Hört mir gut zu, ihr Snobs. In dieser Welt der zeitgenössischen Kunst, in der digitale Installationen die Materie verdrängen und das Konzept oft die Sinnlichkeit des Werks erstickt, erscheint Lionel Sabatté als ein einzigartiger Künstler, ein Archäologe der Gegenwart, der unsere täglichen Abfälle in poetische Schätze verwandelt. Dieser 1975 in Toulouse geborene Franzose, der zwischen Paris und Pont-Audemer lebt, hat sich als einer der faszinierendsten Künstler seiner Generation durch seine Fähigkeit durchgesetzt, dem gefallenen Material neues Leben einzuhauchen.
Stellen Sie sich einen Moment vor: Wölfe, die aus Staub geformt sind, der in der Pariser U-Bahn gesammelt wurde, Vögel aus oxidiertem Bronze, Einhörner aus Beton und Kurkuma, Fische der Tiefsee, zusammengesetzt aus Ein-Cent-Münzen. Sabatté ist jener seltene Künstler, der das Unbedeutende ins Bedeutungsvolle, das Unsichtbare ins Sichtbare, den Abfall zum Objekt der Betrachtung verwandeln kann. Indem er methodisch sammelt, was wir wegwerfen, Staub, abgestorbene Haut, Fingernagelreste, Baumstümpfe, verbranntes Holz, , schafft er ein fantastisches Tierreich, das unsere Beziehung zur Welt und zur Materie hinterfragt.
Staub, das emblematische Material seines Werks, wird unter seinen geschickten Händen zum Träger einer tiefen Reflexion über Zeit und kollektives Gedächtnis. Wie Ada Ackerman treffend bemerkte: “Indem Sabatté den Staub aufsammelt, der per Definition verstreut und fortgetragen werden soll, verwandelt er ihn in einen verschmolzenen, einheitlichen Körper” [1]. Diese Staubwölfe, die 2011 im Naturhistorischen Museum gezeigt wurden, sind nicht einfach tierische Skulpturen. Sie verkörpern eine Form des modernen Totemismus, Träger einer kollektiven DNA, die in den unterirdischen Gängen der französischen Hauptstadt angesammelt wurde.
Was die Arbeit von Sabatté tiefgreifend kennzeichnet, ist die stetige Spannung zwischen der Zerbrechlichkeit der Materialien, die er verwendet, und der suggestiven Kraft seiner Schöpfungen. Seine Werke erinnern uns an unsere eigene Sterblichkeit und feiern zugleich die Fähigkeit der Materie zur Transformation und Wiedergeburt. Sie sprechen von unserer Existenz als vergängliche Wesen in einer Welt ständiger Veränderung.
Nehmen wir seine Arbeiten mit den Münzen. Diese hundert Euro-Cent, aufgegeben, weil als wertlos angesehen, werden zu den schimmernden Schuppen von Meereswesen oder den kupferfarbenen Federn fantastischer Vögel. Durch diese moderne Alchemie kehrt Sabatté unsere Werteskala um. Es zählt nicht mehr der wirtschaftliche Wert, sondern die menschliche und historische Last, die diese Objekte, die von Hand zu Hand wandern, angesammelt haben. Wie er selbst erklärt: “Kunst hilft beim Leben. Sie erweitert unseren Horizont” [2].
Aber Sabatté auf einen bloßen Müll-Recycler zu reduzieren, wäre die tief biologisch und ökologisch geprägte Dimension seines Werks zu übersehen. Seine Schöpfungen konfrontieren uns mit der fundamentalen Vernetzung aller Lebensformen. In seiner Installation “La sélection de parentèle”, präsentiert im Musée de la Chasse et de la Nature im Jahr 2017, bestehend aus einem Baum, einem vierbeinigen Tier und einer menschlichen Silhouette, veranschaulicht er die biologische Theorie von William Donald Hamilton über kooperative Prozesse zwischen genetisch verwandten Organismen. Dieses Werk wird so zu einer visuellen Meditation über das, was uns mit anderen lebenden Arten verbindet.
