Hört mir gut zu, ihr Snobs, ich werde euch von Kai Althoff erzählen, geboren 1966 in Köln, dieser Künstler, der unsere Nerven seit mehr als drei Jahrzehnten reizt. Vergesst alles, was ihr über zeitgenössische Kunst zu wissen glaubt, denn Althoff ist die perfekte Antithese zum Künstler-Unternehmer, den unsere Zeit mit blindem und erbärmlichem Kult verehrt.
Stellt euch einen Schöpfer vor, der es vorzieht, in einer bescheidenen Zweizimmerwohnung zu arbeiten, statt in einem dieser protzigen Ateliers, in denen Galeristen ihren wöchentlichen Einkauf machen. Ein Künstler, der es wagte, auf seine eigenen Leinwände zu urinieren, bevor er sie verkaufte, der eine Galerie in eine Underground-Bar verwandelte und der, als Gipfel der Unverschämtheit, einen einfachen Ablehnungsbrief als Kunstwerk auf der Documenta präsentierte. Wenn ihr nicht schon vor Empörung die Haare rauft, lest weiter.
In diesem ersten Teil tauchen wir ein in das, was Althoff einzigartig macht: seine besondere Beziehung zum Ausstellungsraum und seine radikale Auffassung von künstlerischer Präsentation. 2016, bei seiner Retrospektive im MoMA, tat er das Undenkbare: Er ließ einige Werke in ihren Verpackungskisten, wodurch der strenge Tempel der modernen Kunst zu einem poetischen Lager wurde. Diese Entscheidung war nicht nur eine Provokation gegenüber der Institution, sondern eine tiefgründige Reflexion darüber, wie wir Kunst heute konsumieren.
Der museale Raum wird unter Althoffs Führung zu einem Theater des Absurden, in dem Konventionen systematisch unterlaufen werden. Er bedeckt die Decken mit weißen Stoffen und schafft improvisierte Zelte, die zugleich an orientalische Souks und Hütten von Kindern erinnern. Diese Transformation erinnert an Claude Lévi-Strauss’ Theorien über Bricolage als eine Art kreatives Denken, bei dem Elemente von ihrer ursprünglichen Funktion entfremdet werden, um neue Bedeutungssysteme zu schaffen.
Althoffs Szenographie stellt eine Herausforderung an unsere sterile Auffassung von zeitgenössischer Kunst dar. 2020 in der Whitechapel Gallery schuf er einen unwahrscheinlichen Dialog zwischen seinen Werken und denen des Töpfers Bernard Leach, indem er traditionelles Handwerk und zeitgenössische Kunst in einem makabren Tanz gegenüberstellte, der Puristen aufschreien lassen würde. Die Vitrinen, die er entwarf, sind mit künstlichem Rost patiniert und mit Stoffen bedeckt, die von Travis Joseph Meinolf gewebt wurden, sie sind wie profane Reliquiare, die die Schönheit des Unvollkommenen feiern.
Dieser ikonoklastische Ansatz der Ausstellung fügt sich in eine philosophische Tradition ein, die bis zu Walter Benjamin und seinem Konzept der “Aura” des Kunstwerks zurückreicht. Althoff versucht nicht, die traditionelle Aura der Kunst zu bewahren, sondern dekonstruiert sie bewusst, um eine neue, weniger eindeutige und verstörendere zu schaffen. Seine Installationen sind zeitliche Labyrinthe, in denen Epochen aufeinanderprallen, in denen Vergangenheit und Gegenwart einen schwindelerregenden Walzer tanzen.
In seinen Ausstellungen häufen sich die Werke wie geologische Schichten an und schaffen eine fiktive Archäologie des kollektiven Gedächtnisses. Die Gemälde hängen auf verschiedenen Höhen, manchmal so nah am Boden, dass man sich bücken muss, um sie zu sehen, manchmal so hoch, dass sie im Raum zu schweben scheinen. Diese anarchische Anordnung zwingt den Betrachter, ein aktiver Entdecker zu werden, und stellt die traditionelle Passivität der künstlerischen Betrachtung in Frage.
Das zweite Merkmal von Althoffs Werk liegt in seinem einzigartigen Ansatz zur Darstellung des Menschen und der Gemeinschaftsdynamiken. Seine Bilder sind bevölkert von Figuren, die wie aus einem fieberhaften Traum entstiegen scheinen: mittelalterliche Mönche begegnen Punks, schuluniformierte Schüler mischen sich mit chassidischen Juden. Diese unwahrscheinliche Konvergenz von Charakteren erzeugt eine narrative Spannung, die an Michail Bachtins Theorien zum Karneval und zur Polyphonie erinnert.
