Hört mir gut zu, ihr Snobs: Während ihr euch vor den neuesten minimalistischen Installationen in makellosen Galerien begeistertet, klebt ein Mann mit Hut und schwarzen Brillen weltweit die Gesichter derer auf die Wände, die ihr niemals beachtet. JR, ein Pseudonym so einfach wie seine künstlerische Geste radikal ist, hat verstanden, was das kulturelle Establishment beharrlich nicht anerkennen will: Die stärkste Kunst ist die, die dort erscheint, wo man sie nicht erwartet, vor den Augen derjenigen, die niemals die Türen der Museen überschreiten.
Geboren 1983 in Paris im 15. Arrondissement verkörpert JR das Elektrisierendste in der zeitgenössischen Kunst: rohe Aufrichtigkeit, eine instinktive Dringlichkeit, ein Bedürfnis zu schreien, ohne ein Wort zu sagen. Mit achtzehn Jahren, als er eine vergessene Kamera in der Pariser Metro findet, weiß er noch nicht, dass er gerade seine Waffe entdeckt hat. Bewaffnet mit seinem 28mm-Objektiv und Litern Klebstoff verwandelt er die baufälligen Fassaden der Bosquets in urbane Kathedralen. Seine monumentalen Porträts, in Schwarz-Weiß mit einer fotografischen Intensität, die die Seele mitreißt, werden zu stillen Manifesten gegen soziale Unsichtbarkeit.
In diesem künstlerischen Vorgehen zeichnet sich eine enge Beziehung zu den soziologischen Theorien von Pierre Bourdieu über kulturelle Distinktion [1] ab. JRs Werk vollzieht eine spektakuläre Umkehr der kulturellen Legitimitätsmechanismen, die der französische Soziologe meisterhaft analysiert hat. Während Bourdieu in seinem bahnbrechenden Buch von 1979 zeigte, wie die herrschenden Klassen kulturelle Praktiken nutzen, um ihre soziale Position zu erhalten, sabotiert JR dieses System bewusst, indem er die Gesichter der Arbeiterklassen mit derselben Monumentalität und Würde im öffentlichen Raum platziert wie die Porträts der Mächtigen. Seine riesigen Installationen kehren die kulturelle Hierarchie um: Es sind nicht mehr die Eliten, die entscheiden, welche Gesichter den urbanen Raum besetzen dürfen, sondern der Künstler, der diese Plätze den Arbeitern, den Frauen aus den Favelas, den Flüchtlingen und den Jugendlichen aus den Vororten gibt. Jede Collage von JR wird zu einer Auflehnung gegen das, was Bourdieu “den Geschmack der Notwendigkeit” der Arbeiterklasse nannte, diese resignierte Akzeptanz ihrer Stellung im sozialen Gefüge.
Das Projekt Face 2 Face von 2007 illustriert diese soziologische Subversion perfekt. Indem er nebeneinander an der Trennmauer zwischen Israel und Palästina Porträts von Israelis und Palästinensern in denselben Berufen klebt, sprengt JR die Unterscheidungen, die die politischen und kulturellen Mächte beharrlich aufrechterhalten. Die Gesichter schauen einander an, ziehen zusammen Grimassen und teilen dieselbe groteske und großartige Menschlichkeit. Der Künstler selbst sagte: “Wir sind zu derselben Schlussfolgerung gekommen: Diese Menschen ähneln sich; sie sprechen fast dieselbe Sprache, wie eineiige Zwillinge, die in unterschiedlichen Familien aufgewachsen sind” [2]. Diese geheime Installation, die größte illegale fotografische Ausstellung aller Zeiten, zeigt, dass kulturelle und soziale Grenzen willkürliche Konstruktionen sind, die Kunst dekonstruieren kann.