Dieses ökologische Bewusstsein zeigt sich auch in seinen Skulpturen, die den Pu’erh-Tee verwenden, ein seit Jahrtausenden konsumiertes altes Getränk. Wie Ackerman feststellte, “sind Sabattés Ziegen, Pflanzenfresser, buchstäblich aus Pflanzen geformt, nach einer Poetisierung, die an die Kunst von Giuseppe Penone erinnert” [1]. Durch dieses mit Geschichte beladene Material evoziert der Künstler die Jahrtausende alten Rituale, die Menschen und ihre natürliche Umwelt miteinander verknüpft haben.
Sabattés Kindheit auf Réunion hat unbestreitbar diese organische Beziehung zur natürlichen Welt genährt. Von 1986 bis 1996, lebend auf dieser vulkanischen Insel, entwickelte er eine besondere Sensibilität für die Zyklen der Natur, ihre manchmal brutalen, oft majestätischen Veränderungen. Diese tägliche Erfahrung der Elemente, Meer, Vulkane, üppige Biodiversität, spiegelt sich in jedem seiner Werke wider, sei es in seinen Skulpturen oder Gemälden.
Denn Lionel Sabatté ist auch Maler. Und was für einer! Seine Leinwände, Wirbel aus Farben und Materialien, tauchen uns in marine oder kosmische Abgründe ein. Wie Léa Bismuth treffend schrieb: “Für ihn ist die Malerei eine abgründige ‚Fabrik der Tiefen‘, sei es im historischen oder geografischen Sinn” [3]. In diesen flach gearbeiteten Bildkompositionen entstehen durch Farbflüsse und chemische Reaktionen aquatische oder faserige Oberflächen, Ausbrüche von Quallen, Farbkonzentrationen, die so toxisch wie stellaren ähneln.
Vielleicht zeigt Sabatté sich am deutlichsten als Erbe der Höhlenkunst in seiner Reihe der “Rust paintings”, jenen Metallplatten, die chemisch oxidiert werden, um seltsame Formen und Farben zu enthüllen. Diese Werke, zwischen technischer Beherrschung und kontrolliertem Zufall angesiedelt, rufen die Höhlenmalereien der prähistorischen Zeit in Erinnerung. Sie mahnen uns, dass Kunst seit ihren Anfängen darin besteht, das, was bereits im Material vorhanden ist, zu enthüllen, Formen aus dem ursprünglichen Chaos hervorzubringen.
Diese Verbindung zur prähistorischen Kunst ist nicht beiläufig. Sie verankert Sabattés Arbeit in einer langen, fast geologischen Zeitlichkeit. Seine Werke werden so zu Brücken zwischen unserer beschleunigten Gegenwart und der uralten Vergangenheit, in der der Mensch begann, die Welt um sich herum darzustellen. Wie Baptiste Brun betonte, “trägt Lionel Sabatté dasselbe Verlangen nach einer kosmischen Auffassung, die er mit seinen Zeitgenossen teilt. Die formlos-universelle Erfassung” [4].
Im Jahr 2020 wurde Sabatté für diese einzigartige Herangehensweise mit dem prestigeträchtigen Luxembourg Art Prize ausgezeichnet, einer internationalen Anerkennung seines Talents. Dieser Preis ist nur eine der vielen Auszeichnungen, die seinen Werdegang markieren und die Relevanz seines Schaffens in der zeitgenössischen Kunstlandschaft bestätigen. Und heute zählt der Künstler zu den 3 für den Prix Marcel Duchamp 2025 nominierten Künstlern, der höchsten Auszeichnung in der französischen zeitgenössischen Kunstwelt.
Wenn uns Sabattés Werk zutiefst berührt, dann auch, weil es mit unseren zeitgenössischen Ängsten angesichts der ökologischen Krise mitschwingt. Seine hybriden Kreaturen, zugleich zerbrechlich und kraftvoll, verkörpern unsere eigene Verletzlichkeit angesichts der Umweltumwälzungen. Doch sie zeigen uns auch die Resilienz des Lebendigen, seine Fähigkeit, sich ständig neu zu erfinden.