Nehmen wir zum Beispiel seine Serien, die der chassidischen Gemeinschaft in Crown Heights gewidmet sind, wo er seit 2009 lebt. Diese Werke sind keine bloßen ethnografischen Dokumente, sondern komplexe Meditationen über Alterität und Zugehörigkeit. Die Figuren, die er malt, scheinen zwischen unterschiedlichen Bewusstseinszuständen zu schweben, als seien sie zugleich präsent und abwesend, vertraut und fremd.
Althoffs malerische Technik ist ebenso eigenartig wie seine Themen. Er verwendet eine Palette, die vom Laufe der Zeit ausgewaschen zu sein scheint: stumpfe Ocker, Moosgrün, verblasstes Blau. Diese Farben schaffen eine melancholische Atmosphäre, die an Roland Barthes’ Theorien zur Fotografie und dem Begriff des “ça-a-été” erinnert. Doch manchmal bricht eine leuchtende Farbe in die Komposition ein wie ein Schrei in der Stille und erzeugt eine dramatische Spannung, die das Ganze elektrisiert.
Seine Figuren werden oft in Momenten intensiver, aber ambivalenter Interaktion dargestellt. In einem unbetitelten Werk von 2018 teilen zwei junge Männer einen intimen Moment in einem Blumenfeld unter einem apokalyptisch gelben Himmel. Diese Szene, zugleich zärtlich und beunruhigend, illustriert perfekt Althoffs Fähigkeit, Bilder zu schaffen, die zwischen verschiedenen emotionalen Registern oszillieren.
Der Künstler begnügt sich nicht damit, Gemeinschaften zu malen, er schafft sie aktiv durch seine künstlerische Praxis. Seine Zusammenarbeit mit anderen Künstlern, Musikern und Handwerkern zeugt von einem tiefen Wunsch, den dominierenden Individualismus der zeitgenössischen Kunstwelt zu überwinden. Seine Beteiligung an der Musikgruppe Workshop und seine zahlreichen kollektiven Performances zeigen, dass für ihn Kunst vor allem eine geteilte Erfahrung ist.
Diese kollektive Dimension seiner Arbeit erstreckt sich bis zu seiner Auffassung von der Rolle des Betrachters. In seinen Installationen ist das Publikum kein bloßer Beobachter, sondern wird Teil des Werkes. Die Besucher, die sich durch seine labyrinthartigen Räume bewegen, werden zu unfreiwilligen Akteuren in einem Theater des Gedächtnisses, in dem die Grenzen zwischen Realität und Fiktion verschwimmen.
Die Materialien, die Althoff verwendet, tragen ebenfalls zu dieser Ästhetik der Ambiguität bei. Er malt auf unkonventionellen Trägern: abgenutzten Stoffen, gealtertem Papier, recyceltem Karton. Diese Oberflächen tragen bereits ihre eigene Geschichte und schaffen ein visuelles Zeugnis, in dem die Vergangenheit unter den Farbschichten hindurchscheint. Dieser materielle Ansatz erinnert an Georges Didi-Hubermans Überlegungen zur Überlebensfähigkeit von Bildern und deren Fähigkeit, die Erinnerung der Zeit zu tragen.
Der Künstler treibt diese Erforschung der Materialien noch weiter, indem er gefundene Objekte in seine Installationen integriert. Vintage-Schaufensterpuppen, abgenutzte Möbel, alte Stoffe schaffen Umgebungen, die wie defekte Zeitkapseln wirken und Fragmente von Geschichte in die Gegenwart entwischen lassen. Diese Anhäufung von Objekten erinnert unweigerlich an Walter Benjamins Theorien über den Sammler als melancholische Figur der Moderne.
Althoffs Praxis ist tief in einer Reflexion über die Zeitlichkeit verwurzelt. Seine Werke scheinen in einer schwebenden Zeit zu existieren, weder ganz in der Vergangenheit noch vollständig in der Gegenwart. Dieser zeitliche Ansatz spiegelt die Überlegungen von Maurice Merleau-Ponty zur Wahrnehmung und Zeitlichkeit wider, wo Zeit keine lineare Abfolge von Momenten ist, sondern eine fundamentale Dimension unseres Seins in der Welt.
