Hört mir gut zu, ihr Snobs, Lynette Yiadom-Boakye (geboren 1977) rüttelt mit einer Kühnheit, die euch sprachlos machen wird, die figurative Malerei auf. Diese britische Künstlerin ghanaischer Herkunft schlägt in unseren steifen Institutionen ein wie ein Faustschlag in einer Galerie viktorianischer Porträts. Ich werde euch sagen, warum sie eine der faszinierendsten Künstlerinnen unserer Zeit ist und warum ihre Arbeit eure Aufmerksamkeit verdient, ob es euch passt oder nicht.
Das erste, was auffällt: Sie malt Personen, die nicht existieren. Ja, ihr habt richtig gelesen. In einer Welt, die vom Realen, Selfies und erzwungener Authentizität besessen ist, erschafft Yiadom-Boakye fiktive Wesen mit einer technischen Meisterschaft, die Velázquez erblassen ließe. Ihre imaginären Porträts sind wahrhaftiger als die Natur, authentischer als eure retuschierten Instagram-Fotos. Darin liegt ihr Genie: Sie lässt uns an die Existenz von Menschen glauben, die nie wirklich existiert haben.
Nehmen wir “No Such Luxury” (2012), ein monumentales Gemälde, das euch einfängt, sobald ihr den Raum betretet. Eine sitzende Figur vor einer Kaffeetasse blickt euch mit einer Intensität an, die euch festhält. Die Person ist da, unbestreitbar präsent, aber völlig frei von sozialen Konventionen, rassistischen Erwartungen und Geschlechterzwängen. Ein meisterhafter Kraftakt. Wie Serge Gainsbourg in “Je suis venu te dire que je m’en vais” sang, gibt es diese gleiche Spannung zwischen Präsenz und Abwesenheit, zwischen dem, was gezeigt wird, und dem, was angedeutet ist.
Yiadom-Boakyes Farbpalette ist eine Symphonie von Brauntönen. Sie beherrscht die Nuancen wie niemand sonst und schafft eine Tiefe, die einen in ihre Gemälde hineinzuziehen vermag. Ihre dunklen Hintergründe sind nicht nur zur Zierde da, sie sind die Bühne, auf der ein stilles Drama gespielt wird, eine Meditation über die Existenz selbst. Das ist Sartre in der Malerei, meine Freunde, reiner Existenzialismus auf der Leinwand.
Und dann gibt es diese Art, wie sie mit der Zeit spielt. Ihre Figuren schweben in einer ewigen Gegenwart, absichtlich losgelöst von jeder präzisen Zeitlichkeit. Keine Schuhe, die das Werk datieren könnten, keine Accessoires, die es in einer Epoche verankern würden. Das ist visuelles Proust, eine Suche nach der malerischen Zeit, in der Vergangenheit und Gegenwart in eine gemeinsame Ewigkeit verschmelzen.
Die Titel ihrer Werke sind Gedichte an sich, rätselhaft und evocativ wie Rimbaud. “A Passion Like No Other”, “The Much-Vaunted Air”, “To Tell Them Where It’s Got To”, das sind Fragmente von Erzählungen, die nur in unserer Vorstellung existieren. Wie in “La Javanaise”, wo Gainsbourg mit Worten spielt, um eine alternative Realität zu schaffen, verwendet Yiadom-Boakye diese Titel als musikalische Noten in einer visuellen Partitur.
Aber es geht nicht nur um Ästhetik. Ihre Arbeit ist zutiefst politisch, auch wenn sie die Rolle der Flaggenträgerin, die man ihr aufzwingen möchte, ablehnt. Indem sie schwarze Figuren in der großen Tradition der europäischen Ölmalerei darstellt, bittet sie nicht um Erlaubnis, in den künstlerischen Kanon aufgenommen zu werden, sie nimmt ihn ein, Punkt. Das ist Fanon in der Malerei, eine Dekolonisierung der künstlerischen Vorstellungskraft, die sich nicht mit Rechtfertigungen aufhält.
Nehmen Sie “A Concentration” (2018), wo vier schwarze männliche Tänzer mit einer Grazie den Raum einnehmen, die Stereotypen herausfordert. Das ist eine scharfe Antwort auf Jahrhunderte westlicher Kunst, in denen schwarze Körper an den Rand gedrängt wurden. Wie Simone de Beauvoir, die die Mythen der Weiblichkeit dekonstruiert hat, dekonstruiert Yiadom-Boakye mit devastierender Subtilität die rassischen Darstellungen.
Ihre Technik ist makellos. Sie beherrscht das Hell-Dunkel wie die holländischen Meister, doch sie wendet es für eigene Zwecke um. Ihre Pinselstriche sind sicher, präzise, ohne unnötigen Zierrat. Das ist Cézanne auf Acid, eine Malerei, die weiß, woher sie kommt, aber keine Absicht hat, brav in den vorgegebenen Grenzen zu verharren.
Das Faszinierendste ist vielleicht ihre Art, mit Licht umzugehen. In Werken wie “Complication” (2013) schafft sie Atmosphären, in denen die Helligkeit scheinbar von den Figuren selbst ausgeht. Das ist Caravaggio neu gemischt für das 21. Jahrhundert, mit einem scharfen Bewusstsein für die zeitgenössischen Herausforderungen der Repräsentation.
Was mich wütend macht, ist zu hören, wie manche Kritiker ihre Arbeit nur in Begriffen von Identität diskutieren. Ja, sie malt schwarze Figuren. Und was dann? Rembrandt malte Niederländer, aber niemand reduziert ihn darauf. Ihre Kunst übersteigt diese einfachen Kategorisierungen, wie eine Melodie von Gainsbourg über die Worte hinausgeht, um etwas Tieferes zu berühren.
Yiadom-Boakye ist eine Künstlerin, die versteht, dass die Malerei nicht tot ist, entgegen dem, was manche glauben machen wollen. Sie haucht ihr neues Leben ein, eine neue Relevanz. Wie Nietzsche, der den Tod Gottes verkündete, um die Notwendigkeit neuer Werte zu bekräftigen, verkündet sie den Tod alter malerischer Codes, um die Malerei neu zu erfinden.
Was Lynette Yiadom-Boakye auszeichnet, ist ihre Fähigkeit, eine parallele Welt zu erschaffen, die uns an der unseren zweifeln lässt. Ihre imaginären Figuren wirken lebendiger als viele Porträts realer Personen. Darin liegt ihre Magie, in der Fähigkeit, das Reale zu transzendieren und eine tiefere Wahrheit zu berühren. Ihre Gemälde sagen uns, dass sie vorhanden sind, erinnern uns aber gleichzeitig an ihre fiktive Natur, in einem Paradoxon, das ihre ganze Kraft ausmacht.
