Hört mir gut zu, ihr Snobs. Hier ist ein Künstler, der die Pinsel tanzen lässt wie andere die Körper im Raum wirbeln. Kitti Narod, geboren 1976 in Thailand, überschreitet mühelos die konventionellen Klassifikationen der zeitgenössischen Kunst, um uns eine Vision der Menschheit zu bieten, die atmet und zugleich herausfordert. Seine Leinwände, bevölkert von Figuren mit fließenden Konturen und andauernder Bewegung, sind ein visuelles Laboratorium, in dem eine bemerkenswert scharfsinnige Soziologie des Intimen erblüht.
In diesem auf den ersten Blick einfachen Werk verbirgt sich eine besonders interessante theoretische Komplexität. Denn hinter diesen geschwungenen Linien und klaren Farben zeichnet sich ein künstlerisches Projekt ab, das mit den großen Herausforderungen unserer Zeit in Dialog tritt: Wie stellt man das Andere dar, ohne es zu reduzieren? Wie bildet man soziale Bewegung ab, ohne sie zu fixieren? Wie gibt man der Utopie eine Form, ohne naiv zu wirken?
Ein Interpretationsraster für die Kunst von Narod
Georg Simmel, ein deutscher Soziologe des frühen 20. Jahrhunderts, hat uns einen revolutionären Ansatz des sozialen Lebens hinterlassen, der in Kitti Narods Werk eine eindrucksvolle Illustration findet [1]. Für Simmel existiert die Gesellschaft nicht als substanzielle Einheit, sondern entsteht durch wechselseitige Handlungen zwischen Individuen. Diese dynamische Auffassung sozialer Interaktion manifestiert sich eindrucksvoll in den Kompositionen des thailändischen Künstlers.
Betrachten wir Narods Gemälde: Sie zeigen stets menschliche Figuren in Interaktion, nie isoliert, immer eingebunden in ein Beziehungsnetz, das den malerischen Rahmen übersteigt. In “Horizon” (2019), diesem monumentalen Werk, das für die Ausstellung “Spectrosynthesis II” geschaffen wurde, erleben wir eine wahre Inszenierung von Formen der Sozialisation. Die Figuren küssen sich, halten Händchen, sehen sich an und schaffen so ein Beziehungsgeflecht, das laut dem deutschen Soziologen das Wesen der Gesellschaft ausmacht.
Simmel unterscheidet den Inhalt der Sozialisation (Motivationen, Wünsche, individuelle Interessen) von ihren Formen (die Interaktionsmodi, die es diesen Inhalten ermöglichen, sozialisiert zu werden). Diese Unterscheidung findet in Narods Kunst eine visuelle Übersetzung von bemerkenswerter Präzision. Die Motive seiner Figuren bleiben absichtlich mehrdeutig: Werden sie von Liebe, Freundschaft oder Verlangen getrieben? Doch die Formen ihrer Interaktion sind klar erkennbar: Umarmungen, gemeinsames Tanzen und das Teilen alltäglicher Aktivitäten.
Der Künstler vollzieht somit eine soziologische Abstraktion mit dem Pinsel. Er zeigt uns, dass nicht die individuelle Psychologie seiner Figuren zählt, sondern die Gestalt, die ihre Beziehungen annehmen. Ihre Gesichter, oft extrem vereinfacht oder sogar anonymisiert, werden zu Variablen in einer größeren sozialen Gleichung. Narod malt keine Individuen, er malt individualisierte Beziehungen.
Dieser Ansatz kommt in seinen Serien über das häusliche Leben mit seinem Partner Gwyn Faemol voll zur Entfaltung. Diese Werke sind weit mehr als einfache autobiografische Momentaufnahmen; sie offenbaren die universelle Dimension der Formen des Zusammenlebens. Wenn Narod zwei Männer darstellt, die gemeinsam frühstücken oder einschlafen, dokumentiert er nicht nur seine eigene Erfahrung, sondern analysiert die Formen des gemeinsamen Lebens, wie sie sich unabhängig vom Geschlecht oder der sexuellen Orientierung der Protagonisten entfalten.
