Hört mir gut zu, ihr Snobs. Hier ist eine Künstlerin, die es verdient, dass man innehält, hinschaut und endlich versteht, was es wirklich bedeutet, Geschichte im Jahr 2025 zu malen. Lubaina Himid ist keine Künstlerin wie andere. Sie ist eine Kartografin des Unsichtbaren, eine Erzählerin, die die Codes der Darstellung neu erfindet, um denen Gestalt zu geben, die aus den offiziellen Erzählungen ausgelöscht wurden.
Geboren 1954 in Sansibar, bereits im Alter von vier Monaten nach Großbritannien ausgewandert, trägt Himid diese grundsätzliche Erfahrung der Verschiebung in sich, die ihr gesamtes Werk durchzieht. Sie erwarb 1976 einen Abschluss im Theaterdesign am Wimbledon College of Art und 1984 einen Master in Kulturgeschichte am Royal College of Art. Sie entwickelt einen einzigartigen Ansatz, bei dem Szenografie auf Geschichtsmalerei trifft. Denn genau darum geht es: Himid erfindet die Geschichtsmalerei, das vornehme Genre der westlichen Kunst schlechthin, neu, um die vergessenen Figuren der afrikanischen Diaspora darin zu verankern.
Die Architektur des kollektiven Gedächtnisses
Ihr Werdegang als Künstler-Kuratorin in den 1980er Jahren offenbart ein scharfes Bewusstsein für die Repräsentationsfragen. Mit Ausstellungen wie “The Thin Black Line” am Institute of Contemporary Arts in London 1985 zeigt sie nicht nur, sie errichtet einen Sichtbarkeitsraum für schwarze britische Künstlerinnen. Diese kuratorische Dimension ihrer Arbeit ist kein Nebenschauplatz; sie strukturiert ihr künstlerisches Denken als ein echtes architektonisches Projekt.
Die Architektur bildet genau genommen den ersten konzeptuellen Faden, der das Werk von Himid durchzieht. Dabei handelt es sich nicht um die monumentale Architektur von Machtgebäuden. Nein, Himid interessiert sich für eine Architektur des Intimen und Alltäglichen, jene, die Lebens- und Überlebensräume organisiert. Ihre Installationen wie “Naming the Money” (2004) verwandeln den Ausstellungsraum in ein Theater des Gedächtnisses, in dem hundert ausgeschnittene Silhouetten die im 18. Jahrhundert in europäischen Höfen versklavten Afrikanerinnen verkörpern. Jede Figur trägt einen Namen, eine Identität, eine Funktion: Hundeführerin, Spielzeugherstellerin, Kartografin, Tanzmeisterin, Musikerin, Malerin. Die Künstlerin verleiht diesen durch die offizielle Geschichte zerstörten Existenzen eine erzählerische Architektur zurück.
Dieser architektonische Zugang zum Gedächtnis findet seinen vollendeten Ausdruck in ihren jüngsten “strategy paintings”, die 2024 in der Ausstellung “Make Do and Mend” gezeigt wurden. Diese Bilder stellen schwarze Figuren dar, die um Tische sitzen und kleine Objekte handhaben, die Ressourcen, Territorien, ganze Bevölkerungen repräsentieren. Die Architektur wird hier zur Architektur der Macht: Wer darf sich an den Tisch setzen? Wer bleibt stehen? Wer entscheidet über das Schicksal der anderen? In “Bitter Battles” (2023) enthüllen die Zitronen, die auf dem Tisch unter verschiedenen Vorrichtungen, Käfigen, Sockeln und nackten Flächen angeordnet sind, die unsichtbaren Hierarchien, die unsere Gesellschaften strukturieren. Himid demontiert so die Architektur der Macht, um deren heimtückischste Mechanismen zu enthüllen.
Der häusliche Raum nimmt ebenfalls einen zentralen Platz in dieser architektonischen Überlegung ein. Ihre neueren Gemälde wie die Serie “How May I Help You?” (2025) zeigen Straßenverkäufer in ihren täglichen Interaktionen mit den Käufern. Diese scheinbar banalen Szenen offenbaren tatsächlich eine komplexe Geographie sozialer Beziehungen, eine unsichtbare Architektur der Machtverhältnisse, die im öffentlichen Raum ausgeübt werden. “Ich bin absolut besessen vom alltäglichen Akt des Kaufens und Verkaufens gewöhnlicher Dinge”, gesteht die Künstlerin [1]. Diese Obsession offenbart ein tiefes Verständnis davon, wie sich soziale Architektur in den einfachsten Gesten entfaltet.
