Hört mir gut zu, ihr Snobs: Josh Smith malt, wie man atmet, mit dieser existenziellen Dringlichkeit, die wahre Schöpfer unserer Zeit auszeichnet. In seinem Lagerhaus in Brooklyn, das in einen weitläufigen künstlerischen Komplex verwandelt wurde, entwickelt dieser 1976 auf einer Militärbasis in Okinawa geborene Künstler seit über zwei Jahrzehnten ein Werk, das die Grundlagen des zeitgenössischen malerischen Ausdrucks hinterfragt. Seine Leinwände, ob sie nun grellbunte tropische Palmen, grinsende Sensemänner oder seine eigenen unendlich wiederholten Signaturen darstellen, bilden ein künstlerisches Corpus von verstörender Kohärenz unter scheinbarer Zerstreuung.
Smiths Werk ist Teil jener Tradition der zeitgenössischen Kunst, die ihre postmoderne Bedingung vollumfänglich annimmt und mit einer verblüffenden Geschicklichkeit zwischen Aufrichtigkeit und Zynismus navigiert. Seine Gemälde, die im bewusst “lässigen” Stil ausgeführt sind, erforschen die ambivalenten Territorien, wo authentischer Ausdruck auf mechanisierte Reproduktion, rohe Emotion auf konzeptuelle Kalkulation trifft.
Die Soziologie der schöpferischen Isolation
Josh Smiths kreativer Ansatz offenbart eine besonders eindrückliche soziologische Dimension, die die Bedingungen der künstlerischen Produktion in der zeitgenössischen Metropole beleuchtet. Sein Schaffensprozess dreht sich um das, was er selbst als “locked in” bezeichnet, einen Zustand freiwilliger Isolation, der sich über mehrere Monate in seiner Atelier-Residenz in Brooklyn erstrecken kann. Diese Praxis der schöpferischen Einkehr hinterfragt unmittelbar die Modalitäten künstlerischer Geselligkeit in einer Stadt wie New York, wo Wettbewerbsdruck und Hyperstimulation die grundlegenden Daten der kreativen Existenz bilden.
Der Künstler beschreibt diese paradoxe Bedingung mit bemerkenswerter Klarheit: “Ich verbringe lange Zeiten allein, manchmal monatelang. Manchmal verlasse ich mein Atelier sechs Monate lang nicht” [1]. Diese Aussage offenbart eine Widerstandsstrategie gegen das, was Georg Simmel bereits zu Beginn des 20. Jahrhunderts als die entfremdenden Effekte des modernen Metropolenlebens identifizierte. Smith entwickelt eine Form des umgekehrten “nüchternen” Zustands: Anstatt sich durch Gleichgültigkeit vor der städtischen Informationsflut zu schützen, wählt er die radikale Subtraktion.
Diese Praxis der Isolation ist nicht einfach künstlerische Menschenfeindlichkeit, sondern Teil einer komplexen psychischen Ökonomie, in der Einsamkeit zur notwendigen Bedingung für das Entstehen authentischen Ausdrucks wird. “Um ein guter Künstler zu sein, denke ich, muss man das Gefühl haben, zu fallen. Das ist unangenehm und eine etwas ungesunde Lebensweise” [1]. Diese Metapher des Falls erinnert an die Analysen, die Zygmunt Bauman der “flüssigen Moderne” widmete, in der der zeitgenössische Mensch ständig seine Existenzweisen neu erfinden muss, ohne sich auf stabile Strukturen stützen zu können.
Das Atelier von Smith funktioniert wie ein autonomer sozialer Mikrokosmos, ausgestattet mit mehreren Arbeitsbereichen, einer Bibliothek mit metallischen Regalen, die bis zur Decke reichen, und sogar einem unterirdischen Garten, in dem der Künstler sein Grünzeug anbaut. Diese räumliche Konfiguration drückt den Wunsch nach Autarkie aus, der auf die Fehlfunktionen der zeitgenössischen urbanen Geselligkeit reagiert. Der Künstler flieht nicht einfach vor der Gesellschaft; er stellt eine miniaturisierte und kontrollierte Version davon wieder her.
