielleicht das Beunruhigendste: Nicht, dass Koons ein Scharlatan ist, sondern dass er der perfekte Spiegel unserer Zeit ist.
Wie Jean-François Lyotard gesagt hätte, sind wir in das Zeitalter der “postmodernen Bedingung” eingetreten, in dem die großen Erzählungen, die der Kunst Sinn verliehen, zusammengebrochen sind. Koons erzählt keine neue Geschichte, er feiert dieses Fehlen von Geschichte. Seine Werke bedeuten nichts über ihre eigene Show hinaus, und genau das macht sie so perfekt zeitgenössisch.
Abschließend lässt sich sagen, dass Jeff Koons weder ein Genie noch ein Hochstapler ist, sondern der perfekte Künstler unserer Zeit, derjenige, der verstanden hat, dass in einer Welt, in der alles Ware ist, die beste Strategie darin besteht, diese Bedingung anzunehmen, anstatt sie zu bekämpfen. Seine Werke sind nicht so sehr Kunstobjekte als Spiegel, im buchstäblichen wie im übertragenen Sinne, in denen unsere narzisstische Gesellschaft ihr eigenes Spiegelbild mit einer Mischung aus Faszination und Entsetzen betrachtet.
Und ihr, ihr Snobs, die ihr seine Werke von oben herab betrachtet und dabei Selfies davor macht, seid ihr nicht genau die perfekten Zuschauer, die er sich immer gewünscht hat? Bildkonsumenten, die sich für Kritiker halten und zugleich am Spektakel teilnehmen? Wie Baudrillard sagen würde: Willkommen in der Hyperrealität der zeitgenössischen Kunst.
