Hört mir gut zu, ihr Snobs. Ich weiß, ihr haltet euch für überlegen mit euren absconsen Kommentaren über die chromatische Komposition der Werke, die in euren bürgerlichen Salons hängen. Aber heute sprechen wir über eine Künstlerin, die sich königlich über eure intellektuellen Posen lustig macht, während sie eine Kunst schafft, die euch trotz euch zum Nachdenken zwingt: Laisvyde Salciute.
Diese in Kaunas geborene Litauerin aus dem Jahr 1964 ist alles andere als eine konventionelle Künstlerin. Sie ist eher eine Art visuelle Geschichtenerzählerin, die das Rohmaterial unserer von Bildern übersättigten Welt in etwas Neues, Seltsames und zutiefst Beunruhigendes verwandelt. Wenn ihr nach hübschen Blumen oder beruhigenden Landschaften sucht, geht vorbei. Hier sind wir in einem Gebiet, wo klassische Referenzen verfremdet werden, Körper sich verwandeln und Kindergeschichten zu Albträumen für Erwachsene werden.
Salciute ist eine Konzeptkünstlerin, die zwischen mehreren Medien navigiert: Malerei, Installation, Fotografie, Druckgrafik, Zeichnung und literarische Texte. Ihre jüngste Arbeit mit der Figur der Mélusine, einer mythischen Kreatur, ist besonders aufschlussreich für ihre künstlerische Herangehensweise. In ihrer Serie “Le Paradis de Mélusine” schafft sie ein visuelles Universum basierend auf bayesscher Statistik, diesen mathematischen Formeln, die Wahrscheinlichkeiten berechnen, wenn man nur einen Teil der Informationen hat.
Dieser mathematische Ansatz ist kein Zufall. Er spiegelt perfekt unsere Zeit wider, in der wir ständig mit partiellen Informationen, Bildfragmenten und Wahrheitsfetzen bombardiert werden, die in einem Ozean von digitalem “Spam” ertränkt sind. Salciute wendet eine Methode an, die sie “ökologisch” nennt: Sie recycelt Bilder und Texte aus dem Internet, entzieht sie ihrem ursprünglichen Kontext und setzt sie nach dem Prinzip des Paradoxons neu zusammen. Das Resultat? Visuelle Märchen für Erwachsene, die uns die Realität als eine künstliche Konstruktion präsentieren.
Die von Salciute verwendete Technik ist ebenso einzigartig wie ihre Vision. Für ihre jüngsten Werke beginnt sie mit Holzschnitt, überträgt diese Gravur dann sorgfältig mit einem Löffel auf Leinwand, reibt geduldig die Ölfarbe ein. Ist die Leinwand trocken, fügt sie Schichten aus Acrylfarbe hinzu. Dieser mühsame Prozess, der monastische Geduld erfordert, ist an sich schon ein Widerstand gegen die Unmittelbarkeit unserer digitalen Ära.
Wenn man sich “The Rape of Europe” (2019) oder “Judith and Holofernes” (2019) ansieht, wird man sofort vom hybriden Charakter der dargestellten Figuren beeindruckt. Diese Personen mit leuchtenden Augen und Nimbus, der an religiöse Ikonen erinnert, sind in Wirklichkeit Avatare der Mélusine, jener europäischen mythologischen Gestalt, die ihr gesamtes jüngstes Werk durchzieht. Salciute spielt ständig mit den Grenzen zwischen Heiligem und Profanem, Mythologischem und Zeitgenössischem, Schönem und Groteskem.
Was Salciute von so vielen zeitgenössischen Künstlerinnen unterscheidet, ist ihr Ablehnen des Didaktischen. Sie sagt uns nicht, was wir denken sollen, erschlägt uns nicht mit einer expliziten politischen Botschaft. Im Gegenteil, sie lädt uns ein, durch ihr visuelles Universum zu navigieren wie durch ein Labyrinth ohne vorbestimmten Ausgang. Jede Zuschauerin konstruiert ihre eigene Erzählung angesichts dieser Werke, die wie verzerrte Spiegel unserer Konsumgesellschaft funktionieren.
Salciutes Praxis fügt sich in eine alte künstlerische Tradition ein und ist zugleich entschlossen zeitgenössisch. Ihre Methode der Aneignung und Umdeutung bereits vorhandener Bilder erinnert an die dadaistischen Collagen, während ihre Faszination für mythologische Figuren den Symbolismus evoziert. Doch ihre Kunst ist in den Anliegen unserer Zeit verankert: die Hypervernetzung, die Überfülle an Bildern, die illusorische Suche nach Glück in einer konsumorientierten Gesellschaft.