Der Einfluss ihres Werdegangs im Theaterdesign spiegelt sich in diesem räumlichen Ansatz wider. Himid gestaltet ihre Ausstellungen wie Inszenierungen, bei denen der Betrachter zum Akteur wird. Die Ausstellung 2021 in der Tate Modern war ausdrücklich als “eine Abfolge von Szenen konzipiert, die die Besucher ins Zentrum der Bühne und hinter die Kulissen versetzen” [2] gedacht. Diese Dramaturgie des Raumes zeigt ein architektonisches Verständnis von Kunst als immersive und transformative Erfahrung.
Aber Architektur bei Himid beschränkt sich nicht auf die Organisation des physischen Raums. Sie strukturiert auch die Temporalität ihrer Werke. Ihre bemalten Tafeln, diese vertikalen Formate, die an Taktbalken in der Musik erinnern, erzeugen einen visuellen Rhythmus, der den Ausstellungsraum wie eine Partitur organisiert. In der Serie “Aunties” (2023) bilden vierundsechzig Holztafeln aus gefundenem Material in der Nähe ihres Ateliers eine Konstellation weiblicher Präsenz, die die traditionelle Architektur der Galerie neu definiert. Diese “Tanten”, Schutzfiguren zahlreicher nicht-europäischer Kulturen, schaffen einen Raum der Intimität und des Schutzes im Herzen der künstlerischen Institution.
Die schwebenden Territorien der Poesie
Ein weiteres Konzept, das Himids Werk durchdringt, ist die Poesie, nicht als literarisches Genre, sondern als besondere Modalität der Beziehung zu Sprache und Bild. Himid entwickelt eine visuelle Poetik, die durch Kondensation, Metapher und Verschiebung vorgeht, drei grundlegende Operationen der poetischen Schreibweise, angewandt im bildnerischen Bereich.
Zunächst die Kondensation. In ihren Gemälden trägt jedes Element eine maximale symbolische Ladung. Die Stoffe, die sie in ihre Gemälde integriert, sind niemals rein dekorativ: Sie transportieren familiäre Erinnerungen, textile Traditionen, kulturelle Codes. “Muster und Kleidung sind in meinen Gemälden wichtig. Kleider sind ein Mittel für Frauen, ihre Persönlichkeit voneinander und dem Betrachter zu zeigen”, erklärt sie im Bezug auf “Between the Two my Heart is Balanced” [3]. Diese poetische Kondensation verwandelt jedes Textilfragment in eine Synekdoche für eine ganze Kultur.
Dann die Metapher. Himids Werk funktioniert durch ständige metaphorische Verschiebungen. In “The Carrot Piece” wird die Karotte, die von einem weißen Mann einer weggehenden schwarzen Frau entgegengehalten wird, zur Metapher für falsche Anerkennungsversprechen an schwarze Künstler. In der Serie “Le Rodeur” (2016) verwandelt sich das Sklavenschiff in einen Raum des Widerstands und der Schöpfung. Diese metaphorischen Verschiebungen offenbaren ein poetisches Denken, das Literalität ablehnt und Mehrdeutigkeit bevorzugt.
Schließlich die Verschiebung. Himid vollzieht in ihren Werken ständige zeitliche Verschiebungen. “Die Figuren befinden sich nicht immer in derselben zeitlichen oder historischen Zone”, präzisiert sie. “Sie begegnen sich durch die Zeit hindurch und sprechen miteinander (und mit Ihnen) darüber, wie die Vergangenheit Hinweise für die Gegenwart enthält und ein Ort potentiellen Handelns ist” [4]. Diese schwebende Temporalität charakterisiert das poetische Denken, das eine lineare Chronologie zugunsten einer geschichteten Zeitlichkeit ablehnt.