Nehmen wir seine monumentalen “Eulen”, die seit Anfang der 2020er Jahre entstehen. Diese imposanten Skulpturen fungieren als Zufluchtsorte, Beobachtungsposten oder sogar als “symbolische Häuser” im Sinne von Yannick Mercoyrol, der sie als “eine vorübergehende Höhle beschreibt, die den Schrecken der weiten Welt in einem auf mich zugeschnittenen Raum mildert” [5]. Angesichts der zunehmenden Unsicherheit der zeitgenössischen Welt bieten uns diese Werke einen Zufluchtsort, einen Raum der Sammlung und der Verbindung mit etwas, das uns übersteigt.
Sabattés Schöpfungen stellen uns auch unserer eigenen Sterblichkeit gegenüber, jedoch ohne Pathos oder Selbstgefälligkeit. Die von ihm verwendeten Materialien, Staub, abgestorbene Haut, sind ebenso Erinnerungen an unsere vergängliche Existenz. Doch durch den Schaffensakt überwindet er diese Endlichkeit. Damit reiht er sich in eine jahrhundertealte künstlerische Tradition ein, die von Rembrandt bis Soutine das Fleisch und seinen Zerfall zum Gegenstand ästhetischer Betrachtung gemacht hat.
Seine jüngsten Gemälde, die 2023 im Schloss Chambord präsentiert wurden, mit ihren großen Fragmenten von Seidenstoffen, die in die Oberfläche integriert sind, zeugen von dieser Abstammung. Die Frontalität der weißen, vertikalen Form ordnet diese Werke in eine historische Linie ein, die von Rembrandts “Der gehäutete Stier” (1655) eingeleitet wurde, von demjenigen Soutines (1925) und Ende der 1970er Jahre von den Gemälden der Serie “Misslungene Fluchten” von Rebeyrolle aufgegriffen wurde. Doch während bei diesen Darstellungen der Tod und der Verfall im Vordergrund standen, sieht Sabatté darin auch “Chrysalis”, potenzielle Geburten.
Diese Ambivalenz ist es genau, die die Kraft seiner Arbeit ausmacht. Seine Werke sind zugleich Überreste und Geburten und bestätigen, dass hier der Lebenszyklus selbst dargestellt wird. Wie ein Kritiker zutreffend bemerkte, gelingt es Sabatté, “die verkörperte Kraft des Fleisches und, genauer gesagt, das, was immer im Werden ist, darzustellen” [6].
Die ökologische Dimension von Sabattés Arbeit beschränkt sich nicht auf eine bloße Feier der Natur. Sie umfasst eine tiefgehende Reflexion über unsere kollektive Verantwortung angesichts der Umweltkrise. Seine dem Dodo gewidmeten Werke, diesem emblematischen Vogel der Insel Mauritius, der im 17. Jahrhundert infolge der europäischen Kolonisierung ausgestorben ist, erinnern uns an die zerstörerische Kraft des Menschen auf seine Umwelt.
Doch über diese pessimistische Feststellung hinaus lädt Sabatté uns ein, unsere Beziehung zur materiellen Welt neu zu überdenken. Indem er Materialien, die als wertlos gelten, ein zweites Leben schenkt, zeigt er uns, dass eine andere Ökonomie möglich ist, die nicht mehr auf Ausbeutung und Ablehnung basiert, sondern auf Transformation und Wertschätzung. Seine Kunst wird so zutiefst politisch, ohne je in Didaktik oder Moralisieren zu verfallen.
Diese politische Dimension zeigt sich auch in seinen “vermischten Reparaturen”, diesen Werken, in denen er beschädigte Schmetterlingsflügel, die er von Entomologen erhalten hat, wiederherstellt, um daraus geflügelte Erweiterungen fantastischer Wesen aus abgestorbenen Häuten zu schaffen. Wie Ackerman andeutet, könnte diese Arbeit von der Geschichte der Sklaverei unterstrichen werden, einer Wunde, die durch gemischte Verbindungen und Vermischung mit der Zeit überwunden und geheilt wird.
