Hört mir gut zu, ihr Snobs, es ist an der Zeit, über Iwamoto Masakazu (イワモト・マサカズ) zu sprechen, geboren 1969 in Cupa, Japan, diesen Künstler, den Sie wahrscheinlich besser unter dem Pseudonym “MR.” kennen. Ja, derjenige, der seinen Namen vom legendären Baseballspieler Shigeo Nagashima geliehen hat, der den Spitznamen “Mr. Giants” trägt. Eine Aneignung, die viel über die japanische Kultur und ihre Beziehung zur populären Idolisierung aussagt. Aber täuschen Sie sich nicht, das ist kein einfaches Maskenspiel.
Sie glauben, alles über zeitgenössische japanische Kunst zu wissen, weil Sie einen Holzschnitt von Hokusai in Ihrem Wohnzimmer aufgehängt haben? Lassen Sie mich Ihnen erzählen, wie Iwamoto unsere westlichen Gewissheiten über Kunst und Massenkultur erschüttert. In seinem Universum zerbricht die Unterscheidung zwischen “High Art” und “Low Culture” wie eine Porzellanvasen in einem Manga-Geschäft. Und genau darin liegt sein Genie.
Ehemaliger Schüler von Takashi Murakami, ja, diesem Murakami, trat Iwamoto 1996 aus dem Schatten seines Meisters, mit Diplom von der Sokei Academy of Fine Art & Design, hervor, um uns eine einzigartige Sicht auf die postmoderne japanische Gesellschaft zu bieten. Eine Gesellschaft, die von dem Philosophen Jean Baudrillard als Hyperrealität bezeichnet wurde, in der die Grenze zwischen Realität und Simulakrum bis zur völligen Auflösung verwischt ist. In Iwamotos Werk wird diese Theorie durch seine Figuren mit übergroßen Augen lebendig, die buchstäblich ganze Welten in ihren Iris reflektieren, eine eindrucksvolle visuelle Metapher für unsere von Bildern übersättigte Zeit.
Nehmen Sie seine monumentale Installation “Metamorphosis: Give Me Your Wings” in der Lehmann Maupin Gallery 2012. Ein organisiertes Chaos aus japanischen Alltagsgegenständen, Müll und Abfällen, das wie ein brutales Testament der Katastrophe von Fukushima emporragt. Theodor Adorno sagte, nach Auschwitz Gedichte zu schreiben sei barbarisch, nun zeigt uns Iwamoto, wie man nach einer nuklearen Katastrophe Kunst macht. Er verwandelt das kollektive Trauma in eine ästhetische Erfahrung, die uns zwingt, uns unseren eigenen Ängsten vor der technologischen Apokalypse zu stellen.
Aber glauben Sie nicht, dass Iwamoto sich darauf beschränkt, unsere kollektiven Ängste zu recyceln. Sein Werk ist tief in der Otaku-Kultur verankert, jenem japanischen sozialen Phänomen, das die bloße Leidenschaft für Manga und Anime übersteigt. Walter Benjamin sprach von der Aura des Kunstwerks im Zeitalter seiner technischen Reproduzierbarkeit, Iwamoto hingegen schafft eine neue Aura aus eben dieser Reproduzierbarkeit. Seine Figuren, inspiriert von der Manga-Ästhetik, sind keine bloßen Kopien, sondern Archetypen, die unsere Beziehung zu Authentizität und Originalität hinterfragen.
In seiner Serie von Gemälden, in denen die Figuren scheinbar in destrukturierten urbanen Landschaften schweben, spielt Iwamoto mit unseren Wahrnehmungen wie ein DJ, der kulturelle Samples mixt. Die Referenzen prallen aufeinander: Hier ein Fast-Food-Logo, das in eine Haarverzierung verwandelt wird, dort Benachrichtigungen aus sozialen Netzwerken, die im Blick eines kleinen Mädchens tanzen. Es ist ein ständiger Dialog zwischen japanischer malerischer Tradition und unserer digitalen Gegenwart, die von Zeichen übersättigt ist.
Wenn Sie den Beweis suchen, dass Iwamoto nicht nur ein weiterer “kawaii”-Künstler ist, schauen Sie, wie er die Räumlichkeit in seinen Werken behandelt. Er ist Erbe der Tradition des von Murakami theoretisierten “Superflat” und treibt das Konzept bis zu seinen extremsten Grenzen. Die Perspektiven stürzen ein, die Ebenen überlagern sich und schaffen einen visuellen Schwindel, der an die Experimente der Kubisten erinnert, aber mit einer entschieden zeitgenössischen und japanischen Sensibilität.
Seine Zusammenarbeit mit Pharrell Williams im Jahr 2019 im Musée Guimet illustriert perfekt seine Fähigkeit, die Grenzen zwischen Kunst und Popkultur zu überschreiten. “A Call To Action” war nicht nur eine einfache Ausstellung, sondern ein visuelles Manifest über die Macht der Jugend in einer Welt in der Krise. Die bunten Waffen, die wie Spielzeug in den Händen seiner Figuren liegen, erinnerten uns daran, dass Unschuld die radikalste Form des Widerstands sein kann.
