Hört mir gut zu, ihr Snobs, es ist höchste Zeit, über Kerry James Marshall zu sprechen, diesen Künstler, der 1955 geboren wurde und unsere Sicht auf die westliche Kunst mit majestätischer Unverschämtheit und scharfem Intellekt verändert hat. Wenn ihr denkt, dass gegenständliche Malerei tot ist, habt ihr nichts von dem verstanden, was in der zeitgenössischen Kunst passiert.
Hier haben wir einen Maler, der den Mut hatte, die große europäische Maltradition auf den Kopf zu stellen, nicht um sie zu zerstören, sondern um sie zu bereichern. Marshall macht keine halben Sachen: Er malt schwarze Figuren in einem tiefen, absoluten Schwarz, fast total, als wolle er uns mit unserer eigenen kulturellen Blindheit ohrfeigen. Seine Figuren sind von einer solchen Intensität der Schwärze, dass sie zu Löchern in unserem kollektiven Bewusstsein werden, laute Erinnerungen an all jene Präsenz, die wir so lange in unseren makellosen Museen zu ignorieren beschlossen haben.
Der erste Akt dieser malerischen Revolution ist die monumentale Serie “Garden Project”. Marshall konfrontiert uns hier mit unserer sozialen Heuchelei mit einer beißenden Ironie, die selbst Voltaire erblassen ließe. Diese öffentlichen Gärten mit pompösen Namen wie “Wentworth Gardens” oder “Stateway Gardens” sind in Wirklichkeit heruntergekommene Sozialwohnungsprojekte. Der Künstler entfaltet hier eine Strategie, die an Jacques Rancières Gedanken zum “partage du sensible” erinnert: Er macht sichtbar, was unsere Gesellschaft unsichtbar zu halten sucht. Diese monumentalen Gemälde, von denen einige fast 3 Meter hoch sind, spielen mit dem Kontrast zwischen der großen Geste der Titelgebung und der brutalen Realität der Orte, während sie den Bewohnern unerwartete Würde verleihen.
In “Many Mansions” (1994) inszeniert Marshall drei Männer in eleganten Anzügen, die in einem Garten arbeiten. Der Kontrast zwischen ihrer formellen Kleidung und ihrer Tätigkeit erzeugt eine visuelle Spannung, die unsere Vorurteile über soziale Klasse und Arbeit hinterfragt. Die blauen Vögel, die am Himmel flattern, und die stilisierten Blumen, die die Komposition durchziehen, fügen einen fast surrealen Hauch von Fantasie hinzu, der die Ironie der Situation betont. Es ist, als würde Marshall sagen: “Hier ist dein amerikanischer Traum, betrachte seine Realität.”
Marshalls technische Meisterschaft ist beeindruckend, aber keine rein zur Schau gestellte Virtuosität. Jeder Pinselstrich ist bedeutungsvoll, jede kompositorische Wahl trägt eine Botschaft. Nehmen wir “School of Beauty, School of Culture” (2012), ein meisterhaftes Werk, das die Codes der historischen Malerei neu interpretiert. Die komplexe Komposition verweist auf Velázquez’ “Las Meninas”, verlegt die Handlung jedoch in einen afroamerikanischen Schönheitssalon. Die Anamorphose im Vordergrund ist nicht langer der Schädel von Holbein, sondern ein Bild von Schneewittchen, eine scharfe Kritik an den westlichen Schönheitsidealen.
Marshalls Genie zeigt sich auch in seiner Behandlung des Bildraums. In der Serie “Souvenir” schafft er häusliche Innenräume, die als Orte kollektiven Gedächtnisses fungieren. Diese Werke verweisen auf Walter Benjamins Theorie der Aura des Kunstwerks, doch Marshall geht darüber hinaus. Er verwandelt den privaten Raum in ein Theater des historischen Gedächtnisses, bevölkert mit geflügelten Gestalten und Gedenkporträts der Helden der Bürgerrechtsbewegung. Die geschichtete Komposition dieser Werke mit verschiedenen Wirklichkeitsebenen erinnert an Rosalind Krauss’ Analysen des modernistischen Rasters, doch Marshall unterläuft dieses Raster, um es als Werkzeug kultureller Erzählung zu nutzen.