Sein hartnäckiges Ablehnen der Konventionen der Kunstwelt ist nicht nur eine rebellische Haltung. Es ist eine ethische Position, die unsere Produktions- und Rezeptionsweisen von Kunst tiefgehend hinterfragt. Wenn er sich entscheidet, einen Ablehnungsbrief als Kunstwerk zu präsentieren, provoziert er nicht nur, sondern zwingt uns, unsere Beziehung zur Kunst und deren Präsentation zu überdenken.
Althoffs Installationen funktionieren wie defekte Zeitmaschinen, die zeitliche Kurzschlüsse erzeugen, bei denen verschiedene Epochen aufeinandertreffen. In diesen Räumen wird der Betrachtende zu einem Archäologen der Gegenwart, der zwischen den Bedeutungsschichten gräbt, um seine eigene Erzählung zu konstruieren. Dieser Ansatz erinnert an das Konzept des “Montage” bei Aby Warburg, bei dem verschiedene Bilder und Epochen nebeneinandergestellt werden, um neue Sinnkonstellationen zu schaffen.
Die narrative Dimension seiner Arbeit ist besonders faszinierend. Seine Werke deuten Geschichten an, ohne sie jemals vollständig zu erzählen, und überlassen es dem Betrachter, die Leerstellen zu füllen. Dieser fragmentarische Erzählansatz ruft Walter Benjamins Theorien über Geschichte als Konstellation von Momenten hervor, anstatt als linearen Fortschritt.
Der Einfluss des deutschen Expressionismus ist in seiner Arbeit offensichtlich, aber Althoff begnügt sich nicht damit, einen historischen Stil wiederzuverwerten. Vielmehr schafft er eine einzigartige Synthese, die auch Elemente der mittelalterlichen Kunst, der Kinderillustration und der Volkskunst umfasst. Diese Verschmelzung der Stile erzeugt eine einzigartige visuelle Sprache, die die traditionellen Kategorien der Kunstgeschichte transzendiert.
Die wiederkehrende Präsenz religiöser Figuren in seinem Werk, Mönche, Rabbiner, Mystiker, ist nicht zufällig. Sie zeugt von einer spirituellen Suche, die seine gesamte Arbeit durchdringt, einer Suche nach Transzendenz in einer entzauberten Welt. Diese spirituelle Dimension erinnert an Giorgio Agambens Überlegungen zur Entweihung als Akt des Widerstands in der zeitgenössischen Gesellschaft.
Althoffs Kunst erinnert uns daran, dass Erinnerung kein bloßes Depot von Bildern und Erfahrungen ist, sondern ein aktiver Prozess von Rekonstruktion und Neuinterpretation. Seine Werke laden uns ein, unsere Beziehung zur Zeit, zur Gemeinschaft und zur Kunst selbst neu zu überdenken. In einer von Neuheit und Bruch besessenen Welt erinnert er uns daran, dass die Vergangenheit nie wirklich vergangen ist, sondern weiterhin unsere Gegenwart wie ein wohlwollender Geist heimsucht.
Angesichts seiner Werke sind wir wie jene Figuren, die er malt, zwischen verschiedenen Temporalitäten aufgehängt, auf der Suche nach unserem Platz in einer Geschichte, die sich weigert, sich zu verfestigen. Seine Kunst erinnert uns daran, dass wahre Zeitgenossenschaft vielleicht nicht im rasanten Rennen in die Zukunft liegt, sondern in unserer Fähigkeit, einen fruchtbaren Dialog mit der Vergangenheit aufrechtzuerhalten und die Echos und Resonanzen zu erkennen, die die Zeit durchdringen.
Und wenn Sie denken, ich wäre zu nachsichtig mit diesem Künstler, der offenbar ein böses Vergnügen daran hat, Konventionen zu widersprechen, dann wissen Sie, dass genau das ist, was unsere Kunstwelt braucht: Schöpfer, die es wagen, unsere Gewissheiten in Frage zu stellen, die uns zwingen, über die Erscheinungen hinauszublicken, die unsere Beziehung zur Kunst in eine lebendige und verstörende Erfahrung verwandeln.
Althoffs Kunst ist ein notwendiges Gegenmittel gegen die zunehmende Standardisierung der zeitgenössischen Kunstwelt. In einem Kontext, in dem Werke mehr und mehr für soziale Netzwerke und Kunstmessen konzipiert werden, ist sein kompromissloser und persönlicher Ansatz eine wohltuende Erinnerung daran, dass Kunst noch immer eine zutiefst transformierende Erfahrung sein kann. Seine Arbeit hält die Möglichkeit einer authentischen Erfahrung lebendig, auch wenn diese über den Umweg von Traum und Nostalgie erfolgen muss.