Dieser poetische Ansatz findet seinen raffiniertesten Ausdruck in ihrer Zusammenarbeit mit Magda Stawarska, ihrer Partnerin und künstlerischen Mitarbeiterin. Ihre Installation “Slightly Bitter” (2025) in Kettle’s Yard erforscht die fragmentarische Korrespondenz zwischen der Schriftstellerin Sophie Brzeska und der Künstlerin Nina Hamnett zu Beginn des 20. Jahrhunderts. Dieses Werk funktioniert durch poetische Montage, indem es Klänge, Gemälde, gefundene Objekte und Postkarten zusammenfügt, um eine durch die Geschichte ausgelöschte Beziehung wieder zum Leben zu erwecken. “Diese Installation ist kein Dokumentarfilm, sie handelt von Gesprächen, Übersetzungen und Austausch”, präzisiert Himid. Diese Poetik der Spur und des Fragments offenbart eine tief modern empfindende Sensibilität für die Diskontinuität historischer Erfahrung.
Die klangliche Dimension dieser Zusammenarbeit mit Stawarska bereichert die visuelle Poetik von Himid erheblich. Die Klangkompositionen von Stawarska fungieren nicht als bloße Begleitung, sondern als poetischer Kontrapunkt zu den gemalten Bildern. In “Naming the Money” erzeugen die Stimmen, die die afrikanischen und europäischen Namen der dargestellten Figuren aussprechen, eine erinnerungsträchtige Polyphonie, die die emotionale Intensität der Installation vervielfacht. Diese Synergie zwischen Ton und Bild offenbart ein poetisches Verständnis von Kunst als Gesamtkunstwerk.
Himids Poetik nährt sich auch aus ihrer Faszination für Alltagsgegenstände, die durch die Malerei transfiguriert werden. Ihre bemalten Keramiken aus der Serie “Swallow Hard: the Lancaster Dinner Service” (2007) verwandeln das häusliche Geschirr in einen Träger historischer Erinnerung. Diese mit Mustern, die den Sklavenhandel thematisieren, verzierten Teller unterwandern die dekorative Funktion des Porzellans und machen es zu einem kritischen Medium. Diese Poetik der Verwandlung offenbart eine besondere Sensibilität für die magische Dimension der Kunst.
Der Gebrauch von Farbe bei Himid folgt ebenfalls einer besonderen Poetik. Ihre leuchtenden Gelbtöne, tiefen Rottöne und intensiven Blautöne zielen nicht auf Realismus, sondern auf expressive Intensität ab. Wie der Kritiker Fred Moten bemerkte, wird ihre “Farbenfeier” zur “ultimativen Feierlichkeit”. Diese chromatische Poetik verwandelt das Gemälde in ein Lied des Widerstands und der Selbstbehauptung.
Die Strategie des Sichtbaren
Himids jüngstes Werk zeigt eine bemerkenswerte künstlerische Reife in der Fähigkeit, diese verschiedenen Ansätze zu synthetisieren. Ihre “strategy paintings” von 2023 sind diesbezüglich ein Höhepunkt ihrer Reflexion über die Beziehungen zwischen Macht, Repräsentation und Widerstand. Diese Gemälde zeigen Verhandlungsszenen, in denen schwarze Figuren symbolische Objekte auf Tischen manipulieren. Die Architektur dieser Kompositionen, die Anordnung der Körper im Raum, die Geometrie der Tische und die Verteilung der Gegenstände offenbaren die unsichtbaren Mechanismen der politischen und wirtschaftlichen Macht.
In “Predicting Positions” (2023) erinnern die auf dem Tisch angeordneten Modelle an Sonnensysteme, eine ironische Anspielung auf die kolonialen Ambitionen einiger unserer zeitgenössischen Oligarchen. Dieses Werk stellt eine besonders scharfe Kritik an der herrschenden Klasse und ihrer Tendenz dar, diejenigen zu entmenschlichen, die sie verwaltet. Himid stellt eine grundlegende Frage: Was verlieren wir, wenn wir akzeptieren, auf manipulierbare Daten auf dem Tisch eines Strategen reduziert zu werden?
Die Serie “Aunties” (2023) offenbart eine weitere Facette dieser künstlerischen Reife. Diese 64 bemalten Tafeln verwandeln den Ausstellungsraum in eine Versammlung von väterlichen Figuren. Jede “Tante” besitzt ihre Einzigartigkeit, Texturen des gefundenen Holzes, farbige Stoffe und gemalte Muster, während sie Teil eines kohärenten Ganzen ist. Dieses Werk vollbringt die Kunst, Individualität und Kollektivität, Einzigartigkeit und Gemeinschaft zu vereinen.