Die soziologische Dimension dieser Praxis zeigt sich auch in der Art und Weise, wie Smith Schöpfung und soziale Vermittlung verbindet. Seine Gemälde werden zu Trägern einer verzögerten Kommunikation mit einem Publikum, das er nicht direkt treffen kann. “Ich versuche, meine Arbeit so zu machen, dass sie vielen verschiedenen Menschen gefällt: Kindern und Erwachsenen. Ich möchte, dass die Leute meine Arbeit ansehen und genau verstehen, wie sie entstanden ist” [1]. Diese technische Transparenz stellt eine Form sozialer Großzügigkeit dar, die die Isolation des schöpferischen Prozesses kompensiert.
Die außergewöhnliche Produktivität von Smith wird aus dieser soziologischen Perspektive verständlich. Seine repetitiven Serien, Palmen, Unterschriften und Monochrome, fungieren als Rituale zur Abwehr der Einsamkeit. Die Wiederholung der malerischen Geste schafft eine alternative Zeitlichkeit zur urbanen Sozialisation, eine zyklische und beruhigende Zeitlichkeit, die dem Künstler ermöglicht, eine Form des Kontakts zur Welt wiederzufinden, ohne ihren Gewalttätigkeiten ausgesetzt zu sein.
Dieser soziologische Ansatz zeigt, wie die zeitgenössische Kunst Überlebensstrategien im Angesicht der Pathologien der fortgeschrittenen Moderne entwickelt. Die Isolation von Smith ist kein Rückzug vom Sozialen, sondern eine Methode, dessen Widersprüche aufzudecken und neue Formen kollektiver Verbindungen durch das Kunstwerk zu erfinden.
Tragischer Hedonismus: ein psychoanalytischer Ansatz
Das Werk von Josh Smith entfaltet ein komplexes emotionales Register, das eine psychoanalytische Lektüre nahelegt, bei der auf Abwehrmechanismen und die unbewussten Strukturen geachtet wird, die seine künstlerische Produktion prägen. Seine Gemälde offenbaren das, was man als tragischen Hedonismus bezeichnen könnte, eine libidinöse Ökonomie, in der die Suche nach ästhetischem Genuss ständig auf existentielle Angst und depressive Manifestationen stößt.
Der Künstler spricht ohne Umschweife seine Beziehung zur Depression an: “Viele meiner Werke illustrieren meine Depression, insbesondere die abstrakten Gemälde” [1]. Diese explizite Anerkennung der symptomatischen Dimension der Kunst ebnet den Weg zu einem Verständnis der Sublimationsmechanismen, die in seiner Praxis wirken. Nach der freudianischen Theorie ermöglicht Sublimation die Umlenkung von Trieben auf gesellschaftlich bewertete Objekte, wodurch psychisches Leiden in ästhetische Schöpfung verwandelt wird.
Die repetitiven Serien von Smith wirken wie obsessive Formationen, die versuchen, Angst durch die Ritualisierung der schöpferischen Geste zu beherrschen. Seine tropischen Palmen, zwanghaft in gesättigten Farben gemalt, rufen Fantasien einer Flucht an einen irdischen Eden hervor, die heftig mit der Realität seiner Isolation in Brooklyn kontrastieren. Diese Dialektik zwischen Fluchtwunsch und realer Gefangenheit offenbart Verdrängungsmechanismen, die für bestimmte neurotische Organisationsformen typisch sind.
Die Praxis der wiederholten Signaturen stellt einen besonders aufschlussreichen Fall dieser psychischen Dynamik dar. Indem Smith seinen eigenen Namen zwanghaft malt, inszeniert er ein fundamentales narzisstisches Problem: die kompulsive Selbstbehauptung angesichts der Angst vor dem Verschwinden. “Josh Smith” wird zu einem schwebenden Signifikanten, der durch die Wiederholung selbst von seiner subjektiven Ladung entleert wird und die grundlegende Inkonsistenz der modernen Identität offenbart.