Seine chromatische Palette ist eine Revolution für sich. Die tiefen Schwarztöne, die er verwendet, sind nicht monolithisch, sondern aus verschiedenen Pigmenten aufgebaut, was eine tonale Fülle schafft, die unsere Wahrnehmung herausfordert. Dieser Ansatz spiegelt John Bergers Überlegungen zur Sichtbarkeit und Unsichtbarkeit in der Kunst wider. Marshalls Schwarz ist keine Abwesenheit, sondern eine bekräftigte Präsenz, eine Forderung nach Sichtbarkeit, die den Blick zum Verweilen zwingt, nach Nuancen suchen lässt und die Komplexität anerkennt.
In seinen Porträts von Künstlern erreicht Marshall Höhen konzeptueller Raffinesse. Diese Gemälde sind keine bloßen Darstellungen, sondern visuelle Manifeste, die die gesamte Mythologie des westlichen Künstlers infrage stellen. “Untitled (Studio)” (2014) ist diesbezüglich besonders aufschlussreich. Der Künstler wird in seinem Atelier dargestellt, umgeben von traditionellen Attributen des Malers, doch die Szene wird durch zeitgenössische Elemente gestört, die eine faszinierende zeitliche Spannung schaffen. Dieses Werk steht in direktem Dialog mit Courbets “Atelier des Künstlers”, kehrt aber dessen Codes um, um einen kraftvollen Kommentar zur Stellung des schwarzen Künstlers in der Kunstgeschichte zu liefern.
Die Darstellung des Alltagslebens in Marshalls Werk, seine Szenen von Barbieren, Parks und häuslichen Innenräumen, realisiert das, was Geoffroy de Lagasnerie eine Politik der Wahrheit nennt: Sie ist nicht einfach da, sondern offenbart die Machtstrukturen, die unserer Wahrnehmung der Welt zugrunde liegen. In “De Style” (1993) wird der Friseursalon zu einem Ort kulturellen Widerstands, einem Raum, in dem schwarze Schönheit kompromisslos präsent ist. Die Posen der Figuren, ihr direkter Blick zum Betrachter, alles trägt dazu bei, eine Präsenz zu schaffen, die die Konventionen traditioneller Repräsentation herausfordert.
Marshalls Verwendung von Anspielungen auf die Kunstgeschichte ist besonders raffiniert. In “Past Times” (1997) greift er das Genre der pastoralen Malerei mit scharfer Ironie auf. Die traditionell mit der weißen Bourgeoisie assoziierten Freizeitaktivitäten, Golf und Wasserski, werden von schwarzen Figuren neu interpretiert, wodurch ein komplexer Kommentar zu sozialer Klasse und Zugang zu Freizeitangeboten entsteht. Dieses Werk steht in Dialog mit Manets “Le Déjeuner sur l’herbe” und unterläuft gleichzeitig dessen Codes.
Das Thema Schönheit zieht sich wie ein glühender roter Faden durch Marshalls Gesamtwerk. Seine konsequente Verwendung von Figuren in tiefem Schwarz zwingt zu einer Neubewertung unserer westlichen ästhetischen Standards. In “Could This Be Love” (2001) schafft er eine intime Szene von bewegender Schönheit, die die Konventionen romantischer Darstellung in Frage stellt. Die Figuren, in diesem charakteristischen Schwarz gemalt, sind umgeben von einer Atmosphäre, die zwischen sozialem Realismus und poetischem Traum schwankt.
Seine Behandlung des urbanen Raums verdient ebenfalls unsere Aufmerksamkeit. In der Serie “Garden Project” werden die Gebäude von Sozialwohnungsprojekten mit einer architektonischen Präzision dargestellt, die an venezianische Veduten erinnert, jedoch fügt Marshall Elemente hinzu, die diese konventionelle Lesart stören. Die schwebenden Texte, dekorativen Muster und Collagen erzeugen eine Spannung zwischen Realismus und Abstraktion, die die Komplexität der zeitgenössischen urbanen Erfahrung widerspiegelt.