Der “Rote Phönix”, 2015 an der Sklavenroute auf Mauritius entstanden, veranschaulicht diese heilende Dimension seiner Kunst perfekt. Für die Gestaltung dieser Skulptur, die den mythischen Vogel darstellt, der aus seiner Asche neu entstehen kann, verwendete der Künstler vulkanisches Gestein, das am Fuße des Morne gefunden wurde, des Berges, an dem sich flüchtende Sklaven versteckten. Indem Sabatté diesen schweren Stein in ein luftiges Tier verwandelt, deutet er dessen möglichen Flug an, kehrt den Absturzprozess um, der ihn dorthin brachte, wo er gefunden wurde, und spiegelt damit die Geste des Sklaven wider, der sich erhebt, um seine Freiheit zu erlangen.
So spricht uns Sabattés Kunst von Emanzipation, Wiedergeburt und Transformation. Sie zeigt uns, dass selbst in den schlichtesten Materialien, in dem Abfall, den wir wegwerfen, eine potenzielle Schönheit, eine Lebensenergie existiert, die nur darauf wartet, enthüllt zu werden. Darin ist seine Arbeit zutiefst humanistisch und erinnert uns an unsere Fähigkeit, unsere Lage zu überwinden.
Doch täuschen wir uns nicht. Wenn uns Sabattés Werk berührt, dann nicht durch naiven Optimismus oder New-Age-Spiritualität. Im Gegenteil, durch seine Klarheit angesichts der Widersprüche unserer Zeit. Seine Skulpturen von sich selbst in den Schwanz beißenden Schlangen aus Münzen erinnern an die Absurdität unseres unersättlichen Geldhungs, diesen kapitalistischen Wahnsinn, der uns dazu treibt, unseren eigenen Lebensraum zu zerstören.
Was die Größe von Lionel Sabatté ausmacht, ist seine Fähigkeit, eine Kunst zu schaffen, die sowohl in den Anliegen unserer Zeit verwurzelt als auch mit den ewigen Fragen der Menschheit verbunden ist. Eine Kunst, die unsere Sinne ebenso anspricht wie unseren Intellekt. Eine Kunst, die, wie er selbst sagt, “dem Entsetzen der Welt Sinn verleiht” und uns hilft zu leben.
In einer zeitgenössischen Kunstlandschaft, die manchmal zu konzeptuell und zu entkörperlicht ist, erinnert uns Sabatté an die Bedeutung von Materie, Geste und Transformation. Er zeigt uns, dass Kunst nicht nur eine Sache von Diskurs oder Ideen ist, sondern auch von Präsenz, Körperlichkeit und Sinnlichkeit. Darin ist er ein Erbe einer langen künstlerischen Tradition, die von Leonardo da Vinci bis Joseph Beuys die Materie zum Träger eines Weltverständnisses gemacht hat.
Also, beim nächsten Mal, wenn Sie zu Hause Staubsaugen, nehmen Sie sich einen Moment Zeit, um den Staub anzuschauen, den Sie gleich wegwerfen werden. Denken Sie daran, dass diese unscheinbaren Partikel in den Händen eines Künstlers wie Lionel Sabatté zum Stoff eines majestätischen Wolfs oder eines fantastischen Vogels werden könnten. Und vielleicht sehen Sie dann die Welt um sich herum mit anderen Augen, aufmerksam für die verborgene Schönheit im Gewöhnlichen, empfindsam für die stillen Verwandlungen, die vor unseren flüchtigen Blicken geschehen.
- Ada Ackerman, “Lionel Sabatté oder die Kunst, das Zusammen-Sein Gestalt zu geben”, 2018.
- Lionel Sabatté, Interview für High Net Worth, “Lionel Sabatté: Die Menschlichkeit der Kunst”, 8. Januar 2019.
- Léa Bismuth, Artpress2, Das Durchqueren von Ängsten / 3. Schwindel, Nr. 458, September 2018, S. 12.
- Baptiste Brun, Ausstellungskatalog “Lionel Sabatté, heimliche Pollen”, Schloss Chambord, 2023.
- Yannick Mercoyrol, Schlächter. Die Wege von Lionel Sabatté, Paris, Bernard Chauveau Éditions, 2024, S. 60.
- Französische Wikipedia-Seite über Lionel Sabatté, “Arbeit > Malerei”, abgerufen im Mai 2025.