Die späte, aber glänzende Anerkennung ihrer Arbeit, Turner-Preis 2017, Kommandeurin des Order of the British Empire (CBE) 2018, Ausstellung in der Tate Modern 2021 und Vertretung Großbritanniens auf der Biennale von Venedig 2026, darf die Persistenz ihres kritischen Vorgehens nicht verdecken. Mit über siebzig Jahren hinterfragt Himid die Machtverhältnisse mit derselben Schärfe wie zu Beginn ihrer Karriere. “Wir haben eine Gelegenheit verpasst”, gesteht sie zu den 1980er und 1990er Jahren. “Unser Ziel war es, unsere Arbeit möglichst vielen Menschen zu zeigen. Aber wir dachten nicht daran, sie zu verkaufen. Das kam uns nicht in den Sinn” [5].
Diese kritische Klarheit über die Mechanismen des Kunstmarktes zeigt eine Künstlerin, die ihre Fähigkeit zur politischen Analyse keineswegs eingebüßt hat. Ihre Installation für die Biennale von Venedig 2026 wird als entscheidender Moment angesehen, um die Relevanz ihres Anliegens im zeitgenössischen geopolitischen Kontext zu messen.
Der zunehmende Einfluss Himids auf neue Künstlergenerationen zeugt von der Richtigkeit ihrer Vision. Ihre Fähigkeit, politisches Engagement und ästhetische Exzellenz zu verbinden, bietet ein seltenes Modell in der zeitgenössischen Kunstlandschaft. Sie zeigt, dass es möglich ist, eine starke politische Aussage zu vertreten, ohne formale und konzeptuelle Komplexität aufzugeben.
Ihr Verhältnis zu Preston, wo sie seit 1991 lebt, offenbart ebenfalls eine territoriale Dimension ihres Engagements. “Es ist eine kleine Stadt, aber sie funktioniert für uns”, erklärt sie. Diese lokale Verankerung ihrer Praxis, fernab der Londoner Kunstzentren, zeugt von einem Dezentrierungswillen, der mit ihrem ästhetischen Gesamtansatz übereinstimmt.
Das Werk von Lubaina Himid stellt einen der bedeutendsten Beiträge zur zeitgenössischen britischen Kunst der letzten vierzig Jahre dar. Sie schafft es, formale Innovation und politisches Engagement, ästhetische Forschung und historisches Bewusstsein zu verbinden. Ihre Gemälde, Installationen und Kooperationen zeigen eine Künstlerin, die ihre bildnerische Sprache ständig neu erfindet, um die Herausforderungen ihrer Zeit zu hinterfragen.
Ihre Fähigkeit, hohe formale Ansprüche mit radikaler politischer Aussage zu vereinen, macht sie zu einer einzigartigen Figur in der internationalen Kunstlandschaft. Die Architektur ihrer Installationen und die Poetik ihrer Gemälde eröffnen unerforschte Gebiete für die zeitgenössische Repräsentation. Himid erinnert uns daran, dass Kunst niemals neutral ist, sondern stets an der Gestaltung der Welt, in der wir leben, teilhat. Indem sie den Unsichtbaren der Geschichte Gestalt verleiht, trägt sie zum Aufbau einer gerechteren und menschlicheren Welt bei. Darin überschreitet ihr Werk den künstlerischen Rahmen weit und schließt sich den dringendsten politischen und ethischen Herausforderungen unserer Zeit an.
- Wallpaper, “Lubaina Himid und Magda Stawarskas neue Ausstellung in Kettle’s Yard wird die fehlenden Erzählungen im Alltag aufdecken”, Juni 2025
- Tate Modern, “Lubaina Himid”, Ausstellungskatalog, November 2021
- Tate Kids, “Wer ist Lubaina Himid?”, 2021
- Greene Naftali Gallery, “Lubaina Himid”, Künstlerbiografie, 2024
- The Guardian, “Künstlerin Lubaina Himid: ‘Die YBAs waren darauf ausgerichtet, Kunst zu verkaufen. Wir hatten keinerlei Ahnung, dass man das so macht'”, März 2025