Die jüngste Entwicklung hin zu den roten Monochromen der Ausstellung “Living with Depression” markiert eine Intensivierung dieser psychischen Ökonomie. Rot, traditionell mit dem Lebenstrieb, aber auch mit Aggressivität und Blut assoziiert, funktioniert als Projektionsfläche, auf der die archaischsten Affekte entfaltet werden. Der Künstler selbst erkennt diese Ambivalenz an: “Rot ist abstoßend. Es ist auch verführerisch” [2].
Dieser psychoanalytische Ansatz erhellt auch die besondere Beziehung, die Smith zur kreativen Zeitlichkeit unterhält. Seine Zeiten der längeren Isolation erinnern an regressive Mechanismen, mit denen das Subjekt versucht, einen Zustand vor der traumatischen Sozialisierung wiederzufinden. “Es gibt nichts Besseres, als in Dein Atelier zu gehen mit zwei Tüten Fritos und sechs Red Bulls. Und dann, weißt Du, arbeitest Du die ganze Nacht und eigentlich bist Du allein” [1]. Diese Ritualisierung der schöpferischen Einsamkeit offenbart den Versuch, einen Übergangsraum im Sinne von Donald Winnicott wiederherzustellen.
Die außergewöhnliche Produktivität des Künstlers kann als Reaktionsbildung gegenüber der depressiven Angst verstanden werden. Die zwanghafte Anhäufung von Werken funktioniert als Verleugnung von Verlust und Vergänglichkeit. “Viele Leinwände zu haben, lässt mich reich fühlen. Weil man mit denen alles machen könnte. Ich weiß nicht, was ich mit Geld anfangen soll, aber mit Leinwänden weiß ich, was ich machen kann” [1].
Diese psychische Ökonomie zeigt, wie zeitgenössische Kunst als therapeutisches Instrument funktionieren kann, das es dem Subjekt erlaubt, seine inneren Konflikte mittels plastischer Schöpfung zu verarbeiten. Smiths Werke sind so viele Versuche symbolischer Reparatur, Bemühungen, einem durch die Pathologien der Spätmoderne geschwächten Dasein wieder Sinn und Kohärenz zu verleihen.
Die Epiphanie des Alltags und der Widerstand gegen die Zeit
Im kreativen Labyrinth von Josh Smith zeichnet sich eine Ästhetik des temporären Widerstands ab, die ihre Wurzeln in einer besonders ausgefeilten Philosophie des Augenblicks hat. Seine Werke, obwohl scheinbar gestisch und spontan, zeigen eine tiefe Meditation über die Modalitäten der Weltpräsenz und über die Möglichkeiten, das Alltägliche durch Kunst zu retten.
Smiths Ansatz reiht sich in jene moderne Tradition ein, die seit Charles Baudelaire das Ewige im Vergänglichen zu extrahieren sucht. Seine tropischen Palmen, gemalt in der Dringlichkeit sich wiederholender Gesten, fungieren als Epiphanien des Banalen und verwandeln touristische Klischees in ästhetische Offenbarungen. Diese Alchemie des Alltags erinnert an die Analysen von György Lukács zur “Entstrickung” in seiner Roman-Theorie, jene Fähigkeit der Kunst, das im Gewöhnlichen Schläfernde Außergewöhnliche zu enthüllen.
Smiths schöpferische Zeitlichkeit operiert nach einer Logik intensiver Anhäufung, die an die von den historischen Avantgarden entwickelten Strategien zur Widerstand gegen die moderne Beschleunigung erinnert. Seine sich wiederholenden Serien sind keine bloße Zwangshandlung, sondern eine Methode, die Zeit zu verdichten, um Widerstandstaschen gegen die zerstörerische Geschwindigkeit der zeitgenössischen Metropole zu schaffen. “Ich male in Serien von sehr spezifischen und einfachen Motiven, Früchten, Tieren, Landschaften und Mythen, die oft den Anschein erwecken, fieberhaft und im Streben nach einer ehrlichen und unmediierten Ausdrucksform geschaffen zu sein” [1].
