Hört mir gut zu, ihr Snobs: Es gibt noch Künstler, die es wagen, sich der rohen Materie zu stellen, ohne sich hinter den konzeptuellen Tricks unserer Zeit zu verstecken. Nikola Vudrag, ein 1989 geborener kroatischer Bildhauer, gehört zu jener seltenen Gattung, die das Gewicht des Stahls den theoretischen Geschwätz vorzieht. Ausgebildet an den Akademien von Rijeka und später Zagreb, wo er 2012 zum besten Studenten gekürt wurde, ist er ein Erbe einer Linie von Metallurgen und verwandelt Eisen in greifbare Meditationen. Seine monumentalen Skulpturen, die von Venedig über Malta bis Dubai ausgestellt wurden, hinterfragen unsere Beziehung zum Mythos, zur Form und zur Zeit mit einer Kühnheit, die sich scharf vom aktuellen Zeitgenössischen Kunstgeschehen abhebt.
Vudrags Werk entfaltet sich in mehreren eigenständigen Serien: die zwölf Arbeiten des Herakles, die die griechische Mythologie neu interpretieren, geometrische Diamanten aus Cortenstahl, die Serie Net-Work, bestehend aus tausenden zusammengeschweißten Metallstäben, und monumentale Interventionen im öffentlichen Raum. Sein plastischer Wortschatz schöpft gleichermaßen aus Geometrie und Physik wie aus antiken Erzählungen und schafft eine skulpturale Sprache, die sich der Leichtigkeit des Dekorativen verweigert. Seine Atlanten und Prometheus, präsentiert auf der 60. Biennale von Venedig, verkörpern diese doppelte Forderung: formale Strenge und symbolische Tiefe. Der Künstler sucht nicht zu gefallen, sondern konfrontiert den Betrachter mit wesentlichen Fragen über die menschliche Existenz.
Platon durchdringt Vudrags Atelier, auch wenn der Bildhauer ihn nicht immer explizit benennt. Die platonische Unterscheidung zwischen der Welt der Ideen und der der sinnlichen Erscheinungen findet in seiner Arbeit eine unerwartete Auflösung. Wenn Vudrag seine leuchtenden Diamanten schafft, bei denen das Licht durch Zwischenräume einer verrosteten Stahlhülle hervorbricht, begnügt er sich nicht mit einem formalen Spiel: Er materialisiert den Übergang vom Intelligiblen zum Sensiblen. Diese Skulpturen werden zu operativen Metaphern der Formtheorie. Der Stahl, als Rohmaterial und Industrieprodukt, dient als Form für ein Licht, das selbst die Idee symbolisiert. Tagsüber offenbaren diese Werke ihre rohe Struktur, ihre sichtbaren Schweißnähte und ihre erdige Schwere. Nachts verwandelt das Innenlicht sie in geometrische Entwürfe, in reine leuchtende Abstraktionen, die ihre eigene Materiellität scheinbar herausfordern.
Dieser Dialektik zwischen Materie und Idee durchzieht Vudrags gesamte Produktion. In seinen Äpfeln der Hesperiden, ausgestellt auf der ersten Biennale von Malta, dient Licht nicht als Schmuck, sondern als der eigentliche Sinn des Werkes. Der Künstler verweist ausdrücklich auf Platon und Aristoteles, wenn er seinen kreativen Prozess beschreibt und zugibt, dass “nur die imaginäre Welt der Ideen die perfekte Form erreichen kann”, während unsere Realität notwendigerweise unvollkommen bleibt. Diese philosophische Klarheit brachte ihn dazu, seinen Ansatz umzukehren: Anstatt vergeblich nach Perfektion in der positiven Form zu streben, schafft er metallische Hüllen, die das Vakuum formen und dem Licht, dieser alten platonischen Metapher des Wissens, erlauben, den negativen Raum zu bewohnen. Das Ergebnis erzeugt einen beeindruckenden Effekt: monumentale und raue Formen am Tag, elegante Lichtzeichnungen in der Nacht, als ob die Idee buchstäblich aus der Materie hervorgeht.
