Hört mir gut zu, ihr Snobs. Ich werde euch heute von einem Künstler erzählen, der in den 1970er Jahren das iranische Kunstestablishment auf den Kopf gestellt hat, Koorosh Shishegaran, geboren 1945 in Qazvin. Ein Schöpfer, der die Linie zu einem Manifest machte und die Straße zu einem Kunstwerk, lange bevor eure kleinen konditionierten Hirne begannen, sich für Street Art und andere urbane Interventionen, die gerade in Mode sind, zu begeistern.
Lassen Sie mich Ihnen eine Geschichte erzählen, die Ihre Gewissheiten über zeitgenössische Kunst erschüttern wird. Im Jahr 1977, während Sie sich wahrscheinlich in Ihren minimalistischen Galerien entspannten und überteuerte Gemälde betrachteten, klebte Shishegaran Plakate entlang der Shahreza-Allee in Teheran, auf denen er erklärte, dass die Straße selbst sein Kunstwerk sei. Kein White Cube nötig, keine Vernissage mit Canapés und Champagner. Das Leben, das wahre Leben, als rohes Material der Kunst. Diese Aktion mit dem Titel “Art+Art” war nicht nur eine einfache Provokation eines Künstlers, der nach Anerkennung suchte. Es war eine meisterhafte Ohrfeige ins Gesicht der institutionellen Kunst, ein Akt, der mit den Gedanken des Philosophen Walter Benjamin über den Verlust der Aura des Kunstwerks im Zeitalter seiner technischen Reproduzierbarkeit mitschwingt. Benjamin hätte mit beiden Händen applaudiert, als er sah, wie Shishegaran die Trennung zwischen Kunst und Alltagsleben pulverisierte und jeden Passanten in einen unfreiwilligen Zuschauer und jede urbane Geste in eine künstlerische Performance verwandelte.
Aber warten Sie, das ist nur die Spitze des Eisbergs. Bereits bei seiner ersten Ausstellung 1973 in der Mess Gallery in Teheran begann Shishegaran, die etablierten Konventionen zu erschüttern. Statt sich dem Kunstmarkt anzupassen, hatte er sich entschieden, seine Werke kostenlos an das Publikum zu verschenken. Sie haben richtig gehört: VERSCHENKEN. Nicht verkaufen, nicht tauschen, nicht verleihen. Verschenken. Ein Ansatz, der direkt auf die Theorien von Jacques Rancière über die “Aufteilung des Sinnlichen” verweist, diese politische Verteilung dessen, was in einer Gesellschaft sichtbar, sagbar und machbar ist. Shishegaran beschränkte sich nicht darauf, Kunst neu zu verteilen, er definierte die Regeln ihrer Produktion und Verbreitung neu.
Zwischen 1973 und 1974 entwickelte er das, was er seine “Mass Production Works” nennt, eine Serie von Werken, die den Fragen der Reproduzierbarkeit und Zugänglichkeit von Kunst, die unsere Zeitgenossen so sehr beschäftigen, um Jahrzehnte voraus sind. Er verwendet Autolack auf Holzplatten und schafft Kompositionen, in denen Alltagsgegenstände mit abstrakten Mustern vermischt werden. Dies ist eine meisterhafte Verhöhnung der angenommenen Einzigartigkeit des Kunstwerks, eine Feier der Multiplikation, die die Theorien der Postproduktion von Nicolas Bourriaud vorwegnimmt.
Dann folgt seine “Appropriation of Works of Great Artists”-Phase (1974-1976), in der er sich mit einer Kühnheit an die großen Meister heranwagt, die Sherrie Levine verblassen ließe. Es geht nicht nur darum, zu kopieren oder zu zitieren, sondern zu verdauen und zu transformieren, eine neue visuelle Syntax zu schaffen, die kulturelle Grenzen überschreitet. Er nimmt Elemente bekannter Werke und kombiniert sie mit seinen eigenen Konzepten, wodurch kulturelle Hybride entstehen, die jede einfache Kategorisierung herausfordern.
