Hört mir gut zu, ihr Snobs. Ich weiß, ihr denkt, ihr wisst alles über zeitgenössische Kunst mit euren obskuren Theorien und euren Vernissagen, bei denen der Biowein teurer ist als die ausgestellten Werke. Aber heute werde ich euch von Loie Hollowell erzählen, geboren 1983, einer Künstlerin, die eure hübschen, wohlgeordneten Kategorien zerschmettert, um etwas wirklich Revolutionäres zu schaffen.
Während unsere zeitgenössische Kunstszene das Konzept über das Empfinden stellt, wo komplizierte Erklärungen den unmittelbaren Erfahrungen vorgezogen werden, wagt Hollowell genau das Gegenteil. Ihre monumentalen Gemälde, mit ihren skulpturalen Reliefs und hypnotischen Farbverläufen, entführen uns in ein Universum, in dem der weibliche Körper zum Kosmos wird. Verwechselt das nicht: Es handelt sich nicht einfach um eine weitere geometrische Abstraktion in der übersättigten Landschaft der zeitgenössischen Kunst. Hollowell schafft eine völlig neue visuelle Sprache, in der jede Form, jede Farbe im Rhythmus der intimsten Erfahrung von Weiblichkeit pulsiert.
Nehmen wir ihre kürzliche Serie “Split Orbs” von 2021. Diese imposanten Werke mit ihren Zwillingskugeln, die von leuchtenden Kraftlinien durchzogen sind, repräsentieren mehr als nur eine formale Erkundung. Sie verkörpern eine tiefgehende Meditation über die Dualität der körperlichen Existenz, besonders im Kontext von Mutterschaft. Wo viele Künstler sich mit einer buchstäblichen Darstellung oder kalter Abstraktion zufrieden geben würden, bietet Hollowell uns eine transzendente Erfahrung, die all unsere Sinne anspricht.
Edmund Burke schrieb im 18. Jahrhundert über das Erhabene als eine Erfahrung, die uns übersteigt und uns erschreckt, während sie uns unwiderstehlich anzieht. Hollowell aktualisiert diesen Begriff, indem sie Werke schafft, die uns der ursprünglichen Kraft des weiblichen Körpers gegenüberstellen, dieser Kraft, die in der Lage ist, Leben zu schaffen, uns aber auch mit unserer eigenen Sterblichkeit konfrontiert. In ihren Gemälden ist ein einfacher Kreis niemals nur ein Kreis, er wird abwechselnd zur nährenden Brust, zu einem sich bildenden Planeten, zum Portal in eine andere Dimension der Erfahrung.
Ihr formaler Wortschatz ist von außergewöhnlichem Reichtum. Die Mandorlen, diese mandelförmigen Formen, die sowohl die Vulva als auch die heilige Aura der mittelalterlichen religiösen Kunst evozieren, werden unter ihrem Pinsel zu mehrdeutigen Symbolen, die die einfache Dichotomie zwischen Heiligem und Profanem transzendieren. Die Spitzbögen, entlehnt an die gotische Architektur, verwandeln sich in milchgefüllte Brüste oder mystische Berge. Jede Form ist mit einer Vielzahl von Bedeutungen aufgeladen, die sich gegenseitig bereichern.
Das Licht spielt eine entscheidende Rolle in ihrer Arbeit, und das nicht nur als malerischer Effekt. Durch ihre subtilen Farbübergänge und Reliefflächen schafft Hollowell Werke, die zu scheinen scheinen, ihre eigene innere Leuchtkraft zu erzeugen. Friedrich Wilhelm Schelling sprach von Licht als Manifestation des Absoluten in der materiellen Welt. Hollowells Gemälde verkörpern diese Idee, indem sie das Licht in eine fast tastbare Präsenz verwandeln, die gleichzeitig die Materialität des Körpers offenbart und transzendiert.
Ihr Einsatz von Farbe ist besonders ausgefeilt. Das himmelblaue verschmilzt mit hautfarbenen Rosa, das in blutrotes Explodieren übergeht und eine chromatische Choreografie schafft, die die Flüsse und Rückflüsse körperlicher Empfindungen evoziert. In “Dilation Stage” (2024), ihrer jüngsten Serie, entspricht jede Farbvariation einem anderen Abschnitt der Geburt, wodurch die körperliche Erfahrung in eine visuelle Symphonie von seltener Intensität verwandelt wird.