Die systematische Verwendung von Cortenstahl verstärkt diese philosophische Dimension. Vudrag mag die Ironie dieses Materials, das sich durch eigene Korrosion schützt und das, was gewöhnlich Metalle zerstört, in einen Erhaltungsmechanismus verwandelt. Er beschreibt diese Mischung aus edlen und gewöhnlichen Metallen als “das Blut der Erde, etwas wie das Ichor, diese ätherische Flüssigkeit der homerischen Mythen, bekannt als das Blut der Götter und Titanen” [1]. Diese quasi-animistische Materialauffassung geht über eine poetische Anekdote hinaus: Sie verankert die bildhauerische Arbeit in einer Kosmogonie, in der die Materie selbst eine mythologische Dimension besitzt. Der Stahl wird zum Träger einer Erinnerung und Intentionalität, die mit den antiken Erzählungen resonieren, die Vudrag neu interpretiert. Atlas, der das Gewicht der Welt trägt, Prometheus, gefesselt, weil er das Feuer gestohlen hat: Diese mythologischen Figuren finden im patinierten Cortenstahl ein Medium, das ihre symbolische Bedeutung verstärkt.
Die monumentale Skulptur hat eine lange und turbulente Geschichte, geprägt von kitschigen Gedenkmonumenten, totalitären Feierlichkeiten und spektakulären Fehlschlägen. Vudrag reiht sich in diese jahrhundertealte Tradition ein, lenkt sie jedoch auf zeitgenössische Anliegen aus. Sein Denkmal für Nikola Tesla, diese “Übertragungs-Leitungsskulptur” von zwölf Metern Höhe und zwei Tonnen Gewicht, vereint Funktionalität und Ästhetik, urbane Gestaltung und nationales Erbe. Diese Art von öffentlichem Werk erfordert eine beeindruckende technische Meisterschaft: statische Berechnungen, Fundamente mit zwanzig Kubikmetern Beton, Koordination von Teams mit zehn oder mehr Personen. Nur wenige zeitgenössische Bildhauer können diesen Anspruch an Größe erheben. Die meisten bevorzugen flüchtige Installationen und dezente Eingriffe, als sei Monumentalität grundsätzlich verdächtig geworden.
Dennoch beansprucht Vudrag diese Größe ohne Komplexe. Sein vier Meter hoher Poseidon, der dem Meer zugewandt ist, seine interaktive Geige, die Passanten das Spielen von Tönen ermöglicht, sein Enso auf dem Hauptplatz von Čakovec: Diese urbanen Interventionen lehnen die postmoderne Bescheidenheit ab. Sie behaupten, dass Skulptur den öffentlichen Raum weiterhin strukturieren, symbolische Orientierungspunkte schaffen und kollektive Erfahrungen hervorrufen kann. Dieses Bestreben bringt ihn paradox an die Seite der amerikanischen Minimalisten, insbesondere Richard Serra, dessen materielle und visuelle Nähe von mehreren Kritikern hervorgehoben wurde. Die Cortenstahlplatten von Vudrag, ihre charakteristische Patina, ihre imposante physische Präsenz führen einen offensichtlichen Dialog mit dem Werk von Serra. Aber während Serra reine Abstraktion und die Phänomenologie der Wahrnehmung des Raumes bevorzugte, führt Vudrag Figur und mythologische Erzählung wieder ein.
Dieser Unterschied verdient eine nähere Betrachtung. Der Minimalismus der 1960er- und 1970er-Jahre hatte jeglichen äußeren Bezug auf das Werk selbst eliminiert: Die Skulptur sprach nur über sich selbst, ihr Gewicht, ihr Volumen, ihr Verhältnis zum Raum. Vudrag erbt diese formale Lektion, mit strenger Geometrie, Offenheit der Materialien und Ablehnung malerischer Modellierung, widerspricht ihr jedoch im Prinzip, indem er symbolischen Inhalt wieder einfließen lässt. Seine polygonalen Tiere, seine mythologischen Figuren, seine Masken aus der Serie Net-Work bleiben trotz der geometrischen Behandlung erkennbar. Der Künstler vollzieht damit eine kühne Synthese zwischen minimalistischer Reduktion und repräsentativer Tradition, zwischen zeitgenössischer Abstraktion und antiker Erzählung. Diese Position macht ihn verständlicherweise zur Zielscheibe von Kritik aus beiden Lagern: zu figurativ für Puristen der Abstraktion, zu geometrisch für Liebhaber klassischer Skulptur.
