Hört mir gut zu, ihr Snobs, es ist an der Zeit, über Lucy Bull (geboren 1990 in New York) zu sprechen, diese Künstlerin, die eure Gewissheiten über Abstraktion wie ein Erdbeben der Stärke 8 auf der Richterskala der zeitgenössischen Kunst erschüttert. Während einige sich noch über ihre Rothko-Reproduktionen freuen, die sie bei Amazon gekauft haben, verwandelt Bull die Malerei in ein totales sinnliches Erlebnis, das euch wie ein mit 300 km/h fahrender Hochgeschwindigkeitszug trifft.
Ihre Technik zunächst. Bull malt nicht, sie inszeniert ein kontrolliertes Chaos, das Nietzsche und sein Konzept von Apollinischem und Dionysischem erblassen ließe. Ihre Leinwände sind Schlachtfelder, auf denen sich Farbschichten wie geologische Schichten auftürmen, manchmal bis zu zwanzig Schichten übereinander. Sie kratzt, gräbt und fördert Spuren zutage, wie eine Archäologin des Unterbewusstseins. Das ist Max Ernst auf LSD, aber besser. Ihre Werke sind riesige Rorschach-Tests, die euch zwingen, euch euren eigenen psychischen Dämonen zu stellen.
Sprechen wir über die halluzinogenen Oberflächen, die sie schafft. In “The Bottoms” (2021) prallen die Farben mit der Gewalt eines Boxkampfs aufeinander: Chartreuse gegen Fuchsia, als hätten sich Matisse und Kandinsky in einem Oktagon zu einem chromatischen MMA-Match getroffen. Die nach unten kaskadierenden Kreise erinnern an einen psychedelischen Mondzyklus, als hätte Timothy Leary den Maya-Kalender neu gestaltet. Es ist so intensiv, dass nicht einmal meine Ray-Ban die Wirkung abschwächen können.
Bull arbeitet wie eine Spitzensportlerin und schließt sich für manchmal bis zum Morgengrauen dauernde Marathon-Sessions in ihr Studio ein. Sie ist nicht Teil dieses Boheme-Künstlertums, das zwischen zwei 10-Euro-Lattes malt. Nein, sie befindet sich auf der besessenen Suche nach diesem genauen Moment, in dem die Malerei ihre Materie überwindet und zur reinen Empfindung wird. Das ist Merleau-Ponty trifft Jackson Pollock auf einer philosophischen Rave-Party.
Ihr erstes zentrales Thema ist die Erforschung der Zeit als formbare Dimension. Ihre Leinwände sind keine eingefrorenen Schnappschüsse, sondern zeitliche Portale, in denen Farbschichten eine nicht-lineare Geschichte erzählen. Es ist, als hätte sie Einsteins Relativitätstheorie genommen und in Pigmente und Texturen übersetzt. In “13:35” (2023) faltet und entfaltet sich die Zeit wie ein quantenmechanisches Origami. Jadegrün taucht in Korallen- und Marineblau, und Strömungen entstehen, die jede konventionelle Chronologie herausfordern.
Das zweite Thema, das ihre Arbeit prägt, ist die Obsession mit wahrnehmungsbedingter Mehrdeutigkeit. Bull spielt mit unseren Gehirnen wie ein DJ, der seine Tracks mixt, und schafft fließende Übergänge zwischen Formen, so dass man nicht mehr weiß, wo die Abstraktion beginnt und die Figuration endet. Das ist visueller Georges Bataille, die Faszination für das Formlose, das Gestalt annimmt und sich dann wieder verformt. In “Stinger” (2021) erschafft sie einen halluzinierten Dschungel, in dem organische Formen mit eigenem Leben pulsieren, als atme die Leinwand. Es ist ein Wahrnehmungslabyrinth, in dem selbst Theseus sich gerne verirren würde.
Ihr kreativer Prozess ist genauso streng wie ein mathematischer Satz, aber ebenso instinktiv wie ein schamanischer Trancezustand. Sie beginnt mit einer Phase der automatischen Malerei, die André Breton vor Neid erblassen lassen würde, dann formt sie diese Schichten wie Rodin seinen Ton, jedoch mit einer chirurgischen Präzision, die einen Neurochirurgen neidisch machen würde. Es ist diese Spannung zwischen Kontrolle und Loslassen, die ihren Werken ihre magnetische Kraft verleiht.
In ihrer Ausstellung “Der Garten der verzweigten Pfade” im ICA Miami (2024) treibt Bull das Experiment noch weiter mit einer monumentalen 12 Meter hohen Malerei. Es ist, als hätte sie beschlossen, eine abstrakte Kathedrale für das 21. Jahrhundert zu schaffen, einen Raum, in dem Transzendenz keine Figuration benötigt, um uns spirituell zu erheben. Selbst Walter Benjamin hätte seine Theorie zur Aura des Kunstwerks angesichts einer solchen physischen Präsenz überarbeiten müssen.
