Michaël Borremans: Existenzielle Schönheit und Schrecken

Hört mir gut zu, ihr Snobs, ihr denkt, ihr wisst alles über zeitgenössische Kunst, aber während ihr eine Banane betrachtet, die an einer Wand festgeklebt ist und euch fragt, ob es mit einem Apfel nicht schöner wäre, lädt uns Michaël Borremans, ruhig in seinem Atelier in Gent, Belgien zurückgezogen, zu einem der beunruhigendsten und faszinierendsten Gemälde unserer Zeit ein. Ich sage “uns”, denn ja, ich schließe selbst die Widerständigsten unter euch in dieses kollektive Erlebnis ein.

Borremans tauchte in der Kunstwelt wie ein anachronistischer Geist auf, ein malerisches Gespenst, das uns mit Bildern heimgesucht, die ständig zwischen Unbehagen und Schönheit schwanken. Ursprünglich als Fotograf an der Sint-Lucas-Schule in Gent ausgebildet, wandte er sich erst mit 34 Jahren der Malerei zu, was beweist, dass die künstlerische Berufung nicht unbedingt auf die Jugend warten muss, um sich zu manifestieren. Dieses späte Einsteigen in die Malerei erklärt vielleicht die sofortige technische Reife, diese Sicherheit im Umgang mit dem Medium, als hätten die Jahre der Beobachtung eine perfekte Inkubation seines Stils ermöglicht.

Wenn man seine Gemälde betrachtet, kann man nicht anders, als an Velázquez, Manet, Degas zu denken. Aber Borremans auf diese Einflüsse zu reduzieren, wäre wie einen Eisberg nur nach seiner Spitze zu beschreiben. Denn wenn die Technik an die großen Meister erinnert, ist der Inhalt entschieden zeitgenössisch, durchdrungen von einer beunruhigenden Fremdheit, die von unserer aktuellen Bedingung erzählt. Seine Figuren scheinen in einem undefinierten Raum-Zeit-Kontinuum zu schweben, losgelöst von jeglichem geografischen oder historischen Kontext. Sie hängen in einer narrativen Leere, wie Schauspieler, die auf einem verlassenen Filmset auf ihre Anweisungen warten.

Was mir an seinem Werk gefällt, ist diese Fähigkeit, Bilder zu schaffen, die zugleich vertraut und zutiefst verstörend erscheinen. Nehmen Sie “The Angel” (2013), diese Frau in einem blassrosa Kleid, deren Gesicht vollständig schwarz bedeckt ist. Die Komposition ist klassisch, das Licht perfekt beherrscht, aber die erzwungene Anonymität des Modells erzeugt eine unauflösbare Spannung. Oder seine Serien “Black Mould”, in denen Figuren mit spitzen Kapuzen in einer rituellen Choreografie tanzen, die sowohl komisch als auch beunruhigend ist. Diese vermummten Figuren rufen gleichzeitig den Ku Klux Klan, die Büßer der spanischen Heiligen Woche, die Gefangenen von Abu Ghraib und mittelalterliche Mönche hervor. Borremans spielt mit diesen Bezügen, um ein Unbehagen zu erzeugen, das die Zeiten übersteigt und von der Beständigkeit der Rituale, von Gewalt und menschlicher Absurdität erzählt.

Das Werk von Borremans ist tief in eine filmische Überlegung eingebettet, nicht nur durch seine wie Standbilder gerahmten Kompositionen, sondern auch durch sein Verständnis des Bildes selbst. “Alles wird immer inszeniert”, verrät er, “je mehr ich mich einschränke, desto mehr Ausdruck erhalte ich” ^[1]. Dieser Ansatz verwandelt seine Gemälde in Kulissen, in Bühnenräume, in denen ein stilles Drama aufgeführt wird, dessen vollständiges Drehbuch wir nie kennen werden. Wie im Kino von Lynch oder Bergman wird das Fehlen einer narrativen Erklärung eindrucksvoller als jede explizite Erzählung.

Was Borremans besser versteht als die meisten zeitgenössischen Maler, ist die Verführungskraft des Mediums. Er benutzt Schönheit als Köder, als strategisches Werkzeug, um unsere Aufmerksamkeit zu fangen, bevor er uns in eine viel komplexere und ambivalentere Welt eintauchen lässt. “Schönheit hat eine verführerische Funktion”, gibt er ohne falsche Scham zu. Aber diese Schönheit ist niemals umsonst, niemals dekorativ. Sie ist das Trojanische Pferd, das es dem Künstler ermöglicht, unsere ästhetischen Abwehrmechanismen zu durchdringen, um uns besser mit unseren eigenen Widersprüchen zu konfrontieren.