Simmel lehrt uns, dass soziale Formen eine relative Autonomie gegenüber ihren Inhalten besitzen. Sie können unterschiedliche Inhalte aufnehmen, ohne ihre eigene Struktur zu verlieren. Narods Kunst verdeutlicht diese Plastizität sozialer Formen: Die Form “Paar” bleibt dieselbe, egal ob sie von zwei Männern, zwei Frauen oder einem Mann und einer Frau verkörpert wird. Diese soziologische Intuition verleiht seiner Kunst ihre universelle Bedeutung.
Der thailändische Künstler offenbart auch die ästhetische Dimension sozialer Formen. Simmel hatte vorausgesehen, dass manche menschlichen Interaktionen einen Grad formaler Vollkommenheit erreichen, der sie der Kunst näherbringt. Die choreografischen Kompositionen Narods, in denen sich die Körper nach komplexen, aber harmonischen Geometrien bewegen, verkörpern diese Intuition. Seine Figuren interagieren nicht nur, sondern komponieren zusammen visuelle Figuren, die die inhärente Schönheit gelungener sozialer Formen bezeugen.
Diese Ästhetisierung der Soziologie geht einher mit einer Soziologisierung der Ästhetik. Narod verfolgt nicht das Ziel, Schönheit für sich selbst zu erzeugen, sondern die Schönheit zu offenbaren, die im Zentrum der gewöhnlichsten menschlichen Beziehungen liegt. Seine Utopie ist nicht die eines perfekten Welt, sondern die einer Welt, in der die Schönheit sozialer Formen endlich erkannt und angemessen geschätzt wird.
Das Werk des Künstlers bildet somit eine wahre Phänomenologie der Formen zeitgenössischer Sozialisation. Durch seine Pinsel finden Simmels Intuitionen eine visuelle Aktualisierung, die ihre Relevanz zur Verständigung der sozialen Herausforderungen unserer Zeit offenlegt.
Der Tanz als Metapher für soziale Bewegung
Wenn Georg Simmel uns eine soziologische Lesebrille bietet, um die Kunst von Kitti Narod zu verstehen, finden wir den Schlüssel zu seiner Poetik der Bewegung [2] in der Welt des zeitgenössischen Tanzes und insbesondere im Werk von Maurice Béjart.
Maurice Béjart, ein 1927 geborener französischer Choreograf, revolutionierte den Tanz, indem er ihn von den traditionellen Codes des klassischen Balletts befreite und in eine universelle Sprache menschlichen Ausdrucks verwandelte. Seine Auffassung von Tanz als “Kunst der Bewegung, organisiert durch Zeit und Raum” findet ein störendes Echo in der Art und Weise, wie Narod die Malerei konzipiert.
Béjart behauptete, “Tanz ist die Kunst der Bewegung” und müsse der modernen Welt entsprechen. Diese Philosophie spiegelt sich in jedem Bild Narods wider, in dem die Figuren scheinbar ständig in Bewegung sind, eingefroren in Tanzmomenten, die den Bildrahmen sprengen. Der thailändische Künstler malt keine Posen, er malt eingefrorene Bewegungen.
Diese Verwandtschaft mit Béjarts Universum ist kein Zufall. Wie der Choreograf aus Marseille versteht Narod seine Kunst als Mittel, Körper und Seelen in einem kollektiven Schwung zu vereinen, der die Individualitäten übersteigt. Die kreisförmigen Kompositionen, die viele Werke des Künstlers kennzeichnen, erinnern an die runden Choreografien, die Béjart liebte, bei denen die Tänzer perfekte geometrische Figuren bildeten.