Die Frage der metallurgischen Tradition fügt dieser Problematik eine weitere Ebene hinzu. Vudrag betont regelmäßig seine familiäre Herkunft: Sein Vater und sein Großvater waren Metallurgen, und er hat ihr Handwerk seit seiner Kindheit durch spielerisches Lernen erlernt. Diese generationenübergreifende Weitergabe der technischen Fertigkeit ist in einer Zeit, in der die meisten Künstler die Herstellung ihrer Werke an spezialisierte Werkstätten auslagern, keineswegs belanglos. Vudrag formt den Stahl selbst in seiner Werkstatt von dreihundertfünfzig Quadratmetern, einem ehemaligen Industrieareal, das in einen Schaffensraum umgewandelt wurde. Diese physische Nähe zum Material, dieses intime Wissen um seine Eigenschaften und Widerstandskräfte prägen direkt die Formen, die er produziert. Der Künstler entwirft keine Skulpturen, die andere ausführen würden: Er denkt sowohl als Schmied wie als Bildhauer, und lässt das Material zum Teil den kreativen Prozess führen.
Dieser Ansatz steht in starkem Kontrast zur zunehmenden Entmaterialisierung der zeitgenössischen Kunst. Während sich einige Künstler darauf beschränken, Konzepte, Anweisungen oder digitale Dateien zu produzieren, verteidigt Vudrag ein archaisches und wohltuendes Kunstverständnis als körperlichen Dialog mit dem Material. Seine Hände tragen die Spuren dieses Kampfes: Schweißbrand, Schnittwunden, Schwielen. Sein ganzer Körper ist an der Herstellung der monumentalen Werke beteiligt, die Kraft und Ausdauer erfordern. Diese handwerkliche Dimension könnte rückständig erscheinen, wenn sie nicht mit einer Offenheit für zeitgenössische Technologien einherginge. Vudrag nutzt 3D-Scans, um seine Skulpturen zu dokumentieren, digitale Modelle zu erstellen und Versionen in verschiedenen Größen zu planen. Er integriert LED-Beleuchtungssysteme in einige Stücke und nutzt die Möglichkeiten der Digitalisierung, ohne jedoch die Priorität der manuellen Arbeit aufzugeben.
Sein jüngster Werdegang zeugt von wachsender internationaler Anerkennung. Der Verkauf des Werks “Sumeran Maiden from the NET-WORK cycle (2023)” bei einer Wohltätigkeitsauktion in Warschau für nahezu 190.000 Euro unter dem Hammer sorgte für Furore und etablierte seinen Marktwert. Dieser schwindelerregende Betrag könnte Verdacht erregen: Widmet der Markt nicht oft die langweiligsten Künstler? Doch im Fall von Vudrag begleitet die kommerzielle Aufwertung eine legitime institutionelle Anerkennung. Seine Teilnahme an den Biennalen von Venedig und Malta, öffentliche Aufträge in Kroatien, Ausstellungen in etablierten Pariser Galerien und seine Rolle als Schöpfer der kroatischen Euro-Münzstücke: Dieser Lebenslauf ist unbestritten.