Women Are Heroes, begonnen im Jahr 2008, verfolgt diese Logik der symbolischen Umverteilung des kulturellen Kapitals. Indem er die Augen und Gesichter von Frauen fotografiert, die in Brasilien, Kenia, Indien und Kambodscha Gewalt ausgesetzt sind, verleiht JR ihnen das, was das soziale System ihnen verweigert: Sichtbarkeit, Monumentalität, das Recht, den öffentlichen Raum massenhaft einzunehmen. Diese Frauen, doppelt von ihrer Klasse und ihrem Geschlecht dominiert nach den Analysen von Bourdieu, werden zu Riesen, deren Blicke über die Favelas von Rio und die Slums von Nairobi wachen. JR beschränkt sich nicht darauf, ihre Existenz zu dokumentieren; er verändert die Landkarte des Sichtbaren, setzt ihre Präsenz dort durch, wo die Gesellschaft möchte, dass sie unsichtbar bleiben. Wenn diese Porträts ganze Züge in Kenia bedecken oder auf Dächern aufgeklebt werden, um vor Regen zu schützen, hört die Kunst auf, ornamental zu sein und wird funktional, im Alltag derjenigen verankert, die sie darstellt.
Das Inside Out Project, gestartet 2011 nachdem JR den TED Prize erhalten hatte, demokratisiert seinen Ansatz radikal. Jeder, egal wo, kann sein Porträt einsenden, das kostenlos in riesigem Format gedruckt und an den Teilnehmer zurückgesandt wird, damit er es in seiner Gemeinschaft aufkleben kann. Mehr als 400.000 Menschen in 130 Ländern haben teilgenommen. Diese totale Horizontalität beseitigt die letzten Barrieren zwischen Künstler und Publikum, zwischen Produzenten und Konsumenten von Kultur. JR beschränkt sich nicht darauf, Bourdieus Distinktion zu kritisieren; er sprengt sie, indem er allen Produktionsmittel für künstlerisches Schaffen gibt. Der “Fotograffer”, wie er sich nennt, lehnt jede Zusammenarbeit mit Marken ab, finanziert seine Projekte durch den Verkauf von Fotodrucken und bewahrt so eine Unabhängigkeit, die die Authentizität seiner Arbeit garantiert. Wie er betont: “Auf der Straße erreichen wir Menschen, die niemals in Museen gehen” [3].
Aber JR ist nicht nur ein Soziologe des Bildes; er ist auch ein Filmemacher, der verstanden hat, dass die siebte Kunst eine natürliche Fortsetzung seiner fotografischen Arbeit sein kann. Seine Zusammenarbeit mit Agnès Varda für Visages Villages im Jahr 2017 markiert einen Wendepunkt in seiner künstlerischen Praxis [4]. Diese Begegnung zwischen zwei Generationen, zwischen einer Legende der Nouvelle Vague im Achtzigsten Lebensjahr und einem vielversprechenden Dreißigjährigen, bringt einen Film hervor, der durch Zärtlichkeit und Intelligenz besticht. Varda und JR bereisen das ländliche Frankreich an Bord von JRs Fotoautomaten-LKW, fotografieren die Bewohner, kleben ihre Porträts auf die Fassaden. Der Film wird zu einer Meditation über Zeit, Erinnerung und die Würde der einfachen Menschen. Varda erinnert mit ihrer List und Ernsthaftigkeit JR daran, dass sie in den 1960ern einen jungen Mann mit dunkler Brille gefilmt hat, Jean-Luc Godard. Diese filmische Verbindung ist nicht nur eine Anekdote: Sie ordnet JR in eine Tradition des französischen Autorenkinos ein, das die Realität mit Poesie und politischem Engagement beobachtet.
Visages Villages ist kein einfacher Dokumentarfilm über die Kunst von JR; es ist ein eigenständiges filmisches Werk, das die Mittel der Darstellung, den Akt des Filmens und Fotografierens, die Geste des Aufklebens und Ausstellens hinterfragt. Der Film stellt ständig seinen eigenen Herstellungsprozess in Frage, lehnt die dokumentarische Transparenz ab, um seinen inszenatorischen Anteil zu übernehmen. Als Varda und JR beschließen, Godard in der Schweiz zu besuchen und dieser ihnen einen Korb gibt, wird die Szene zu einem Moment reinen Kinos, grausam und bewegend. Die Kamera filmt Varda in Tränen, JR hilflos, und dieser Moment der Demütigung verwandelt sich in filmische Wahrheit. Der Zufall wird zum Regieassistenten, wie Varda selbst sagt. Diese Ästhetik des Unvorhergesehenen, diese Öffnung zur Realität, bringt JRs Kino seiner Praxis des urbanen Collage näher: In beiden Fällen geht es darum, den Moment einzufangen, die Dinge geschehen zu lassen, zu akzeptieren, dass das Werk der totalen Kontrolle des Künstlers entgleitet.