Diese Ästhetik des Kreises, die man insbesondere in “The Pool” (2020) findet, ist nicht nur eine formale Wahl. Sie drückt eine Weltanschauung aus, in der die Menschheit ein organisches Ganzes bildet, eine Gemeinschaft miteinander verbundener Schicksale. Béjart verwendete den Kreis als Symbol für die kosmische Einheit und die universelle Brüderlichkeit. Narod übernimmt dieses Symbol, um anzudeuten, dass wir jenseits der Unterschiede von Geschlecht, sexueller Orientierung oder kultureller Herkunft alle Teil einer sich bewegenden Menschheit sind.
Der Einfluss von Béjart zeigt sich auch in der Art und Weise, wie Narod die Körperlichkeit behandelt. Der französische Choreograf pflegte einen gewissen Kult um den männlichen Körper, den er als Synthese von Kraft und Anmut präsentierte. Diese Ästhetik findet sich in Narods männlichen Darstellungen wieder, wo athletische Silhouetten sich mit natürlicher Selbstverständlichkeit im Raum entfalten, was an die Tänzer des Ballets des 20. Jahrhunderts erinnert.
Doch am deutlichsten wird die Verwandtschaft zu Béjart in der Konzeption des Bühnenraums. Béjart träumte davon, den Tanz aus konventionellen Sälen zu befreien und ihn an nicht traditionelle Orte zu bringen: Sportpaläste, Ehrenhöfe und öffentliche Räume. Dieser Wunsch, die Kunst zu demokratisieren, findet sein malerisches Pendant in Narods Kunst, die sorgfältig bürgerliche Innenräume vermeidet und ihre Szenen in unbestimmten, für alle zugänglichen Räumen ansiedelt.
Der thailändische Künstler teilt mit Béjart denselben Glauben an die transformierende Kraft der Kunst. Für den Choreografen sollte der Tanz den Zuschauern die Erfahrung einer Gemeinschaft ermöglichen, die sie dauerhaft verändert. Narod verfolgt ein ähnliches Ziel: Seine Werke sollen beim Betrachter ein Gefühl universeller Empathie hervorrufen, das ihn mit der gesamten Menschheit versöhnt.
Diese spirituelle Dimension der Kunst manifestiert sich in der Art und Weise, wie Narod die Zeitlichkeit behandelt. Seine Figuren bewegen sich in einer ewigen Gegenwart, befreit von den Zwängen der chronologischen Zeit. Diese zeitliche Suspension erinnert an die “Momente der Ewigkeit”, die Béjart auf der Bühne zu schaffen suchte, jene Augenblicke, in denen der Tanz die Zeit zu überwinden schien, um eine transzendente Wahrheit zu offenbaren.
Das Erbe Béjarts zeigt sich schließlich in der impliziten pädagogischen Herangehensweise von Narods Werk. Béjart betrachtete Kunst als für alle zugänglich und entwickelte eine Tanzpädagogik, die den Ausdruck der rein technischen Fertigkeit vorzog. Narod verfolgt eine ähnliche Vorgehensweise, indem er die emotionale Kommunikation über die malerische Virtuosität stellt. Seine Gemälde sprechen den Betrachter unmittelbar an, ohne dass dafür technische Vorkenntnisse erforderlich sind.
Diese Zugänglichkeit impliziert keine Beliebigkeit. Wie Béjart aus einfachen Bewegungen komplexe Choreografien zu schaffen wusste, entwickelt Narod äußerst anspruchsvolle Kompositionen aus einem bewusst reduzierten visuellen Vokabular. Diese Mittelökonomie, die dem maximalen Ausdruck dient, ist eines der charakteristischsten Merkmale seiner Kunst.
Die soziale Utopie in Aktion
Das Werk von Kitti Narod zeichnet sich durch seine Fähigkeit aus, Utopie zu gestalten, ohne in naive Idealismen zu verfallen. Seine Gemälde bieten eine alternative Gesellschaftsvision, in der Harmonie nicht durch das Auslöschen von Unterschieden entsteht, sondern durch deren kreative Orchestrierung. Diese Utopie ist nicht an einem unerreichbaren Ort verortet, sondern entfaltet sich im Hier und Jetzt der Darstellung.