Diese Suche nach Unmittelbarkeit offenbart paradoxerweise ein ausgeprägtes Bewusstsein für die Vermittlung. Smith entwickelt eine Ästhetik der “schlechten” Malerei, die ihren konstruierten und künstlichen Charakter voll übernimmt. Seine “direkt aus der Tube” kommenden Farben, seine “nachlässigen” Gesten und seine Schnelligkeit in der Ausführung sind Strategien, um die traditionellen Sublimationsmechanismen der Kunst zu umgehen und eine Form des direkten Kontakts mit der Realität wiederzufinden.
Dieser zeitliche Ansatz basiert auf einem besonderen Verständnis von schöpferischer Endlichkeit. Smith erwähnt regelmäßig das Gefühl, dass jede Ausstellung die letzte sein könnte: “Ich habe das Gefühl, dass alle Ausstellungen meine letzte Ausstellung sein könnten” [1]. Dieses Bewusstsein für die Prekarität verwandelt jeden malerischen Akt in eine existentielle Dringlichkeit, die seinen Werken eine besondere Intensität verleiht, die dem sogenannten “Sein-zum-Tode” bei Heidegger ähnelt.
Das Atelier des Künstlers funktioniert wie eine Zeitmaschine, in der sich verschiedene zeitliche Schichten überlagern. Seine Gemälde überlappen sich, überdecken sich und werden in einem kontinuierlichen Prozess der erinnerungsschichtigen Wiederverwertung neu geschaffen. “Ich male auf vielen Dingen, bis man sagen kann, dass eine Leinwand zu dick ist” [1]. Diese Praxis des Übermalens offenbart ein Zeitverständnis, in dem jedes Werk Spuren seiner vorherigen Zustände in sich trägt.
Die philosophische Dimension dieses Ansatzes zeigt sich klar in der Art und Weise, wie Smith Wiederholung und Differenz verbindet. Jede Palme, jede Signatur, jedes Monochrom stellt eine infinitesimale Variation dar, die die Unmöglichkeit reiner Reproduktion offenbart. Diese Ästhetik der différance im Sinne von Jacques Derrida verwandelt die Wiederholung in eine Methode zur Offenbarung des Einzigartigen und Unersetzlichen.
Smiths Werk entwickelt somit eine alternative Zeitlichkeit zur kulturellen Konsumzeit der Gegenwart. Seine Gemälde verlangen Zeit, Geduld, eine Form verlangsamter Aufmerksamkeit, die im Gegensatz zur Ökonomie des Moments steht, die unsere Zeit charakterisiert. Sie bieten ein Erlebnis der Dauer, das sich den Logiken von geplanter Obsoleszenz und der beschleunigten Rotation von Bildern widersetzt.
Hin zu einer echten Künstlichkeit
Am Ende dieser kritischen Auseinandersetzung mit der malerischen Welt von Josh Smith gilt es, den wahren Umfang seines künstlerischen Unternehmens zu messen und seinen Beitrag zur zeitgenössischen Kunst zu bewerten. Sein Werk zeigt eine bemerkenswerte strategische Intelligenz, die ihm ermöglicht, zwischen den Klippen des postmodernen Zynismus und denen der naiven Neoexpressionismus zu navigieren und einen dritten Weg zu erfinden, der eine der relevantesten Antworten auf die ästhetischen Herausforderungen unserer Zeit darstellen könnte.
Die besondere Stärke von Josh Smith liegt in seiner Fähigkeit, die konstitutive Künstlichkeit der zeitgenössischen Kunst voll zu übernehmen und gleichzeitig eine Form expressiver Authentizität zu bewahren. Seine Gemälde beanspruchen niemals reine Spontaneität, aber sie verfallen auch nicht in kalte konzeptuelle Berechnung. Sie entwickeln das, was man eine “authentische Künstlichkeit” nennen könnte, eine konstruierte Aufrichtigkeit, die genau den Existenzbedingungen zeitgenössischer Subjektivität entspricht.
