Hört mir gut zu, ihr Snobs, es ist an der Zeit, über eine Künstlerin zu sprechen, die unsere Gewissheiten über zeitgenössische Kunst mit der Konsistenz einer viskosen Substanz erschüttert. Kotao Tomozawa, geboren 1999 in Bordeaux, verkörpert dieses faszinierende Paradoxon einer Künstlerin, die Unbehagen in Erhabenheit verwandelt, Erstickung in Befreiung.
Ihr glaubt, zeitgenössische Kunst zu kennen? Lasst mich euch erzählen, wie diese junge Franco-Japanerin, bewaffnet mit Schleim und einer tiefempfundenen Sensibilität, unsere Beziehung zum Selbstporträt neu definiert. In ihren monumentalen Gemälden, in denen Gesichter unter Schichten aus durchscheinender Masse zerfließen, malt Tomozawa nicht nur, sie fängt das Wesentliche unserer angstvollen Epoche ein, in der Authentizität in einem Meer aus künstlichen Bildern ertrinkt.
Auf den ersten Blick mögen ihre Werke wie ein einfaches ästhetisches Spiel erscheinen: hyperrealistische Porträts, die von einer gelartigen, faszinierend schimmernden Substanz überflutet werden. Doch täuscht euch nicht. Jedes Bild ist ein schwindelerregender Tauchgang in das, was Roland Barthes das “punctum” nannte, dieses berührende Detail, das den Betrachter durchdringt. Aber hier ist das punctum kein Detail, sondern die Substanz selbst, die die Leinwand durchdringt, wie eine flüssige Metapher für unsere komplexe Beziehung zur Identität.
Nehmen wir ihr jüngstes Werk “Slime CXCⅦ” (2024), in dem die Künstlerin sich in einem Zustand zwischen Qual und Ekstase darstellt. Dieses Werk erinnert an Ovids “Metamorphosen”, in denen Körper durch göttliche Kräfte verwandelt werden. Doch bei Tomozawa ist die Verwandlung keine göttliche Strafe, sondern ein bewusster Akt des Verschwindens und der Wiedergeburt. Die Künstlerin erzählt, wie sie, erschöpft durch die sozialen Medien und deren endlosen Bilderstrom, sich eines Tages spontan mit Schleim bedeckte. Diese scheinbar absurde Geste wurde zum Fundament ihrer künstlerischen Praxis.
Dieser Ansatz spiegelt die Gedanken von Maurice Merleau-Ponty zur Phänomenologie der Wahrnehmung wider. In “Das Auge und der Geist” schreibt der Philosoph: “Indem der Maler seinen Körper der Welt leiht, verwandelt er die Welt in ein Gemälde”. Tomozawa nimmt diese Idee wörtlich: Sie leiht ihren Körper buchstäblich der Erfahrung des Schleims, verwandelt ein körperliches Gefühl des Erstickens in eine malerische Befreiung. Ihre Gemälde stellen nicht einfach eine mit klebriger Substanz bedeckte Person dar, sie verkörpern genau den Moment, in dem das Sein in der reinen Empfindung aufgeht.
Ein weiteres charakteristisches Merkmal ihrer Arbeit ist der wiederkehrende Einsatz ihrer Kindheitspuppe Ruki-chan. Diese Figur, die in zahlreichen ihrer Werke wie “Slime XCIX” (2021) erscheint, ist kein simples nostalgisches Accessoire. Sie fungiert als das, was Walter Benjamin eine “dialektische Bild” nannte, ein Objekt, das Vergangenheit und Gegenwart, Persönliches und Universelles in sich vereint. Indem Tomozawa Ruki-chan mit Schleim überzieht, begibt sie sich nicht nur auf eine nostalgische Reise in ihre Kindheit; sie erforscht die Grenzen zwischen Belebtem und Unbelebtem, Vertrautem und Fremdem in einem Vorgehen, das an den freudianischen Begriff der “unheimlichen Fremdheit” erinnert.
Oberflächliche Kritiker werden sagen, dass ihre Arbeit nur eine Variation zum Thema der fluiden Identität sei, das in unserer Zeit so präsent ist. Aber das verfehlt das Wesentliche. Was Tomozawa inszeniert, ist weniger die Fluidität der Identität als die körperliche Erfahrung des Verschwindens und der Wiederkehr des Selbst. Wenn sie den Moment beschreibt, in dem sie sich zum ersten Mal mit Schleim bedeckte, nicht mehr atmen konnte und fühlte, wie die Zeit sich auflöste, berührt sie etwas Tieferes als eine bloße künstlerische Performance.