Im Jahr 2021 wurde Laisvyde Salciute mit dem Luxembourg Art Prize ausgezeichnet, einem renommierten internationalen Preis für zeitgenössische Kunst, was die Anerkennung ihrer Arbeit über die Grenzen Litauens hinaus bestätigt. Diese Auszeichnung ist nur die jüngste einer langen Reihe von Preisen und Stipendien, die ihre Karriere seit den 1990er Jahren auszeichnen.
Die Figur der Mélusine, die in ihrer jüngeren Arbeit wiederkehrend ist, verdient besondere Beachtung. Diese legendäre Kreatur, halb Frau, halb Schlange, die dazu verdammt ist, sich an einem Tag in der Woche teilweise in ein Reptil zu verwandeln, trägt eine reiche Symbolik. Sie steht für Hybridität, das Dazwischen, die permanente Verwandlung. Indem Salciute sie als Hauptfigur ihrer Werke wählt, spricht sie über unsere zeitgenössische eigene Bedingung: Wir sind alle gewissermaßen hybride Wesen, sowohl physisch als auch digital, ständig im Wandel.
Analysiert man ihre Arbeit durch das Prisma der jungianischen Psychoanalyse, kann man in diesen hybriden Figuren eine visuelle Manifestation unseres kollektiven Unbewussten [1] sehen. Jung sah in mythologischen Symbolen den Ausdruck universeller psychischer Strukturen. Salciutes Mélusine, mit ihrem teilweise schlangenartigen Körper, kann als Darstellung des Individuationsprozesses interpretiert werden, jenes psychischen Wegs, der zur Integration widersprüchlicher Aspekte unserer Persönlichkeit führt.
Diese psychoanalytische Lesart ist umso relevanter, als Salciute ständig mit den Begriffen von fluiden Identitäten und Transformation spielt. In ihrer von “Orlando” von Virginia Woolf inspirierten Serie erforschte sie bereits 2012 die Themen Geschlechterfluidität und wandelnde Identität. Wie Jung erklärte, ist das Unbewusste nicht nur ein Behälter für das Verdrängte, sondern auch eine kreative Quelle. Salciutes hybride Kreaturen scheinen direkt aus diesem kreativen Unbewussten hervorzutreten und konfrontieren uns mit unseren eigenen Schattenbereichen.
Doch Salciutes Werk ist auch durch das Prisma feministischer Theorie lesbar. Ihre Darstellungen von Frauen-Schlangen, Frauen-Vögeln, Frauen-Monstern stellen binäre Kategorisierungen infrage und hinterfragen traditionelle Darstellungen des weiblichen Körpers in der Kunstgeschichte. Indem sie sich mythologische Erzählungen wie “Judith und Holofernes” oder “Die Entführung Europas” aneignet, kehrt sie die üblichen Perspektiven um und verleiht diesen weiblichen Figuren neue Macht.
In ihrem Essay “Das Lachen der Medusa” forderte Hélène Cixous Frauen auf, “ihren Körper zu schreiben”, um sich von patriarchalen Diskursen zu befreien [2]. Salciute scheint auf diesen Aufruf zu antworten, indem sie Bilder von verwandten, hybriden weiblichen Körpern schafft, die sich restriktiven Definitionen entziehen. Ihre Mélusinen sind keine passiven Opfer, sondern aktive, ironische Figuren, die uns mit Intensität ansehen.
Diese feministische Dimension ihrer Arbeit ist besonders deutlich in einem Werk wie “Space” (2019), in dem sie eine Ballerina darstellt, die sich wie eine Rakete in den Himmel schwingt und gleichzeitig winzige Astronauten gebiert, die durch eine Nabelschnur mit ihr verbunden sind. Dieses kraftvolle Bild illustriert die zeitgenössische Frau, die beruflich exzellent sein und gleichzeitig die Mutterschaft übernehmen soll. Salciute bietet uns keine simplistische Kritik dieser doppelten Aufforderung, sondern eine surreale und mehrdeutige Visualisierung, die zum Nachdenken anregt.
Salciutes Kunst ist auch durch eine starke narrative Dimension geprägt. Ursprünglich ausgebildet als Kinderbuchillustratorin (sie erhielt 2006 den IBBY-Preis für das beste Buch des Jahres für jüngste Leser), behielt sie aus dieser Praxis eine Vorliebe für visuelles Erzählen. Doch ihre Geschichten für Erwachsene sind weit komplexer und mehrdeutiger als traditionelle Märchen. Sie funktionieren wie visuelle Rebusse, die jeder Betrachter mit seinen eigenen intellektuellen und emotionalen Werkzeugen entschlüsseln muss.