Diese ästhetische Position offenbart ein tiefes Verständnis der anthropologischen Wandlungen unserer Zeit. In einer Gesellschaft, in der Authentizität selbst zur Ware geworden ist, in der Spontaneität programmiert wird und Emotionen formatiert werden, schlägt Smith einen Weg der Emanzipation vor durch die einsichtige Akzeptanz dieser Widersprüche. Seine Werke lehren uns, authentisch künstlich, aufrichtig konstruiert, wirklich künstlich zu sein.
Die jüngste Entwicklung seiner Arbeit, geprägt durch die Einführung der sozialen Netzwerke und YouTube in seine künstlerische Praxis, bestätigt diese strategische Intelligenz. Anstatt nostalgisch gegen neue Kommunikationstechnologien Widerstand zu leisten, integriert Smith sie als neue künstlerische Medien, verwandelt Instagram in ein Kunstwerk und YouTube in eine öffentliche Werkstatt. Dieses Vorgehen zeigt eine bemerkenswerte Anpassungsfähigkeit, die es ihm ermöglicht, die Relevanz seiner ästhetischen Fragestellung angesichts der schnellen Veränderungen der zeitgenössischen Kulturlandschaft aufrechtzuerhalten.
Die soziologische Wirkung seiner Arbeit ist ebenfalls besonders interessant. Indem er seine Prozesse der kreativen Isolation sorgfältig dokumentiert und seine eigene Praxis der produktiven Einsamkeit theoretisiert, bietet Smith ein alternatives Modell künstlerischen Erfolgs, das nicht den traditionellen gesellschaftlichen Umgang voraussetzt. Er zeigt, dass es möglich ist, eine internationale Karriere aufzubauen und dabei eine Form von Innerlichkeit und persönlicher Authentizität zu bewahren.
Sein Beitrag zur Geschichte der zeitgenössischen Malerei erscheint entscheidend. Indem er Figuration und Abstraktion, Expressivität und Konzeptualismus, Schnelligkeit der Ausführung und theoretische Raffinesse versöhnt, eröffnet Josh Smith neue Möglichkeiten für ein Medium, das viele als erschöpft betrachteten. Seine Werke beweisen, dass Malerei immer noch überraschen, berühren und ansprechen kann, ohne ihre kritische Dimension aufzugeben.
Das Werk von Josh Smith stellt ein privilegiertes Labor dar, um die Bedingungen der Möglichkeit von Kunst in der zeitgenössischen Gesellschaft zu verstehen. Es zeigt, wie ein Schöpfer seine ästhetische Autonomie bewahren kann und sich gleichzeitig an Marktzwänge anpasst, wie er eine hohe formale Forderung aufrechterhalten und zugleich die unterhaltende Dimension der Kunst übernimmt, wie er seine Einzigartigkeit beanspruchen und zugleich eine universell zugängliche Erfahrung bieten kann.
Diese paradoxe Synthese der Gegensätze könnte eine der fruchtbarsten Antworten auf die Aporien der zeitgenössischen Kunst darstellen. Indem er sowohl die Leichtfertigkeiten des Radikalismus als auch des Konformismus ablehnt, erfindet Josh Smith einen Mittelweg, der die Komplexität der Realität bewahrt, ohne auf ästhetische Wirksamkeit zu verzichten. Sein Werk lehrt uns, dass es möglich ist, gleichzeitig populär und anspruchsvoll, zugänglich und raffiniert, traditionell und innovativ zu sein.
Vielleicht liegt hier die wertvollste Lehre dieses Werks: in seiner Demonstration, dass Kunst immer noch einen Raum authentischer Freiheit bilden kann, vorausgesetzt, man akzeptiert die Zwänge seiner Zeit nüchtern und verwandelt sie in kreatives Material. Josh Smith zeigt uns, dass es heute möglich ist, ohne Nostalgie oder Zynismus zu malen, mit jener praktischen Weisheit, die wahre Künstler ihrer Zeit auszeichnet.
- Ross Simonini, “The Interview: Josh Smith”, ArtReview, 2019
- “Josh Smith: Living with Depression”, Spike Art Magazine, 2023