Ihr Werdegang ist ebenso faszinierend wie ihre Werke. Sie hat 2024 ihren Abschluss an der Kunstuniversität Tokio gemacht, nachdem sie 2019 den Kume-Preis und 2021 den Ueno-Geiyu-Preis erhalten hatte. Ihre Einzelausstellungen folgen in rasantem Tempo, von Tokio bis Hongkong, jede markiert eine Entwicklung in ihrer Praxis. Ihre jüngste Ausstellung, “Réflexion”, gezeigt im N&A Art SITE, markiert eine bedeutende Wende in ihrer Nutzung von natürlichem Licht, indem sie aquatische Motive einführt, die über die Gesichter ihrer Puppen zu tanzen scheinen.
Was ihre Arbeit heute besonders relevant macht, ist, dass sie kollektive Ängste in ästhetische Erfahrung transformiert. Während unsere Welt von digitalen Bildern und Instagram-Filtern übersättigt ist, bei denen jeder mit einem Klick sein Aussehen verändern kann, wählt Tomozawa einen radikal körperlichen Ansatz. Sie stellt sich einer Grenzerfahrung, indem sie sich mit Schleim bis zur Erstickung bedeckt, um Werke zu schaffen, die durch scheinbare Verneinung von Echtheit sprechen.
Die Technik, die sie einsetzt, ist ebenso bemerkenswert wie ihr Konzept. Ihre Ölgemälde zeigen eine außergewöhnliche Beherrschung von Texturen und Transluzenz. Jedes Bild ist eine technische Meisterleistung, in der das malerische Material selbst lebendig zu sein scheint, in stetiger Bewegung. Die Reflexionen, die sie einfängt, sind keine bloßen dekorativen Effekte, sie erzeugen eine ständige Spannung zwischen Oberfläche und Tiefe, Präsenz und Abwesenheit.
Ihre Zusammenarbeit mit ihrer Mutter, Mimiyo Tomozawa, im Duo “Tororoen” verleiht ihrer Arbeit eine weitere Dimension. Diese künstlerische Mutter-Tochter-Beziehung ruft das hervor, was Julia Kristeva in “Macht des Schreckens” über das Abjekt und das Mütterliche theorisiert. Die Werke von Kotao können als komplexe Aushandlung mit dem mütterlichen Erbe betrachtet werden, wobei der Schleim ein Medium ist, das gleichzeitig Verbindung und Trennung ermöglicht.
Ihre neuesten Werke, inspiriert von ihren Reisen nach Indien und Thailand, führen eine neue Farbpalette ein, die vom natürlichen Licht beeinflusst ist. Diese Entwicklung zeigt eine Künstlerin, die sich fern davon befindet, sich auf eine bewährte Formel auszuruhen, und weiterhin ihre Praxis erkundet und die Grenzen davon erweitert.
Tomozawa repräsentiert eine neue Künstlergeneration, die sich nicht damit begnügt, unsere Zeit zu kommentieren, sondern sie physisch in ihrer Praxis verkörpert. Ihre Werke sind keine Fenster zur Welt, sondern sinnliche Erfahrungen, die uns mit unseren eigenen Grenzen konfrontieren. In einer Welt, in der digitale Kunst und bedeutungslose NFTs die künstlerische Erfahrung vollständig entmaterialisieren zu drohen, erinnert uns ihre Arbeit an die entscheidende Bedeutung des Körpers und des physischen Gefühls.
Ihr fulminanter Erfolg, ihre Werke werden sofort nach der Präsentation verkauft, könnte eine übermäßige Kommerzialisierung ihrer Praxis befürchten lassen. Doch Tomozawa bewahrt eine bemerkenswerte künstlerische Integrität, experimentiert weiter und geht Risiken ein. Jede neue Ausstellung offenbart eine Künstlerin, die ihre Forschung vertieft, anstatt nur die Erwartungen des Marktes zu erfüllen.
Kotao Tomozawa ist nicht nur eine Künstlerin, die Porträts oder ihre Puppe mit Schleim malt, sie ist eine Schöpferin, die unser Verständnis dessen, was ein Selbstportrait im digitalen Zeitalter sein kann, neu definiert. Ihre Arbeit erinnert uns daran, dass in einer zunehmend virtuellen Welt die physische Erfahrung und das Körpergefühl unersetzliche Quellen künstlerischer Wahrheit bleiben.
