Hört mir gut zu, ihr Snobs. Lisa Brice malt, wie andere atmen: mit jener existenziellen Dringlichkeit, die wahre Künstler von Bilderproduzenten unterscheidet. In ihren mit Kobaltblau gesättigten Gemälden begnügt sich diese seit 1999 in London ansässige Südafrikanerin nicht damit, die Geschichte der westlichen Kunst zu überdenken. Sie demontiert sie, setzt sie neu zusammen und projiziert sie in ein Universum, in dem Frauen endlich aufhören, Objekte zu sein, um Subjekte ihrer eigenen Existenz zu werden.
Das Werk von Brice ist in einem Ansatz verankert, der an die Theorien erinnert, die Michel Foucault über die Beziehungen zwischen Macht und Repräsentation entwickelte [1]. Wie der französische Philosoph in seinen Analysen der sozialkontrollierenden Mechanismen gezeigt hat, offenbart die Art und Weise, wie wir Körper darstellen, die Herrschaftsstrukturen, die unsere Gesellschaften regeln. Brice scheint diese Lektion mit bemerkenswerter Schärfe verinnerlicht zu haben. Ihre blauen Frauen, mit Zigaretten im Mund und undurchdringlichem Blick, entziehen sich den traditionellen visuellen Codes der Weiblichkeit. Sie präsentieren sich nicht dem Betrachter, sie existieren unabhängig von seinem Blick. Diese neu erlangte Autonomie drückt sich besonders in ihrer Serie Untitled (2023) aus, in der eine nackte Künstlerin sich selbst malt, wie sie ihre Intimpartien untersucht und so L’Origine du monde von Courbet zu einem Akt feministischer Emanzipation macht. Die Frau ist nicht länger das Objekt des männlichen Blicks, sondern wird zur Urheberin ihrer eigenen Darstellung.
Diese Strategie der Aneignung hat ihre Wurzeln in den feministischen Bewegungen der 1960er Jahre, als die gynäkologische Selbstuntersuchung zu einem politischen Akt der Rückeroberung medizinischen Wissens und weiblicher Sexualität wurde. Brice ordnet sich in diese Tradition ein, indem sie das Selbstporträt zum Akt des Widerstands macht. Ihre Frauen betrachten sich, malen sich, verwandeln sich nach ihrem eigenen Willen. Sie bewohnen Schwellenräume, Bars, Ateliers und Zimmer, die traditionell als männlich oder als Orte sexueller Transaktionen kodiert sind, und setzen dort ihre eigenen Regeln durch. Die Künstlerin verlegt so die historischen Figuren von Manet, Degas und Vallotton in eine alternative Gegenwart, in der Passivität der Handlungsmacht weicht. In Untitled (after Vallotton) (2023) wird die schwarze Frau aus La Blanche et la Noire ihrerseits zur Malerin und kehrt die Machtverhältnisse des Originalwerks um.
Die Wahl des Blaus bei Brice ist niemals zufällig. Diese Farbe, die in der westlichen Kunst als Symbol für Reichtum und Göttlichkeit dominierte, die Picasso nutzte, um Melancholie auszudrücken, und die Yves Klein sich aneignete, bis sie zu seinem exklusiven Terrain wurde, wird hier zum Mittel einer visuellen Befreiung. Brice schöpft aus der Bildwelt des Karnevals von Trinidad und Tobago, wo sich die “Blue Devils” mit blauer Farbe bedecken, um den gewöhnlichen sozialen Zwängen zu entgehen. Diese kulturelle Referenz verwandelt die Farbe in eine Maske der Emanzipation. Das Blau löscht rassische Unterschiede aus, verwischt festgelegte Identitäten und schafft einen Raum möglicher Transformation. Es erinnert auch an jene besondere Stunde der Dämmerung, den Schwebezustand zwischen Tag und Nacht, in dem alles kippen kann.
Der Einfluss des Kinos auf das Werk von Brice ist besonders interessant. Die Künstlerin arbeitete als Storyboard-Designerin, bevor sie zur Malerei zurückkehrte, und diese Erfahrung spiegelt sich im Aufbau ihrer Bilder [2] wider. Ihre Kompositionen besitzen diese filmische Qualität, die jedes Gemälde zu einem Einzelbild aus einem imaginären Film macht. Die Frauen von Brice scheinen in diesen Zwischenmomenten eingefangen, die den großen Regisseuren so lieb sind, wenn die Figuren aufhören, ihre gesellschaftliche Rolle zu spielen, um ihre wahre Natur zu offenbaren. Diese Ästhetik erinnert an die Filme der Französischen Nouvelle Vague, in denen die Heldinnen von Godard oder Truffaut ihre Freiheit durch kleine alltägliche Revolutionen eroberten.