Der Künstler zeigt sich zudem bewusst über die Gefahren des kommerziellen Erfolgs. Auf die Frage nach seinen zukünftigen Projekten spricht er von seinem Bedürfnis, sich regelmäßig in seine Werkstatt zurückzuziehen, fernab vom medialen Lärm, um “die Einsamkeit, die Introspektion und die alten Bücher wiederzufinden, wobei er fast auf der schmalen Linie zwischen Vernunft und Wahnsinn wandelt, auf der Suche nach einem neuen persönlichen Moment des “Eureka!”” [1]. Diese Formulierung drückt ein scharfes Verständnis des kreativen Prozesses als prekäres Gleichgewicht zwischen rationaler Kontrolle und inspiriertem Loslassen aus. Vudrag liest viel, Philosophie, Mythologie und Wissenschaftsgeschichte, und diese Gelehrsamkeit nährt seine Arbeit, ohne sie je mit pedantischem Übermaß zu beschweren. Seine Skulpturen sprechen zuerst visuell durch ihre physische Präsenz und plastische Kraft, bevor sie den Zuschauern, die sich Zeit nehmen, ihre Bedeutungsebenen zu entschlüsseln, ihre Sinnschichten offenbaren.
Es bleibt die Frage nach dem Mythos, der in seinem Werk allgegenwärtig ist. Warum greift er systematisch auf griechische Erzählungen zurück? Vudrag antwortet selbst: “Wenn sich die Geschichte in verschiedenen Formen über Tausende von Jahren wiederholt hat, muss es eine bestimmte Botschaft geben, der man Aufmerksamkeit schenken sollte. Letztendlich haben diejenigen, die ich entziffert und verstanden habe, mir geholfen, mich selbst und die Welt um mich herum besser zu verstehen” [1]. Diese Rechtfertigung könnte naiv erscheinen, wenn man vergisst, dass die griechischen Mythen tatsächlich eine unerschöpfliche Quelle psychologischer Archetypen und universeller narrativer Strukturen darstellen. Atlas, der die Welt trägt, Prometheus, der das Feuer stiehlt, Herkules, der seine zwölf Arbeiten vollbringt: Diese Figuren verkörpern grundlegende menschliche Erfahrungen, die bis heute nachklingen. Der Bildhauer behandelt sie nicht als archäologische Kuriositäten, sondern als weiterhin aktive Bedeutungsmatrizen.
Seine Interpretation des Duos Atlas-Prometheus illustriert diesen lebendigen Mythosansatz. Atlas wird zur Hand, die aus dem Boden wächst und eine klassische Säule greift, was die Last und die Stärke symbolisiert, die notwendig sind, um die Welt zu tragen. Prometheus reduziert sich auf eine von einer Kette gezogene Hand, die Rebellion und das Streben nach Wissen trotz schrecklicher Konsequenzen darstellt. Vudrag verbindet diese beiden Figuren ausdrücklich mit dem menschlichen Schicksal: Atlas trägt den Kopf, den Sitz der idealen Welt; Prometheus repräsentiert den bewussten Geist, der in diesem Kopf wohnt. Ihr gemeinsames Schicksal von ständigem Stress und Druck stellt laut dem Künstler eine universelle menschliche Erfahrung dar. Diese existentialistische Lesart der alten Mythen vermeidet die Falle einer simplistischen Allegorie: Die Skulpturen übersetzen nicht mechanisch eine vorgegebene Bedeutung, sondern eröffnen einen Raum zur Reflexion über unseren Zustand.
Die Menge von Vudrags Produktion beeindruckt ebenso wie ihre Qualität. Innerhalb von etwa zehn Jahren seiner Karriere hat er Dutzende öffentliche Skulpturen geschaffen, an über sechzig Ausstellungen teilgenommen und mehrere Preise gewonnen. Dieses hohe Arbeitstempo erfordert eine strenge Organisation der Werkstatt, eine präzise Verwaltung von Aufträgen und Fristen sowie Fähigkeiten, die weit über den strikt künstlerischen Rahmen hinausgehen. Vudrag erweist sich auch als Unternehmer, Manager und Kommunikator. Seine mediale Gewandtheit, seine Fähigkeit, seine Arbeit verständlich zu erklären, seine Geschicklichkeit in Verhandlungen mit Institutionen und Sammlern: Diese zusätzlich-künstlerischen Talente haben sicherlich zu seinem raschen Aufstieg beigetragen. Manche Puristen sehen darin vielleicht eine Zustimmung zu den Marktanforderungen, doch diese Kritik scheint ungerecht. Ein Künstler, der monumentale Skulpturen im öffentlichen Raum schaffen möchte, muss diese pragmatischen Dimensionen unbedingt beherrschen.