Diese erzählerische Qualität bringt ihre Arbeit der von bestimmten Künstlern nahe, die sie als Inspirationsquellen nennt: Marcel Dzama, Barbara Kruger oder Grayson Perry. Wie sie nutzt sie das Bild, um Geschichten zu erzählen, die über den rein visuellen Rahmen hinausgehen. Ihre Kunst ist “literarisch” im Sinne dessen, dass sie Erzählungen, Figuren und Situationen heraufbeschwört, während sie tief in der malerischen Materialität verankert bleibt.
Ihre letzte Ausstellung, “The Bestiary”, die 2024 in der Galerie Titanikas in Vilnius gezeigt wurde, bestätigt diese narrative Ausrichtung. In dieser Serie interpretiert sie das Anthropozän durch das Prisma mittelalterlicher Bestiarien und der Wunderkammern der Renaissance. Sie erzählt Geschichten von “Öko-Angst” und hinterfragt auf ironische Weise die Dichotomie zwischen Kultur und Natur. Das Ergebnis ist das, was die Kuratorin Laima Kreivytė ein “umgekehrter Zoo” [3] nennt, in dem zweibeinige und vierbeinige Kreaturen auf Leinwand und Papier weiden, beobachtet vom allwissenden Auge eines Affen, eines Elefanten, eines Löwen oder eines Schwans.
Dieses zeitgenössische Bestiarium, in dem Chimären zu Hybriden und Zentauren zu “Quattrobern” geworden sind, ist emblematisch für Salciutes Ansatz. Sie vermischt wissenschaftliche, esoterische, mythische, religiöse, literarische und künstlerische Referenzen in einer paradoxen, aber kohärenten visuellen Erzählung. Es ist eine Kunst, die vom Betrachter aktives Engagement verlangt, die Bereitschaft, die vielfältigen Bedeutungsebenen zu erforschen.
Ironie ist eine wesentliche Komponente von Salciutes Kunst. Ihre Werke sind oft von beißendem Humor durchdrungen, der ihr dramatisches Potenzial entschärft. Diese Ironie ist nicht willkürlich; sie fungiert als kritisches Werkzeug, das uns ermöglicht, Distanz zu den Bildern zu gewinnen, die uns täglich bombardieren. Durch das Recycling und die Umdeutung dieser Bilder hilft uns Salciute, eine Form visueller Immunität gegenüber der Informationsverschmutzung unserer Zeit zu entwickeln.
Die Kunst von Laisvyde Salciute ist eine Kunst der Transformation und Metamorphose. Jedes ihrer Werke, ob gezeichnet, gemalt, graviert oder animiert, befindet sich in einem permanenten Übergangszustand. Nicht nur die Figuren verwandeln sich (eine Frau und eine Schlange oder eine Frau-Schlange), sondern die Werke selbst, sie verbinden sich und divergieren, enthüllen ihre Eingeweide oder verstecken sich hinter poppigen Visuals.
In einer Welt, die von vorgefertigten Bildern und simplistischen Erzählungen übersättigt ist, bietet uns Salciute eine visuelle Erfahrung, die sich passivem Konsum widersetzt. Ihre Kunst zwingt uns, langsamer zu werden, aufmerksam zu beobachten und das, was wir sehen, zu hinterfragen. Es ist anspruchsvolle Kunst, manchmal verstörend, aber immer anregend. Und ist das nicht die wesentliche Funktion der zeitgenössischen Kunst? Uns nicht in unseren Gewissheiten zu bestärken, sondern uns herauszufordern, zu hinterfragen und uns wiederum zu transformieren.
Das nächste Mal, wenn Sie einem Werk wie “Silence Around Us” oder “The Rape of Europe” gegenüberstehen, nehmen Sie sich die Zeit, wirklich hinzuschauen. Beobachten Sie, wie Salciute klassische Bilder umwandelt, um etwas Neues zu schaffen. Beachten Sie die Details in “Judith and Holofernes”, wo ihre sorgfältige Technik des Holzschnitts und dann der Übertragung auf Leinwand einzigartige Texturen schafft. Diese Werke laden uns ein, über unsere eigene Beziehung zu den Bildern nachzudenken, die uns täglich umgeben. Vielleicht liegt darin die Stärke der Kunst von Salciute: uns unsere Welt anders sehen zu lassen, als würden wir uns plötzlich im Spiegelbild eines Computerbildschirms entdecken, Trägerinnen derselben Hybridisierungen und Widersprüche wie ihre halb-menschlichen, halb-tierischen Figuren.
- Jung, Carl Gustav. Der Mensch und seine Symbole. Robert Laffont, Paris, 1964.
- Cixous, Hélène. Das Lachen der Medusa und andere Ironien. Galilée, Paris, 2010.
- Kreivytė, Laima. “Das Bestiarium: Ein umgekehrter Zoo”, Ausstellungstext, Vilnius Academy of Arts, 2024.