Der Film erhält den Goldenen Auge-Preis für den besten Dokumentarfilm in Cannes 2017 und eine Oscar-Nominierung. Doch jenseits der Auszeichnungen offenbart Visages Villages die philosophische Tiefe von JRs Arbeit. Wenn Varda die Gräber von Henri Cartier-Bresson und Martine Franck auf dem Friedhof von Montjustin fotografiert, wenn JR das Porträt eines verstorbenen Freundes von Varda auf einem Bunker anbringt, der von der Flut verschlungen wird, wird der Film zu einer Reflexion über das Vergängliche und das Beständige. JR hat immer die Fragilität seiner Installationen akzeptiert. Er sagt es klar: “Die Bilder, wie das Leben, sind vergänglich. Sobald die Bilder aufgeklebt sind, lebt das Kunstwerk sein eigenes Leben. Die Sonne trocknet den leichten Kleber, und bei jedem Schritt reißen die Leute Stücke des zerbrechlichen Papiers ab” [2]. Diese Akzeptanz des Verschwindens, diese Feier des Vorläufigen verankert seine Arbeit in einer zeitlichen Dimension, die radikal dem Kunstmarkt entgegengesetzt ist, der von Erhaltung und Spekulation besessen ist.
JRs Intervention im Louvre 2016 und 2019 kristallisiert diese Spannungen zwischen Institution und Subversion, zwischen Beständigkeit und Vergänglichkeit. Die Pyramide von Pei durch eine anamorphotische Trompe-l’oeil verschwinden zu lassen und dann sich vorzustellen, dass sie sich unter der Erde wie ein umgekehrter Eisberg fortsetzt, ist ein Spiel mit dem meistbesuchten Monument der Welt, es umzulenken, es in Frage zu stellen. Innerhalb von wenigen Stunden zerreißen Passanten die Collage, das Werk zerfällt. Diese programmierte Zerstörung, diese Ablehnung von Dauerhaftigkeit ist vielleicht die punkigste Handlung, die man im Tempel der institutionellen Kunst begehen kann. JR sucht nicht danach, ins Museum einzutreten, um zu bleiben; er geht hinein, um besser zu entkommen, um daran zu erinnern, dass lebendige Kunst woanders stattfindet, auf der Straße, dem Wetter und allen Blicken ausgesetzt.
Seine Installation Kikito an der US-mexikanischen Grenze im Jahr 2017 zeigt diese einzigartige Fähigkeit, Bilder zu schaffen, die sofort ikonisch werden und dabei eine verblüffende formale Einfachheit bewahren. Ein kleiner mexikanischer Junge scheint über die Grenzmauer hinwegzuschauen, seine großen Augen hinterfragen die Absurdität dieser Barriere. Das monumentale Gerüst, das das Porträt trägt, verwandelt das Kind in einen Riesen und kehrt das symbolische Machtverhältnis um. Am letzten Tag der Installation organisiert JR ein Picknick auf beiden Seiten der Mauer: Die Teilnehmer teilen Essen durch das Metallgitter und essen an einem riesigen Tisch, der die Augen eines jungen Einwanderers darstellt. Kunst wird zur kollektiven Aktion, einer friedlichen, aber unerbittlichen Performance. Die Behörden tolerieren das Ereignis, ein Grenzbeamter teilt sogar eine Tasse Tee mit JR. Dieses Bild, der Künstler und der Grenzbeamte, die gemeinsam vor dem Porträt eines mexikanischen Kindes Tee trinken, fasst die gesamte politische Macht von JRs Arbeit zusammen: Situationen schaffen, in denen der Mensch seine Rechte gegenüber Systemen zurückerobert, die ihn verleugnen.
Mit heute 42 Jahren hat JR nichts von seiner ursprünglichen Dringlichkeit eingebüßt. Seine Projekte entstehen weiterhin an allen Ecken der Welt, auf Ellis Island, an den Pyramiden von Gizeh, in kalifornischen Gefängnissen, auf den Straßen von San Francisco. Jede Intervention bleibt seinem Gründungsprinzip treu: denjenigen, die keine monumentale Präsenz haben, eine solche zu verleihen, den öffentlichen Raum in eine demokratische Galerie zu verwandeln und zu verweigern, dass Kunst ein Privileg einer Elite ist. Sein Halbanonymat ist keine Eitelkeit, sondern eine praktische Notwendigkeit: Ohne seinen Hut und seine Brille kann er inkognito reisen und in Ländern arbeiten, in denen seine Kunst als kriminell angesehen würde. “JR repräsentiert die Tatsache, dass ich immer noch derselbe Junge bin, der versucht, die Welt aus verschiedenen Blickwinkeln zu sehen”, erklärt er [2].