Es ist an der Zeit, einige Fäden zusammenzuführen. Nikola Vudrags Werk fügt sich in eine mehrjährige Bildhauertradition ein und beeinflusst sie zugleich entlang zeitgenössischer Kraftlinien. Seine Treue zum Stahl und zur Handarbeit, die er aus einer familiären Überlieferung geerbt hat, verbindet sich mit einem scharfen Bewusstsein für die philosophischen und ästhetischen Herausforderungen unserer Zeit. Der Dialog, den er zwischen Minimalismus und Figuration, zwischen geometrischer Abstraktion und mythologischer Erzählung, zwischen Monumentalität und Intimität herstellt, schafft einen einzigartigen Raum im Feld der zeitgenössischen Bildhauerei. Weder nostalgischer Traditionalist noch provokativer Avantgardist nimmt Vudrag eine Mittelstellung ein, die zunächst unbequem erscheinen mag, sich aber schließlich als fruchtbar erweist. Er zeigt, dass es weiterhin möglich ist, Material ambitioniert zu gestalten, ohne auf konzeptuelle Tiefe zu verzichten, monumentale öffentliche Werke zu schaffen, ohne ins Kitschige abzugleiten, und aus antiken Mythen zu schöpfen, ohne in verstaubten Akademismus zu verfallen.
Sein Gebrauch von Licht als skulpturales Element basiert auf der platonischen Erkenntnis der Unmöglichkeit, formale Vollkommenheit in der sinnlichen Welt zu erreichen, um eine originelle Lösung zu erfinden: die Negativform, die Metallform, die das Licht aufnimmt. Diese Umkehrung zeugt von einer plastischen Intelligenz, die sich nicht damit begnügt, philosophische Ideen zu illustrieren, sondern sie im Material selbst arbeiten lässt. Der schützende Rost des Cortenstahls, den er mit dem Blut der Götter vergleicht, hört auf, eine bloße chemische Eigenschaft zu sein, und wird zu einer operativen Metapher der Zeit, die bewahrt statt zerstört. Diese semantischen Verschiebungen, diese symbolischen Verdichtungen bilden das Fleisch seiner Arbeit selbst: Sie verhindern, dass seine Skulpturen zu transparenten Allegorien verkommen, während sie ihnen eine Sinnstiefe verleihen, die über die reine physische Präsenz hinausgeht.
Nikola Vudrag ist noch ein junger Künstler. Ihm bleiben, wenn das Schicksal es erlaubt, noch mehrere Jahrzehnte Schaffenszeit. Es ist schwer vorherzusagen, welche Entwicklungen sein Werk nehmen wird: andere Materialien, andere Größenordnungen, andere Themen? Der Künstler selbst spricht begeistert von den Arbeiten an Herakles, die noch zu vollenden sind, was darauf hindeutet, dass er die Möglichkeiten des mythologischen Erzes nicht ausgeschöpft hat. Aber egal, welche Richtung er einschlagen wird, er hat bereits bewiesen, dass ein Bildhauer des 21. Jahrhunderts dem Stahl und dem Mythos mit einer Anspruchshaltung begegnen kann, die die Einfachheiten der Zeit ablehnt. Diese Unnachgiebigkeit bei der Verfolgung einer persönlichen Vision, diese Fähigkeit, formale Strenge und symbolische Großzügigkeit zu verbinden, dieses Beharren darauf zu bildhauen statt zu reden: das verdient Anerkennung bei Nikola Vudrag. Der Rest, die Auktionsrekorde, die renommierten Biennalen und Auszeichnungen, ist nur Schaumschlag an der Oberfläche einer geduldigen und beharrlichen Arbeit, die ihren Grabenschnitt im Stahl wie in der Zeit zieht.
- Julien Delagrange, “Ein Gespräch mit Nikola Vudrag”, Contemporary Art Issue, 2024