Iw amotos Kunst ist paradox: Er nutzt die Ästhetik der Flucht, um uns mit der rohesten Realität zu konfrontieren. Seine Figuren mit in ewiger Überraschung erstarrten Gesichtsausdrücken spiegeln unsere eigene Bestürzung angesichts einer Welt wider, die unserem Verständnis entgleitet. Genau das beschrieb Guy Debord in “Die Gesellschaft des Spektakels”: Wir sind zu Zuschauern unserer eigenen Entfremdung geworden.
Was Iwamotos Werk heute so relevant macht, ist, dass es auf verschiedenen Lesartenebenen navigiert. Für das westliche Publikum mögen seine Kreationen nur eine weitere Manifestation von “Cool Japan” sein. Doch unter dieser verführerischen Oberfläche verbirgt sich eine scharfe Kritik an der Konsumgesellschaft und unserem Verhältnis zum Bild. Jedes eingefrorene Lächeln seiner Figuren ist eine Maske, die einen Abgrund existenzieller Fragen verbirgt.
Seine Kunst ist eine Chronik unserer Zeit, in der Realität und Fiktion sich so vermischen, dass sie ununterscheidbar werden. Die urbanen Landschaften, die er darstellt, mit ihren Ansammlungen von Zeichen und Symbolen, spiegeln unsere eigenen Städte wider, die durch visuelle Überflutung unlesbar geworden sind. Das sind die von Marc Augé sogenannten “Nicht-Orte” der Übermoderne, jene Transitorte, an denen Identität sich auflöst.
In seinen letzten Werken, die 2024 in London ausgestellt wurden, treibt Iwamoto seine Erforschung der Spannungen zwischen Fantasie und Realität noch weiter voran. Die Gesichter, die er malt, sind nicht mehr bloße Porträts, sondern Portale zu parallelen Universen, jedes Auge enthält einen Mikrokosmos der japanischen Popkultur. Es ist eine schwindelerregende Mise en abyme unserer Bildergesellschaft, in der jeder Blick mit visuellen Referenzen überladen ist.
Iwamoto schafft eine Kunst, die gleichzeitig als Unterhaltung und als Gesellschaftskritik funktioniert. Seine Werke sind wie kulturelle Trojanische Pferde, die sich unter dem Deckmantel von Niedlichkeit in unser Bewusstsein einschleichen, um uns besser mit unseren Widersprüchen zu konfrontieren. Er ist ein Seiltänzer, der auf dem schmalen Grat zwischen Provokation und Verführung, zwischen Kritik und Feierlichkeit balanciert.
Wenn einige Kritiker ihn auf einen bloßen Epigonen Murakamis reduziert haben, übersehen sie das Wesentliche. Iwamoto hat eine einzigartige visuelle Sprache entwickelt, die die Einflüsse seines Mentors übersteigt. Seine Art, mit der Bildfläche umzugehen, mit den Codes des Digitalen in einem traditionellen Medium zu spielen, Werke zu schaffen, die sowohl auf Instagram als auch im heiligen Raum des Museums funktionieren, zeugt von einem tiefen Verständnis für die Herausforderungen der Kunst im digitalen Zeitalter.
Seine Arbeit zwingt uns, unsere traditionellen ästhetischen Kategorien neu zu überdenken. Wie kategorisiert man einen Künstler, der seine Werke sowohl in renommierten Galerien als auch in Luxusgeschäften ausstellt? Der monumentale Installationen zu nuklearen Katastrophen schafft und gleichzeitig Figuren zeichnet, die direkt aus einem Zeichentrickfilm zu stammen scheinen? Genau diese Fähigkeit, Grenzen zu verwischen, macht ihn zu einem symbolträchtigen Künstler unserer Zeit.
Die Kunst von Iwamoto Masakazu ist ein komplexer Spiegel, der unserer globalisierten Gesellschaft vorgehalten wird. Ein Spiegel, der unsere Obsessionen, Ängste und Wünsche reflektiert, sie jedoch in etwas Neues, Provokantes und Unerwartetes verwandelt. Er zeigt uns, dass Kunst uns immer noch überraschen, destabilisieren und zum Nachdenken anregen kann, gerade, und vielleicht vor allem, wenn sie die Sprache der Popkultur benutzt.
Also das nächste Mal, wenn Sie ein Werk von Iwamoto Masakazu oder MR. sehen, bleiben Sie nicht bei dessen schillernder Oberfläche stehen. Tauchen Sie ein in diese überdimensionalen Blicke, die ganze Universen enthalten. Lassen Sie sich von diesen Kompositionen destabilisieren, die jede räumliche Logik herausfordern. Denn genau in diesem visuellen und konzeptuellen Schwindel liegt die wahre Kraft seiner Kunst.