Was seine Arbeit heute so relevant macht, ist genau diese Fähigkeit, die Mechanismen des zeitgenössischen Bildes zu entlarven und gleichzeitig die uralte Sprache der Malerei zu verwenden. In einer Zeit, in der wir mit flüchtigen digitalen Bildern bombardiert werden, bei denen die Geschwindigkeit der Verbreitung vor der Betrachtung steht, auferlegen die Gemälde von Borremans eine andere Zeitlichkeit. Sie zwingen uns, langsamer zu werden, zu beobachten, uns in ihren Details und Geheimnissen zu verlieren.

Nehmen wir seine Serie “Fire from the Sun” (2017), diese verstörenden Szenen, die pummelige, nackte Kleinkinder zeigen, die zwischen scheinbar abgetrennten menschlichen Gliedmaßen spielen. Diese Bilder lösten eine große Kontroverse aus, als sein Buch “As Sweet as It Gets” 2022 in einer Werbung von Balenciaga auftauchte. Für Borremans war das “das Beste, was passieren konnte” ^[2]. Endlich wurde er als subversiver Künstler wahrgenommen! Diese Kontroverse legt unsere kollektive Heuchelei offen: Wir tolerieren Gewalt und Grausamkeit in den täglichen Nachrichten, in den Fernsehserien, die wir gierig konsumieren, aber wir sind empört, wenn sie in einem künstlerischen Kontext erscheint, wo sie zum Spiegel unserer eigenen Monstrosität wird.

Borremans’ Vorgehen ist in einer malerischen Tradition verankert, die unser Verhältnis zum Bild und zur Realität hinterfragt. Wie Magritte vor ihm, ein weiterer belgischer Maler, der vom Fremdartigen des Alltäglichen fasziniert war, nutzt er die Darstellung, um deren Grenzen und Paradoxien zu betonen. “Es ist wirklich eine philosophische Frage, was Wahrheit sein kann”, erklärt er. “Und Wahrheit ist ebenso in der Lüge wie in etwas Direktem oder Ehrlichem” ^[3]. Dieses Misstrauen gegenüber visuellen Gewissheiten steht im Zentrum seines Schaffens, als eine ständige Erinnerung daran, dass jedes Bild eine Konstruktion ist, niemals eine absolute Wahrheit.

Das Theater spielt auch eine wesentliche Rolle im Universum von Borremans. Seine Figuren werden oft als Schauspieler dargestellt, die seltsame Kostüme tragen, Verkleidungen, die sie eher zu Objekten als zu Subjekten machen. “Auf gewisse Weise objektiviere ich die Menschen”, gibt er zu. “Ich male sie, als wären sie Stillleben” ^[4]. Diese Objektivierung ist kein stilistisches Spiel, sondern eine tiefgründige Reflexion über unsere zeitgenössische Situation, in der das Individuum zunehmend auf seine Oberfläche, sein Bild reduziert wird und nach und nach seine Substanz und Innerlichkeit verliert.

Der schwarze Humor, der sein Werk durchzieht, wird von den allzu ernsten Kritikern oft übersehen. Doch er ist eine wesentliche Dimension seiner Arbeit. Angesichts von “The Badger’s Song”, dieser absurden Szene, in der ein Dachs (oder ein Bär?) einem Gruppen von Kapuzenfiguren ein weißes Blatt präsentiert, wie kann man da nicht über die Absurdität der Situation schmunzeln? Borremans selbst betont die Bedeutung des Lachens: “Humor ist in allen Dingen und in jeder Situation essentiell. Sich selbst zu ernst zu nehmen, ist eine Form von Arroganz” ^[5]. Dieser Humor funktioniert als notwendiger Kontrapunkt zur Schwere der behandelten Themen und schafft eine dialektische Spannung, die die Erfahrung des Betrachters bereichert.

Aber vielleicht der faszinierendste Aspekt von Borremans’ Arbeit ist sein scharfes Bewusstsein für die Physikalität der Malerei. Im Gegensatz zu vielen zeitgenössischen Künstlern, die die Ausführung ihrer Werke delegieren, besteht er darauf, alles selbst zu machen, “sogar die Vorbereitung der Grundierungen, sogar die Reinigung der Pinsel” ^[6]. Diese totale Einbindung in den materiellen Prozess verleiht seinen Gemälden eine Präsenz, eine Energie, die keine delegierte Produktion erreichen könnte. “Malen ist sehr physisch”, sagt er. “Selbst wenn ich im kleinen Maßstab male, male ich mit meinem ganzen Körper. Ich bewege mich sogar, wenn ich an einem Tisch arbeite. Es ist eine Art Energie, und die Energie geht in die Malerei über” ^[7].