Was Hollowell wirklich von Zeitgenossen unterscheidet, ist, dass sie ein perfektes Gleichgewicht zwischen Abstraktion und Figurativität hält. Ihre Werke können gleichzeitig eine Vulva und ein Nordlicht, eine stillende Brust und eine Sonnenfinsternis hervorrufen. Diese Ambivalenz ist kein freies Spiel, sondern eine ausgeklügelte Strategie, um uns zum Nachdenken über unser Verhältnis zum Körper anzuregen, insbesondere zum weiblichen Körper, den unsere Gesellschaft dazu neigt, entweder zu hypersexualisieren oder unsichtbar zu machen.
Der Einfluss der kalifornischen Light-and-Space-Bewegung ist in ihrer Arbeit offensichtlich, besonders in ihrer Art, das Licht als formbare Substanz zu behandeln. Aber während Künstler wie Robert Irwin die Grenzen reiner Wahrnehmung erforschten, verankert Hollowell ihre leuchtenden Erkundungen in der konkretesten körperlichen Erfahrung. Ihre Werke erinnern uns daran, dass jede Wahrnehmung, selbst die abstrakteste, notwendigerweise durch den Filter des Körpers geht.
Ihre Technik ist ebenso bemerkenswert wie ihr formaler Wortschatz. Hollowell baut ihre Gemälde wie Skulpturen auf, indem sie Schichten von hochdichtem Schaumstoff und Harz hinzufügt, um Reliefs zu schaffen, die das Licht auf komplexe Weise einfangen und reflektieren. Diese taktile Dimension ist für ihr künstlerisches Projekt wesentlich. Die von diesen Reliefs geworfenen Schatten sind keine bloßen dekorativen Effekte, sondern integraler Bestandteil des Werks und schaffen eine Lichtchoreografie, die sich je nach Position des Betrachters verändert. Mit diesen Materialien verleiht Hollowell physischen Präsenz für oft als unaussprechlich betrachtete Erfahrungen. Die Flächen ihrer Gemälde werden zu sensiblen Topografien, die sowohl zum Tasten als auch zum Sehen einladen.
Maurice Merleau-Ponty sprach in seiner “Phänomenologie der Wahrnehmung” vom Körper nicht als einem bloßen Objekt im Raum, sondern als dem Medium unseres Daseins in der Welt. Hollowell materialisiert diese philosophische Idee, indem sie Werke schafft, die uns die Empfindungen, die sie hervorrufen, buchstäblich im eigenen Körper spüren lassen. Das Betrachten ihrer Gemälde wird zu einer verkörperten Erfahrung, bei der das Sehen all unsere anderen Sinne aktiviert.
Ihre systematische Nutzung der Symmetrie ist nicht nur eine ästhetische Wahl. Es ist eine philosophische Aussage über das fragile Gleichgewicht zwischen Ordnung und Chaos, zwischen Kontrolle und Hingabe, das die körperliche Erfahrung kennzeichnet. In ihren Werken zur Geburt wird diese Symmetrie zu einer kraftvollen Metapher für den Geburtsprozess selbst, einem Moment, in dem sich der Körper buchstäblich in zwei getrennte Einheiten teilt und dennoch eine grundlegende Einheit bewahrt.
Die zeitliche Dimension ist in ihrer Arbeit ebenfalls wichtig. In ihrer Serie “Around the Clock” (2022) verwandelt sie den täglichen Stillzyklus in eine visuelle Meditation über die zyklische Zeit des mütterlichen Körpers. Die Brüste, angeordnet wie die Stunden einer Uhr, werden zu Markierungen einer Zeit, die nicht mehr linear, sondern organisch ist, geprägt durch die Bedürfnisse des Säuglings und nicht durch gesellschaftliche Konventionen.
Der Einfluss tantrischer Kunst ist in ihrer Arbeit offensichtlich, doch Hollowell beschränkt sich nicht darauf, traditionelle Formen zu reproduzieren. Sie erfindet sie neu in einem zeitgenössischen Kontext und schafft so einen faszinierenden Dialog zwischen östlicher Spiritualität und westlicher Körpererfahrung. Ihre Werke suggerieren, dass das Heilige nicht in einem mystischen Jenseits zu suchen ist, sondern in der unmittelbaren Erfahrung des Körpers.
Besonders bemerkenswert an ihrer jüngsten Arbeit ist, wie sie die Erfahrung der Geburt angeht. In einer künstlerischen Tradition, die dieses Thema weitgehend vermieden oder an den Rand gedrängt hat, stellt Hollowell es in den Mittelpunkt ihrer Praxis. Ihre Darstellungen der Erweiterung des Gebärmutterhalses verwandeln diesen physiologischen Prozess in eine kosmische Epik, in der der mütterliche Körper zum Ort universeller Transformation wird.