Der Künstler arbeitet durch Anhäufung alltäglicher Details, die er durch die Anmut der Komposition verwandelt. Ein Paar, das Tee trinkt, Freunde, die fernsehen, Schwimmer in einem Pool: so viele banale Situationen, die unter seinem Pinsel eine epische Dimension gewinnen. Narod enthüllt das Außergewöhnliche, das im Gewöhnlichen schlummert.
Diese Verwandlung des Alltags stützt sich auf eine bemerkenswerte Beherrschung der Farbe. Der Künstler verwendet lebendige und satte Töne, die seinen Szenen eine traumhafte Qualität verleihen, ohne sie von der Realität zu trennen. Seine strahlenden Rottöne, tiefen Blautöne, leuchtenden Grüntöne schaffen eine Parallelwelt, die mit unserer verbunden bleibt und sich zugleich durch ihre chromatische Intensität abhebt.
Die Behandlung des Raumes folgt derselben utopischen Logik. Narod vermeidet traditionelle Perspektiven zugunsten flacher Kompositionen, in denen verschiedene Blickwinkel in einem Bild koexistieren. Diese Vielfalt der Perspektiven suggeriert, dass es mehrere legitime Weisen gibt, die soziale Realität zu erfassen.
Der Künstler entwickelt so eine Geometrie der Inklusion, in der jedes Element seinen Platz findet, ohne gegenüber den anderen hierarchisiert zu werden. Seine Kompositionen funktionieren nach einer Logik der Addition statt der Unterordnung: Jede Figur, jeder Gegenstand trägt zum Ganzen bei, ohne von ihm dominiert zu werden.
Diese Gleichbehandlung zeigt sich auch in der Darstellung der Körper. Narod verweigert jede klassische Idealisierung zugunsten einer Feier der morphologischen Vielfalt. Seine Figuren präsentieren unterschiedliche Silhouetten, die die Vielfalt der realen Menschheit widerspiegeln. Der Künstler zeigt uns, dass Schönheit nicht in der Konformität zu einem einzigen Modell liegt, sondern in der Harmonie, die verschiedene Individualitäten gemeinsam schaffen.
Die Politik des Intimen
Das politische Engagement von Kitti Narod zeigt sich nicht durch Anprangerung oder direkte Kritik, sondern durch den Vorschlag eines alternativen Modells des Zusammenlebens. Seine Werke fungieren als soziale Versuchslabore, in denen neue Formen menschlicher Beziehungen getestet werden.
Diese Politik des Intimen manifestiert sich besonders in seiner Art, Sexualität und Affektivität darzustellen. Der Künstler behandelt diese Themen mit einer Natürlichkeit, die Vorurteile entwaffnet. Seine Liebesszenen, egal ob heterosexuelle oder homosexuelle Paare beteiligt sind, werden mit derselben liebevollen Zärtlichkeit dargestellt.
Narod agitiert nicht, er zeigt. Er prangert keine Homophobie an, sondern macht homosexuelle Liebe in ihrer alltäglichsten und zugleich universellsten Dimension sichtbar. Diese Strategie der Sichtbarmachung erweist sich als wirksamer als alle aktivistischen Reden, da sie direkt die Gefühle des Betrachters anspricht.
Der Künstler verfährt ebenso mit Geschlechterfragen. Seine Figuren, oft androgyn, entziehen sich den traditionellen binären Kategorien. Sie bewegen sich in einer postgeschlechtlichen Welt, in der sexuelle Identitäten soziale Rollen nicht mehr bestimmen.
Diese Fluidität der Identitäten geht einher mit einer Fluidität der Beziehungen. Die Grenzen zwischen Freundschaft und Liebe, zwischen biologischer Familie und gewählter Familie, zwischen Öffentlichkeit und Privatheit verschwimmen zugunsten eines relationalen Kontinuums, in dem jeder seinen Platz finden kann.