Diese Energie ist in jedem seiner Werke spürbar. Die malerische Materie ist zugleich sinnlich und gespenstisch und schafft eine Oberfläche, die gleichzeitig anzieht und abstößt. Die Gesichter seiner Figuren scheinen wie Erscheinungen aus der Leinwand hervorzutreten, ihre Hautfarben von einem inneren Licht erleuchtet, das im Kontrast zu den dunklen und undefinierten Hintergründen steht. Diese technische Meisterschaft ist niemals prahlerisch; sie dient stets dem Anliegen, der narrativen Zweideutigkeit, die der Künstler zu erzeugen sucht.

Die Frage der Zeit ist ebenfalls zentral in seinem Werk. Seine Gemälde scheinen in einer ewigen Gegenwart zu existieren, außerhalb jeglicher identifizierbarer Chronologie. Die Kleidung seiner Figuren ist bewusst mehrdeutig, was keine genaue Datierung zulässt. “Ich wollte den Kontext diffus machen. Die Kleidung ist ein wenig außerhalb der Zeit”, erklärt er. “Es ist nicht in der Vergangenheit. Es ist weder in der Zukunft” ^[8]. Diese Zeitlosigkeit ist keine nostalgische Flucht, sondern eine Strategie, um über die Gegenwart ohne die Grenzen einer wörtlichen Darstellung zu sprechen.

Was Borremans’ Einzigartigkeit in der zeitgenössischen Kunstlandschaft ausmacht, ist vielleicht diese paradoxe Position: ein althergebrachtes Medium zu nutzen, um tief gegenwärtige Bilder zu schaffen, traditionelle Techniken anzuwenden, um eindeutig zeitgenössische Fragestellungen zu erforschen. “Ich betrachte mich klar als zeitgenössischen Maler. Ich benutze ein altes Medium, aber es ist nur ein verdammtes Medium” ^[9], sagt er mit jener entwaffnenden Offenheit, die ihn auszeichnet.

Seine Kunst erinnert uns daran, dass die Malerei nicht tot ist, im Gegensatz zu dem, was einige Unheilspropheten verkündet haben. Sie ist lediglich von ihren traditionellen Funktionen befreit und zu einem offenere,m riskanteren Erkundungsraum geworden. In einer Welt, die von flüchtigen digitalen Bildern übersättigt ist, bieten Borremans’ Gemälde eine Form des Widerstands, nicht durch Nostalgie an ein vergangenes goldenes Zeitalter, sondern durch die Schaffung visueller Erfahrungen, die unsere gewohnte Beziehung zu Bildern herausfordern.

Also vergessen Sie das nächste Mal, wenn Sie eine Ausstellung von Michaël Borremans besuchen, Ihre Vorurteile gegenüber zeitgenössischer Malerei. Lassen Sie sich von diesen rätselhaften Figuren und Szenen fesseln, die zwischen dem Banalen und dem Fremden schweben. Und vielleicht werden Sie am Rande eines besonders beunruhigenden Gemäldes ertappt, wie Sie nervös über die ihm innewohnende absurde Erhabenheit lachen. Denn genau darin liegt die Kraft seines Werkes: in dieser Fähigkeit, gleichzeitig Unbehagen und Vergnügen, Schönheit und Schrecken, Lachen und Angst in uns hervorzurufen. Eine vollständige, widersprüchliche und zutiefst menschliche Erfahrung.

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1. Borremans, Michaël. Interview mit Harriet Lloyd-Smith für Plaster Magazine, Juni 2024.
2. Borremans, Michaël. Interview mit Emily Steer für AnOther Mag, Dezember 2024.
3. Borremans, Michaël. Interview mit Martin Herbert für ArtReview, Juni 2015.
4. Borremans, Michaël. Interview mit Harriet Lloyd-Smith für Plaster Magazine, Juni 2024.
5. Ebenda.
6. Borremans, Michaël. Interview mit Daiga Rudzāte für Arterritory, November 2020.
7. Ebenda.
8. Borremans, Michaël. Interview mit Katie White für Artnet, März 2025.
9. Borremans, Michaël. Interview mit Daiga Rudzāte für Arterritory, November 2020.