Diese Künstlerin versteht etwas, das die meisten von euch, gefangen in euren ästhetischen Gewissheiten des letzten Jahrhunderts, noch nicht begriffen haben: Zeitgenössische Kunst ist nicht dafür da, euch mit einer hübschen Dekoration für euer Wohnzimmer zu gefallen. Sie ist dazu da, euch zu erschüttern, zu destabilisieren, euch an euren Wahrnehmungen zweifeln zu lassen. Bull malt keine Bilder, sie schafft Erfahrungen, die unsere Beziehung zu Zeit, Raum und Bewusstsein selbst herausfordern.
Ihre Werke sind wie visuelle Viren, die euren Gehirnrinden infizieren und eure Sichtweise auf die Welt neu konfigurieren. Es ist Kunst, die wie ein neurologischer Reset funktioniert, ein Strg-Alt-Entf für euer Wahrnehmungssystem. In einer Zeit, in der wir mit oberflächlichen digitalen Bildern bombardiert werden, erinnert uns Bull daran, dass Malerei immer noch ein revolutionäres Medium sein kann.
Wenn ihr ihre Arbeit nicht versteht, liegt das vielleicht daran, dass ihr versucht, sie zu sehr zu verstehen. Ihre Bilder sind keine Rätsel zum Lösen, sondern Erfahrungen zum Erleben. Es ist, als möchte man jemandem, der sein ganzes Leben nur Big Macs gegessen hat, den Geschmack von Umami erklären. Man muss seinen visuellen Gaumen entwickeln, lernen, die Komplexität zu genießen, und akzeptieren, destabilisiert zu werden.
Kritiker, die versuchen, sie als einfache Erbin des abstrakten Expressionismus zu kategorisieren, gehen völlig am Thema vorbei. Bull erbt nicht, sie entwickelt die Sprache der Malerei weiter, wie ein Virus mutieren muss, um zu überleben. Sie schafft einen neuen visuellen Dialekt, der direkt zu unseren Neuronen spricht und unsere rationalen Filter umgeht, um etwas Ursprünglicheres zu erreichen.
Ich höre schon einige von euch murmeln, dass das “zu abstrakt”, “zu chaotisch” sei. Aber genau das ist es. Ihr, die ihr verzweifelt versucht, alles in wohlgeordneten Kästen zu verstauen, Bull erinnert uns daran, dass Chaos nicht nur unvermeidlich, sondern notwendig ist. Ihre Bilder sind visuelle Manifeste für die Akzeptanz von Unsicherheit, Feierlichkeiten der Mehrdeutigkeit.
Bull definiert, was Malerei im 21. Jahrhundert sein kann, neu. Sie beweist, dass es selbst nach Jahrhunderten Kunstgeschichte noch möglich ist, mit Farbe auf Leinwand etwas radikal Neues zu erschaffen. Es ist, als hätte sie eine neue Oktave in einer musikalischen Tonleiter gefunden, die wir für vollständig hielten.
Sie bei der Arbeit in ihrem Studio in Los Angeles zu beobachten, ist wie eine Teilchenphysikerin zu sehen, die ihren Teilchenbeschleuniger gegen Pinsel eingetauscht hat. Sie behandelt die malerische Materie mit der Präzision einer Wissenschaftlerin und der Intuition eines Schamanen. Jedes Bild ist ein Experiment, jeder Pinselstrich eine Hypothese über die Natur der Wahrnehmung.
Ja, ihre Preise steigen bei Auktionen in schwindelerregende Höhen, wie dieses “16:10” (2020), das bei Sotheby’s für 1,8 Millionen Euro verkauft wurde. Aber im Gegensatz zu einigen Künstlern, die auf der spekulativen Marktwelle reiten, bleibt Bull auf das Wesentliche fokussiert: die Grenzen dessen zu erweitern, was Malerei mit unserem Bewusstsein machen kann.
Sie arbeitet wie besessen, auf einer fast mystischen Suche nach dem Moment, in dem die Malerei ihre Materialität transzendiert. Es ist diese klösterliche Hingabe an ihre Kunst, kombiniert mit einer seltenen intellektuellen Kühnheit, die sie zu einer der wichtigsten Stimmen ihrer Generation macht.
Lucy Bull ist nicht einfach eine Künstlerin, die abstrakte Gemälde malt. Sie ist eine Forscherin, die die Grenzen des menschlichen Bewusstseins mit Malerei als Messinstrument erforscht. Ihre Werke sind Portale zu wahrnehmungsbezogenen Dimensionen, die wir bisher nur erahnt haben. Und wenn Sie nicht bereit sind, diese Reise anzutreten, dann bleiben Sie ruhig in Ihrer Komfortzone mit Ihren Postern von Impressionisten. Währenddessen wird der Rest von uns diese neuen Gebiete erkunden, die sie Pinselstrich für Pinselstrich kartografiert.