Die politische Dimension ihrer Arbeit darf nicht unterschätzt werden. In einem Kontext, in dem reproduktive Rechte ständig bedroht sind und der weibliche Körper weiterhin ein ideologisches Schlachtfeld bleibt, bekräftigen Hollowells Werke die Kraft und Autonomie des weiblichen Körpers. Ihre Arbeit zum Thema Abtreibung, insbesondere in “Emerald Mountain” (2013), behandelt diese Erfahrung nicht als Trauma, sondern als Moment der Befreiung und Selbstbestätigung.
In ihrer Arbeit findet sich eine tief spinozistische Dimension. Für Baruch Spinoza waren Körper und Geist nur zwei Aspekte einer einzigen Substanz, und Freude war mit der Steigerung unserer Handlungsmacht verbunden. Hollowells Werke verkörpern diese Philosophie, indem sie die Kraft des weiblichen Körpers feiern, ohne ihn je auf seine bloße Materialität zu reduzieren. Jedes Gemälde ist eine Behauptung der Freude, die selbst aus den intensivsten physischen Erfahrungen entstehen kann.
Ihre Behandlung der Sexualität ist besonders nuanciert. Anders als viele Künstler, die unbewusst den männlichen Blick reproduzieren, schafft Hollowell Werke, die das weibliche Verlangen in seiner ganzen Komplexität feiern. Ihre “Linked Lingams” sind keine bloßen phallischen Darstellungen, sondern ausgeklügelte Erkundungen der Vernetzung sexueller Energien.
In ihren jüngsten Werken treibt Hollowell ihre Erforschung der Körperlichkeit noch weiter, indem sie direkte Abgüsse von schwangeren Frauen einbezieht. Diese skulpturalen Elemente schaffen eine faszinierende Brücke zwischen Abstraktion und physischer Realität, zwischen künstlerischer Darstellung und unmittelbarer körperlicher Präsenz. Es ist eine mutige Entwicklung, die ihr Engagement bekräftigt, ihre Arbeit in der gelebten Erfahrung zu verankern und zugleich eine transzendente Dimension beizubehalten.
Die Farbpallette von Hollowell hat sich im Laufe der Jahre ebenfalls erweitert. Zu den fleischfarbenen Tönen und himmlischen Blautönen ihrer frühen Werke kamen grünliche Gallenfarben, dämmerungsartige Mauven sowie elektrische Fuchsien hinzu, die das emotionale Spektrum ihrer Arbeit erweitern. Jede Farbe ist nicht nur wegen ihres visuellen Werts kalibriert, sondern auch wegen ihrer Fähigkeit, ein spezifisches körperliches Gefühl hervorzurufen.
Was ihre Arbeit heute besonders relevant macht, ist, dass sie Werke schafft, die der digitalen Reproduktion widerstehen. In einer Welt, in der Kunst zunehmend über Bildschirme konsumiert wird, verlangen Hollowells Gemälde nach physischer Anwesenheit. Die Spiele von Schatten und Licht, subtile Reliefs, Texturvariationen können nur persönlich vollwertig gewürdigt werden, was an die Bedeutung direkter Erfahrung in einer zunehmend mediatisierten Welt erinnert.
Das Werk von Loie Hollowell bedeutet weit mehr als eine bloße formale Innovation im Bereich der geometrischen Abstraktion. Es ist ein mutiger Versuch, eine neue visuelle Sprache zu schaffen, die das Unaussprechliche auszudrücken vermag, jene Momente, in denen unsere körperliche Erfahrung so intensiv wird, dass sie die Grenzen konventioneller Darstellung überschreitet. In einer künstlerischen Landschaft, die oft vom Zynismus und intellektueller Distanz dominiert wird, erinnert uns ihre Arbeit daran, dass Kunst uns immer noch tief im Innersten berühren kann und uns die transformative Kraft der ästhetischen Erfahrung leibhaftig spüren lässt.
Und wissen Sie was? Wenn Sie sich dadurch unwohl fühlen, wenn Sie diese Körper, die zu Kosmen transformiert werden, stören, wenn Sie diese kompromisslose Feier der weiblichen Körperlichkeit irritiert, dann ist das vielleicht genau das, was die zeitgenössische Kunst braucht. In einer Welt, die ständig versucht, uns zu entleiben, uns unsere körperliche Existenz vergessen zu lassen, ist Hollowells Arbeit eine monumentale Erinnerung an unsere grundlegende Menschlichkeit in ihrer ganzen schrecklichschönen Pracht.