Narods Engagement zeigt sich schließlich in seiner Vorstellung von Kunst als Raum der Freiheit. Seine Gemälde bieten eine imaginäre Zuflucht, in der dominante soziale Normen zugunsten anderer Existenzmöglichkeiten ausgesetzt sind. Diese kathartische Funktion der Kunst verleiht ihr eine unbestreitbare politische Dimension.
Eine Ästhetik der Versöhnung
Wenn Kitti Narods Werk durch seine stilistische Kohärenz beeindruckt, so beruht dies auf einer Ästhetik der Versöhnung, die sich durch alle seine Kompositionen zieht. Der Künstler sucht ständig danach, Elemente zu harmonisieren, die in der sozialen Realität oft im Konflikt stehen.
Diese Versöhnung vollzieht sich zunächst auf formaler Ebene. Narod gelingt es, Figuration und Abstraktion, Realismus und Stilisierung, Tradition und Moderne in einem Bild zu vereinen. Seine Gemälde zeugen von einer bemerkenswerten Fähigkeit, verschiedene Einflüsse zu synthetisieren, ohne sie auf den kleinsten gemeinsamen Nenner zu reduzieren.
Der Künstler verfährt ebenso mit kulturellen Referenzen. Seine Kunst schöpft gleichermaßen aus buddhistischer Ikonographie wie aus westlicher Pop-Art, aus der Ästhetik des Manga wie aus der von Matisse. Diese kreative Aneignung verhindert das Risiko des Synkretismus dank der einigenden Kraft seiner persönlichen Vision.
Die Versöhnung erstreckt sich auch auf thematische Inhalte. Narod gelingt es, Elemente darzustellen, die im gewöhnlichen Erleben getrennte Bereiche betreffen: Arbeit und Freizeit, Heiliges und Profanes, Individuelles und Kollektives. Seine Gemälde bieten eine ganzheitliche Sicht auf das menschliche Dasein, in der alle Lebensaspekte ihren legitimen Platz finden.
Diese Ästhetik der Versöhnung kulminiert in der Behandlung der Zeitlichkeit. Der Künstler lässt in einem einzigen Bild verschiedene narrative Momente nebeneinander existieren und schafft so eine zusammengesetzte Zeit, die der linearen Chronologie entgeht. Diese komplexe Zeitlichkeit ermöglicht es seinen Werken, die ganze Fülle einer menschlichen Beziehung in einem einzigen Bild zu verdichten.
Die Kunst von Narod stellt somit eine wahre Lektion im Zusammenleben dar. Er zeigt uns, dass es möglich ist, divergierende Interessen zu versöhnen, unterschiedliche Kulturen miteinander in Dialog zu bringen und Harmonie ohne Uniformität zu schaffen.
Das Werk von Kitti Narod bietet uns eine versöhnte Sicht auf die Menschheit, die trotz der Konflikte und Spannungen der zeitgenössischen Welt die Konturen eines bewohnbaren Möglichen zeichnet. Diese konkrete Utopie beschränkt sich nicht darauf, das Bestehende zu kritisieren, sondern skizziert die Formen einer wünschenswerten Zukunft. Darin stellt die Kunst dieses thailändischen Künstlers einen der anregendsten Vorschläge der zeitgenössischen asiatischen Kunst dar. Sie erinnert uns daran, dass Kunst, fern davon, ein bloßer Schmuck des Daseins zu sein, ein Instrument sozialer Transformation und ein Labor menschlicher Experimentierfreude sein kann. Durch seine Pinsel tanzen die unendlichen Möglichkeiten einer Menschheit, die endlich mit sich selbst versöhnt ist.
- Georg Simmel, Sociologie : Études sur les formes de la socialisation, PUF, 1999 (Originalausgabe 1908).
- Maurice Béjart, Interview über seine Auffassung von Tanz, INA-Archiv, 1968.