1976 startete er sein Projekt “Postal Art” und verschickte künstlerische Postkarten auf der ganzen Welt. Es ist nicht einfach Mail Art à la Ray Johnson, sondern eine wahre Guerilla-Art-Strategie, die das Postsystem als Medium nutzt. Er schuf unter anderem ein Plakat über den fragilen Friedensprozess im Libanon, das er in Form von Postkarten an politische, soziale, kulturelle und mediale Zentren weltweit verschickte. Kunst als Träger politischen Bewusstseins, ohne jemals in die Falle leichter Propaganda zu tappen.
Die 1980er Jahre markieren einen Wendepunkt in seiner Praxis, aber täuschen Sie sich nicht: Es ist kein Verzicht auf seine radikalen Prinzipien, sondern deren Sublimierung. Er entwickelt das, was zu seiner visuellen Signatur wird: diese wellenförmigen Linien, diese endlosen Spiralen, die wie tanzende Derwische unter Einfluss von Substanzen scheinbar über die Leinwand wirbeln. Diese abstrakten Kompositionen sind keine bloßen formalen Übungen, um die Galerie zu beeindrucken. Nein, diese Geflechte aus Linien sind mentale Karten, emotionale Seismographen, die die Turbulenzen unserer Zeit festhalten.
Betrachten Sie aufmerksam eines seiner monumentalen Werke wie diese Leinwand “Sans titre” von 1991, mit den Maßen 184 x 298,5 Zentimeter. Die Linien verschlingen sich, überlagern sich und schaffen schwindelerregende Tiefen, die uns in einen chromatischen Strudel ziehen. Es ist wie Jackson Pollock, der persische Kalligrafie studiert hätte, aber radikaler, intensiver. Jede Linie ist wie ein Satz in einem endlosen visuellen Gedicht, eine Feier der Unendlichkeit, die sowohl auf die sufische Tradition als auch auf die Chaosmathematik Bezug nimmt.
Was Shishegaran so einzigartig macht, ist, dass er die Linie in eine echte philosophische Sprache verwandelt. Seine Werke sind visuelle Meditationen über das deleuzianische Konzept des Rhizoms, diese nicht-hierarchische Struktur, die sich auf unvorhersehbare Weise entwickelt und multiple horizontale Verbindungen schafft. Jedes Bild ist ein komplexes Netzwerk von Linien, die sich ohne Anfang oder Ende kreuzen und jede lineare Lesart herausfordern. Es ist ein meisterhafter Tritt in den Ameisenhaufen der traditionellen iranischen Kunst, dabei jedoch tief in seiner visuellen Kultur verwurzelt.
Nehmen Sie seine Serie von Selbstporträts aus dem Jahr 2007, ausgestellt in der Khak Gallery. Anstatt sich mit einer einfachen narzisstischen Darstellung zu begnügen, schafft er dreißig digitale Variationen desselben Werks, spielt mit Farben und Formen, um die vielfältigen Facetten der Identität zu erforschen. Es ist eine regelrechte Verhöhnung der Einzigartigkeit des Kunstwerks, eine Feier der Vielheit, die den Theorien von Gilles Deleuze über Differenz und Wiederholung entspricht. Jede Variation ist sowohl gleich als auch verschieden und erzeugt ein konzeptuelles Schwindelgefühl, das unsere Gewissheiten über Originalität in der Kunst in Frage stellt.
Während des Iran-Irak-Krieges (1980-1988) schufen viele Künstler eine ungefährliche dekorative Kunst als Zuflucht, doch Shishegaran erstellt eine Serie von Zeichnungen, die den düsteren Geist der Zeit einfängt. Diese Werke, 1990 in der Golestan Gallery ausgestellt, sind keine wörtlichen Darstellungen des Konflikts, sondern tiefgründige emotionale Zeugnisse, die den reinen politischen Kommentar übersteigen. In der Abstraktion findet er die angemessenste Sprache, um über das Unsagbare zu sprechen.