Brices filmische Herangehensweise zeigt sich auch in ihrer Behandlung von Raum und Zeit. Ihre Gemälde funktionieren wie offene Erzählsequenzen, in denen der Betrachter die Geschichte anhand visueller Hinweise rekonstruiert. Die Perlenvorhänge, Spiegel und Bildschirme, die ihre Kompositionen strukturieren, erzeugen ein komplexes Spiel von Offenbarung und Verbergung, das an den Filmschnitt erinnert. In Untitled (after Manet & Degas) (2023) wird die Rekonstruktion der Bar der Folies-Bergère zu einem Drehort, an dem die Schauspielerinnen die Kontrolle über die Kamera übernommen haben. Die Verweise auf Degas’ Absinthtrinkerinnen und Manets Pflaume sind keine nostalgischen Zitate mehr, sondern Bestandteile einer zeitgenössischen visuellen Syntax.
Diese komplexe zeitliche Dimension offenbart eine der Hauptstärken von Brices Werk: ihre Fähigkeit, einen Dialog zwischen Vergangenheit und Gegenwart zu schaffen, ohne in reine Parodie zu verfallen. Die Künstlerin begnügt sich nicht damit, Meisterwerke der Vergangenheit zu modernisieren, sie bringt sie mit unserer Epoche in Konflikt, um ihre ideologischen Voraussetzungen zu offenbaren. Ihre Version von Ophelia verwandelt die suizidale Jungfrau von Millais in eine kämpferische Frau, die eine Bar betritt, Bier in der Hand und Zigarette im Mund. Diese Metamorphose ist nicht beliebig: Sie zeigt, wie die westliche Kunst die weibliche Passivität lange gefeiert hat, selbst im Tod.
Die von Brice gemalten Räume, Bars, Ateliers und Wohnungen, sind eroberte Territorien, in denen sich eine autonome weibliche Geselligkeit entfaltet. Ihre Frauen trinken, rauchen, entkleiden sich, malen nach ihren eigenen Wünschen, fernab vom normierenden männlichen Blick. Diese Geografie der Freiheit findet ihren vollen Ausdruck in ihrer jüngsten Ausstellung “Lives and Works”, in der die Künstlerin mit den biographischen Codes der Kunstgeschichte spielt. Der Titel bezieht sich auf die Viten von Vasari und zugleich auf die Verwaltungsformel, die Künstler anhand ihres Wohnorts identifiziert. Brice hinterfragt so die Mechanismen zum Aufbau von künstlerischem Ruhm und wie Biographie die Rezeption von Werken beeinflusst.
Brices malerische Technik trägt voll zur Ästhetik der Emanzipation bei. Ihre großzügigen, ohne aufzutragen aufgetragenen Farbschichten, die verschwommenen Konturen, die die Formen vibrieren lassen, und ihre Art, die Leinwand stellenweise durchscheinen zu lassen, zeugen von einem spontanen Ansatz, der die polierte Perfektion ablehnt. Diese freie Gestik widersetzt sich den Konventionen der traditionellen Genremalerei, bei der technische Virtuosität oft dazu diente, die Objektivierung weiblicher Körper zu verherrlichen. Bei Brice kehrt die Malerei zu ihrer taktilen und sinnlichen Dimension zurück, ohne je in Selbstgefälligkeit zu verfallen.
Die Künstlerin entwickelt ebenfalls eine originelle Beziehung zur Serie und Wiederholung. Ihre zahlreichen Studien in Öl auf Transparentpapier funktionieren wie ein visuelles Labor, in dem sie Posen, Bildausschnitte, Interaktionen zwischen Figuren ausprobiert. Diese Methode erinnert an die von Filmemachern, die mehrere Takes anfertigen, um den richtigen Moment einzufangen. Das Transparentpapier, ein Material zum Übertragen und Überlagern, wird zur Metapher für kulturelle Weitergabe und künstlerische Aneignung. Brice kann so ihre Figuren von einer Komposition zur anderen verschieben und schafft ein kohärentes Universum, in dem ihre blauen Heldinnen in völliger Freiheit agieren.
Der dezente Humor, der sich durch Brices Werk zieht, ist eine mächtige Waffe gegen die Schwerfälligkeiten der offiziellen Kunst. Ihre Anspielungen auf die alten Meister verfallen niemals in blinden Respekt. Wenn sie Manets Bardame in eine zeitgenössische DJ verwandelt oder Gertrude Stein neben Unbekannten aus Trinidad posieren lässt, offenbart sie die Willkür kultureller Hierarchien. Diese kontrollierte Unverschämtheit erinnert an den Geist der Surrealisten, die schon ein Jahrhundert zuvor die bürgerlichen Kunstkonventionen sprengten.