Diese Treue zu dem Jugendlichen aus den Bosquets, der auf den Dächern von Paris Tags sprayte, verleiht seinem Werk eine bemerkenswerte Kohärenz. Keine Kompromisse, keine kommerzielle Vereinnahmung, keine Verwässerung der Botschaft. JR beweist, dass man vom System gefeiert werden kann und dennoch eine radikal kritische Haltung bewahrt. Er bewegt sich zwischen den Galerien Perrotin und Pace, stellt in der Saatchi Gallery aus, arbeitet mit dem New York City Ballet zusammen und klebt weiterhin illegal in den Favelas und Flüchtlingslagern. Diese scheinbare Schizophrenie ist in Wirklichkeit eine brillante Strategie: die Sichtbarkeit und das vom Kunstmarkt erzeugte Geld zu nutzen, um Projekte zu finanzieren, die seiner Logik völlig entzogen sind.
JRs Werk erinnert uns brutal daran, dass die Kunst nicht tot ist, dass sie unseren Blick noch verändern kann, unwahrscheinliche Begegnungen provoziert und flüchtige Gemeinschaften schafft. In einer von Bildern übersättigten Welt durchbrechen seine riesigen Collagen den visuellen Lärm durch ihre Größe, ihre Direktheit und ihre Ablehnung leichter Verführung. Die Gesichter, die er zeigt, sind weder schön noch hässlich nach den dominierenden ästhetischen Kanons; sie sind wahr, intensiv und präsent. Sie schauen uns an und zwingen uns, sie im Gegenzug anzuschauen. Dieses Angesicht-zu-Angesicht vermeidet die zeitgenössische Gesellschaft sorgfältig: wirklich diejenigen zu sehen, die sie an den Rand gedrängt hat. JR erzwingt diese Konfrontation mit einer beharrlichen Sanftmut, einem Optimismus, der nichts Naives hat, sondern der unbeirrbaren Willenskraft entspringt, an die gemeinsame Menschlichkeit zu glauben.
Wenn die Kunstgeschichte eine Lektion aus dem Werdegang von JR ziehen sollte, dann wäre es diese: Die relevanteste Kunst ist nicht die, die sich selbst in den verzerrten Spiegeln des Marktes betrachtet, sondern die, die die Welt ansieht und direkt eingreift. Kein ausgefeiltes theoretisches Manifest, keine ausgeklügelte konzeptuelle Haltung, nur eine einfache Geste, unendlich wiederholt mit voller Überzeugung: fotografieren, vergrößern, aufkleben, gehen. Das Werk sein Leben leben lassen, akzeptieren, dass es zerstört wird, anderswo wieder beginnen. Diese Demut gegenüber der Arbeit, diese Großzügigkeit beim Teilen, dieses absolute Vertrauen in die Kraft der Bilder und menschlichen Begegnungen machen JR weit mehr als nur zu einem erfolgreichen Künstler: einen Vermittler, der abgeschottete Welten verbindet, einen Aktivisten, der niemals auf die Utopie verzichtet, einen hartnäckigen Zeugen der universellen Würde. Seine Kunst tröstet uns nicht, unterhält uns nicht und schläfert uns nicht ein. Sie weckt uns auf, rüttelt uns durch und zwingt uns zu sehen, was wir lieber ignorieren würden. Und genau deshalb zählt sie, jetzt und für lange Zeit.
- Pierre Bourdieu, Die feinen Unterschiede. Soziale Kritik des Urteilsvermögens, Paris, Les Éditions de minuit, 1979
- Zitate von JR stammen von den Websites ArtReview, TheArtStory und Wikipedia, abgerufen im Oktober 2025.
- Zitat über das Projekt “Portraits of a Generation”.
- Visages Villages, Dokumentarfilm, gemeinsam realisiert von Agnès Varda und JR, 2017, L’Oeil d’or-Preis beim Filmfestival Cannes 2017.