Gutmeinende Kritiker könnten einwenden, dass seine Arbeit der letzten Jahrzehnte zu zahm geworden sei, zu „verkaufbar”. Aber genau darin liegt sein Genie. Indem Shishegaran das System meisterte, das er ursprünglich kritisierte, gelang es ihm, in den Kunstmarkt einzudringen und dabei die Integrität seiner Vision zu bewahren. Seine jüngsten Werke, wie die 2013 in der Opera Gallery in London ausgestellten, sind keine Kompromisse, sondern natürliche Entwicklungen seiner Reflexion über Kunst als Träger sozialen Wandels.
Sein Einfluss auf die zeitgenössische iranische Kunst ist vergleichbar mit dem von Joseph Beuys auf die europäische Kunst, mit dem entscheidenden Unterschied, dass Shishegaran sich in einem politisch und sozial wesentlich komplexeren Kontext bewegen musste. Wie Beuys, der verkündete, dass jeder Mensch ein Künstler sei, hat Shishegaran gezeigt, dass jede Straße ein Kunstwerk sein kann, jede Linie ein Manifest. Er verwandelte den künstlerischen Akt in einen politischen, ohne je in die Falle der Propaganda oder vereinfachter Botschaften zu tappen.
Im Jahr 2014 schafft er “Figure”, eine Leinwand von 160 x 200 Zentimetern, die den Höhepunkt seiner technischen und konzeptuellen Meisterschaft darstellt. Das Werk ist ein Strudel aus blauen, roten und orangen Linien auf grauem Hintergrund, durchsetzt mit weißen Strichen, die ein Gefühl ständiger Bewegung erzeugen. Es ist eine atemberaubende Demonstration seiner Fähigkeit, komplexe psychologische Räume aus einfachen Linien zu schaffen. Jede Kurve ist sorgfältig durchdacht, jeder Schnittpunkt berechnet, um maximale Wirkung zu erzielen. Es ist Action Painting, das durch den Filter nicht-euklidischer Geometrie gegangen ist.
In seinen “PhotoWorks” aus den Jahren 1995, 1996 erforscht er die Verschmelzung von Fotografie und Malerei, indem er seine charakteristischen Linien über Landschaften und natürliche Texturen legt. Es ist kein bloßes Stil-Exerzitium, sondern eine tiefgründige Reflexion über die Natur der Darstellung und die Beziehung zwischen verschiedenen künstlerischen Medien. Diese hybriden Werke antizipieren die Fragen nach dem Postmedium, die so sehr die zeitgenössische Kunst heute beschäftigen.
Seine jüngsten Ausstellungen, wie die im Bermondsey Project Space im Jahr 2020, zeigen einen Künstler, der die Grenzen seiner Kunst weiterhin verschiebt. Die Linien sind immer noch da, aber sie sind komplexer und bedeutungsvoller geworden. Jede Leinwand ist wie eine musikalische Partitur für ein Orchester der Emotionen, in der Farben und Formen visuelle Symphonien schaffen, die jeder einfachen Beschreibung trotzen.
Also wenn Sie sich das nächste Mal vor einer partizipativen Installation auf einer beliebigen Biennale begeistern, denken Sie daran, dass Shishegaran bereits sozial engagierte Kunst schuf, als die meisten heute angesagten zeitgenössischen Künstler noch Windeln trugen. Und wenn Sie seine Leinwände mit den tanzenden Linien in einer klimatisierten Galerie betrachten, vergessen Sie nicht, dass diese abstrakten Arabesken direkte Erbinnen seiner radikalen Aktionen der 1970er Jahre sind. Sie tragen denselben Willen in sich, Kunst in kollektive Erfahrung zu verwandeln und jeden Betrachter zu einem aktiven Teilnehmer an der Sinnschöpfung zu machen.
So, liebe kleine Snobs, ihr habt gerade eine Kunstgeschichtsstunde erhalten, die eure kleinen vorgefassten Kategorien bei Weitem übersteigt. Koorosh Shishegaran ist nicht nur ein Künstler, er ist ein Revolutionär, der verstanden hat, dass wahre Kunst sich nicht auf die Wände von Museen beschränkt. Es ist an der Zeit, dass ihr eure Augen und Geister für diese Realität öffnet. Und wenn ihr nicht einverstanden seid, nun ja, dann habt ihr die zeitgenössische Kunst nicht verstanden.