Die internationale Dimension von Lisa Brices Werk verdient besondere Hervorhebung. Die südafrikanische Künstlerin, am Kap ausgebildet, lebenslang in London ansässig und mit Studios in Trinidad vertraut, verkörpert jene Generation nomadischer Künstler, die ihre Ästhetik in der Bewegung entwickeln. Ihre visuellen Referenzen schöpfen sowohl aus der westlichen Kunst als auch aus karibischen und afrikanischen Kulturen. Diese kulturelle Hybridisierung zeigt sich visuell durch aufschlussreiche Details: ein französisches Weinglas ersetzt durch ein Stag-Bier aus Trinidad, eine Pariser Baskenmütze ausgetauscht gegen einen tropischen Anglerhut. Diese scheinbar beiläufigen Substitutionen offenbaren in Wirklichkeit eine subtile postkoloniale Herangehensweise, die den westlichen Blick dezentriert, ohne in einfache Forderungen zu verfallen.
Die Behandlung der Nacktheit bei Brice illustriert diese nuancierte Herangehensweise perfekt. Ihre nackten Frauen sind niemals verletzlich oder selbstgefällig. Sie nehmen ihren Körper mit einer Lässigkeit an, die jeden Voyeurismus entschärft. Diese erlangte Natürlichkeit steht in scharfem Gegensatz zu den akademischen Mal-Codes, bei denen weibliche Nacktheit systematisch für männliche Lust erotisiert wurde. Bei Brice wird die Nacktheit wieder zu einem natürlichen Zustand, befreit von belastenden moralischen oder sexuellen Konnotationen.
Die jüngste Entwicklung von Brices Werk hin zu monumentalen Formaten zeugt von wachsendem Ehrgeiz. Ihre großformatigen Leinwände verwandeln den Akt des Betrachtens in ein körperliches Erlebnis. Der Betrachter wird in diese blauen Universen eingetaucht, wo die Grenze zwischen Realität und Fantasie verschwimmt. Diese Immersionsstrategie zeigt ein feines Verständnis der zeitgenössischen Herausforderungen der Malerei angesichts der Konkurrenz durch digitale Bilder. Brice strebt nicht danach, mit Technologie zu konkurrieren, sondern beansprucht die unersetzliche Spezifik der malerischen Erfahrung.
Kritiker könnten Lisa Brice eine gewisse dekorative Selbstgefälligkeit in der Verwendung von Blau oder eine Tendenz zur Illustration in ihren filmischen Referenzen vorwerfen. Diese Vorwürfe wären ungerecht, da sie die tiefgehende Kohärenz eines Ansatzes verkennen würden, der Farbe und Erzählung zu Instrumenten subtiler Gesellschaftskritik macht. Brices Blau ist niemals willkürlich, es trägt eine symbolische und politische Ladung, die sich durch ihr gesamtes Werk entfaltet. Ebenso sind ihre Anleihen beim Kino keine kulturelle Anekdote, sondern eine Reflexion über zeitgenössische Formen der Konstruktion kollektiver Imagination.
Die Kunst von Lisa Brice gilt heute als eines der ausgereiftesten Angebote der zeitgenössischen gegenständlichen Malerei. Ihre Arbeit geht weit über den Rahmen der feministischen Kunst hinaus, um die Mechanismen der Darstellung zu hinterfragen, die unsere Wahrnehmung der Welt prägen. Indem sie ihre Heldinnen aus den historischen Zwängen befreit, die sie gefangen hielten, eröffnet sie einen Möglichkeitsraum, in dem Kunst wieder ein Gebiet der Experimentation und Freiheit wird. Ihre blauen Frauen, mit Zigaretten an den Lippen und stolzen Blicken, verkörpern diese Rückeroberung der schöpferischen Autonomie, die in unserer Zeit der visuellen Standardisierung schmerzlich fehlt.
In einer Welt, in der sich Bilder unaufhörlich vermehren und die Darstellung weiblicher Körper zwischen Kommerzialisierung und Moralisierung schwankt, schlägt Lisa Brices Werk einen dritten Weg vor: den der wiedergewonnenen Würde. Ihre Frauen sind weder Opfer noch Konsumobjekte, sie sind einfach menschlich in der ganzen Komplexität dieses Begriffs. Diese zurückgewonnene Menschlichkeit ist vielleicht das schönste Erbe, das eine Künstlerin unserer Zeit hinterlassen kann. Denn über Fragen von Geschlecht oder Darstellung hinaus geht es genau darum: der Kunst ihre Fähigkeit zurückzugeben, das Offenbarste und Authentischste in uns zu enthüllen.
Lisa Brices Werk erinnert uns daran, dass die Malerei eine Kunst des Widerstands bleibt, fähig, dominante Codes zu unterwandern und neue Weisen des Sehens zu erfinden. In ihren tiefen Blautönen und freien Gesten zeichnet sie die Konturen einer Welt, in der künstlerische Schöpfung wieder synonym für kollektive Emanzipation stehen würde. Eine wertvolle Lektion für unsere Zeit, die so sehr den Weg zur Authentizität wiederfinden muss.
- Michel Foucault, Überwachen und Strafen: Die Geburt des Gefängnisses, Paris, Gallimard, 1975.
- Lisa Brice, Gespräch mit Aïcha Mehrez, Tate Etc, Nr. 43, Sommer 2018.