Marshall glänzt besonders in seiner Behandlung der Zeitlichkeit. Seine Werke erzeugen oft bewusste Anachronismen, die verschiedene historische Epochen in Dialog treten lassen. In “Voyager” (1992) vermischt er Anspielungen auf die Geschichte der Sklaverei mit zeitgenössischen Bildern, um eine komplexe Meditation über das historische Gedächtnis zu schaffen. Dieser Ansatz erinnert an Georges Didi-Hubermans Theorien zum Anachronismus in der Kunst.
Marshall schafft Werke, die gleichzeitig auf mehreren Bedeutungsebenen funktionieren. Nehmen Sie “Black Painting” (2003-2006), wo eine scheinbar einfache nächtliche Szene sich als komplexe Meditation über Sichtbarkeit und Unsichtbarkeit entpuppt. Die in der Dunkelheit kaum erkennbaren Figuren werden zu einer kraftvollen Metapher für die afroamerikanische Erfahrung und zugleich zu einer mutigen formalen Erkundung der Grenzen der malerischen Darstellung.
Seine Verwendung von Text in seinen Gemälden ist sehr interessant. Die in seinen Kompositionen schwebenden Worte sind keine bloßen Legenden, sondern eigenständige visuelle Elemente, die einen komplexen Dialog mit den Bildern schaffen. Diese Strategie erinnert an Roland Barthes’ Analysen zur Beziehung zwischen Text und Bild, doch Marshall nutzt sie auf einzigartige Weise, die die Tradition der erzählerischen Malerei bereichert.
Die politische Dimension von Marshalls Werk kann nicht von seinen formalen Qualitäten getrennt werden. Seine Kunst ist politisch, gerade weil sie die Codes der westlichen Malerei perfekt beherrscht und sie gleichzeitig von innen heraus unterläuft. Wie Arthur Danto bemerkte, ist wahrhaft politische Kunst nicht die, die explizite Statements abgibt, sondern die, die unsere Sicht auf die Welt verändert.
Kerry James Marshall ist nicht einfach ein großer afroamerikanischer Maler, er ist einer der wichtigsten Maler unserer Zeit, Punkt. Es ist ihm gelungen, eine Kunst zu schaffen, die tief in der Geschichte der westlichen Malerei verwurzelt und zugleich radikal innovativ ist. Sein Werk zwingt uns, nicht nur die historischen Ausschlüsse der westlichen Kunst anzuerkennen, sondern auch ihre Fähigkeit, sich durch diese Anerkennung neu zu erfinden und zu bereichern.
In einer Welt der zeitgenössischen Kunst, die oft vom spektakulären Leer- und kommerziellen Zynismus dominiert wird, erinnert uns Marshall daran, dass Malerei immer noch ein Werkzeug für soziale und ästhetische Transformation sein kann. Er beschränkt sich nicht darauf, den historischen Ausschluss schwarzer Künstler zu kritisieren, sondern schafft eine neue Tradition, die unser Verständnis der westlichen Kunst bereichert und verkompliziert. Er ist ein Künstler, der versteht, dass die wahre Revolution nicht darin besteht, den Kanon abzulehnen, sondern ihn von innen zu verändern und mit seinen eigenen Mitteln explodieren zu lassen.
Also zeigen Sie beim nächsten Mal, wenn jemand sagt, dass die figurative Malerei tot ist, ein Werk von Kerry James Marshall. Und sehen Sie zu, wie er vor der Kraft einer Kunst, die die einfachen Lösungen des zeitgenössischen Spektakels ablehnt, um etwas wahrhaft Revolutionäres zu schaffen: eine Malerei, die uns zwingt zu sehen, was wir immer abgelehnt haben anzuschauen, völlig die Fassung verliert.
