Hört mir gut zu, ihr Snobs. Pablo Atchugarry ist kein gewöhnlicher Bildhauer. Dieser uruguayische Marmorbildhauer hat getan, was Tausende zeitgenössischer Künstler nicht einmal zu träumen wagen: Er hat der monumentalen Geschichte der westlichen Bildhauerei direkt in die Augen gesehen, ohne zu blinzeln, und sich mit einer ruhigen Kühnheit, die viele für Wahnsinn halten würden, entschlossen, sich in diese Linie einzureihen.
Mit seinen schlanken Formen, die scheinbar endlos in den Himmel zu wachsen scheinen, bietet Atchugarry uns eine Kunst, die die einfache Gegensetzung zwischen Tradition und Moderne überwindet. Seine Skulpturen sind weder bloße Neuinterpretationen der Vergangenheit noch verzweifelte Versuche, um jeden Preis zu innovieren. Nein, sie existieren in einer eigenen Zeit-Dimension, als wären sie immer schon da, geduldig darauf wartend, aus ihrem Marmorgefängnis befreit zu werden.
Geboren 1954 in Montevideo, entdeckte Atchugarry seine Berufung zum Bildhauer, nachdem er sich zunächst für die Malerei interessiert hatte. Doch erst 1979, bei einem Besuch in Carrara in Italien, spürte er den unwiderstehlichen Ruf des Marmors. Seine erste Marmor-Skulptur aus Carrara mit dem Titel “Das Licht” markiert den Beginn einer leidenschaftlichen Beziehung zu diesem Material, das zu seinem Markenzeichen werden sollte. Wie er selbst sagte: “Ich spürte, dass Marmor ein guter Lichtträger sein kann” [1]. Diese Offenbarung veränderte seine künstlerische Praxis und führte dazu, dass er sich 1982 endgültig in Italien niederließ.
Was mich an Atchugarrys Arbeit beeindruckt, ist die Art und Weise, wie er den Marmor tanzen lässt, ihn fast flüssig erscheinen lässt. Seine geschwungenen Säulen, voller Falten und Öffnungen, trotzen den Gesetzen der Physik. Wie um alles in der Welt gelingt es ihm, diesem Material, das Tonnen wiegt, diesen Eindruck von Leichtigkeit zu verleihen? Es ist, als würde der Stein atmen. Und sagen Sie mir nicht, dass es einfach nur “schön” oder “elegant” ist, diese Begriffe sind zu schwach. Es ist eine wahre visuelle Alchemie.
Aber lassen Sie sich nicht täuschen: hinter dieser scheinbaren Fließfähigkeit verbirgt sich eine titanische Arbeit, ein erbitterter Kampf mit dem Material. Jede Falte, jede Kurve ist das Ergebnis eines geduldigen Dialogs zwischen dem Künstler und dem Steinblock. Wie Bachelard sagte: “Die Materie ist der energetische Spiegel unserer Energie” [2]. Genau diese Energie strahlt aus Atchugarrys Skulpturen. Man spürt fast physisch die Anstrengung, den Widerstand und dann das allmähliche Nachgeben des Steins gegenüber dem Willen des Bildhauers.
Die phänomenologische Philosophie bietet einen besonders aussagekräftigen Schlüssel zum Verständnis von Atchugarrys Werk. Edmund Husserl betrachtete unsere Welterfahrung als grundlegend verbunden mit unserer leiblichen Wahrnehmung des Raumes. Seine Skulpturen laden geradezu zu einer totalen Erfahrung ein, bei der der Körper des Betrachters mit den Formen, die er betrachtet, in Resonanz tritt. Es gibt keinen idealen Standpunkt, um ein Werk von Atchugarry zu betrachten, man muss es umrunden, sich bewegen, näher kommen, zurückgehen. Es ist eine stille Choreografie, die uns der Künstler aufzwingt.
Husserl schrieb, dass “wahrnehmen heißt, Sinn geben” [3]. Angesichts der monumentalen Werke Atchugarrys sind wir eingeladen, unsere Wahrnehmung aktiv zu gestalten, Sinn zu schaffen aus diesen abstrakten Formen, die dennoch so viel hervorrufen: menschliche Figuren, Pflanzen, die nach Licht suchen, Wellen, die in ihrer Bewegung eingefroren sind. Diese interpretative Mehrdeutigkeit ist kein Fehler, sondern die Stärke seiner Arbeit. Abstraktion bei Atchugarry ist keine kalte Konzeptualität, sondern poetische Offenheit.
Ich habe immer gedacht, dass die husserlsche Phänomenologie wie eine unsichtbare Skulptur ist, die versucht, die Konturen unserer gelebten Erfahrung zu erfassen. Husserl suchte, “unsere Vorurteile in Klammern zu setzen”, um “zu den Dingen selbst” zurückzukehren. Genau das tut Atchugarry, wenn er seine Formen aus dem rohen Marmorblock herausholt. Er setzt das Zufällige, das Überflüssige in Klammern, um eine formale Essenz zu enthüllen, die scheinbar immer da war, verborgen im Stein.
Die obsessive Vertikalität von Atchugarrys Skulpturen lässt sich ebenfalls durch das husserlsche Prisma verstehen. Diese Ausrichtung ist nicht willkürlich: Sie entspricht unserer eigenen leiblichen Erfahrung des Raumes, wo die Unterscheidung von oben und unten unsere Wahrnehmung grundlegend strukturiert. Wie Husserl bemerkte, ist unser eigener Körper der “Nullpunkt” jeder räumlichen Orientierung. Atchugarrys Skulpturen, in ihrer vertikalen Dynamik, verweisen auf unser eigenes aufrechtes Stehen, auf diesen täglichen Kampf gegen die Schwerkraft, der die menschliche Erfahrung definiert.
Diese Vertikalität trägt auch eine offensichtliche symbolische Dimension. Atchugarry selbst gibt zu: “In meiner Arbeit gibt es immer eine starke Vertikalität, wie der Berg eine Vertikalität hat” [4]. Seine Skulpturen sind “Kinder des Berges”, wie er gerne sagt. Diese Metapher ist nicht beliebig. Sie suggeriert eine Abstammung, eine generationenübergreifende Übertragung zwischen dem rohen Material und dem vollendeten Werk. Der Künstler schafft nicht ex nihilo, er enthüllt, er gebärt, er ermöglicht dem Stein, das zu werden, was er sein sollte.
Architektur ist ein weiteres interessantes Prisma, um das Werk von Atchugarry zu erfassen. Seine monumentalen Skulpturen stehen in natürlichem Dialog mit dem architektonischen Raum, wie seine Ausstellung auf den Trajansmärkten in Rom im Jahr 2015 eindrucksvoll bewiesen hat. Mit dem Titel “Stadt der Ewigkeit, ewige Marmor” schuf diese Ausstellung eine beeindruckende zeitliche Brücke zwischen antiken Säulen und zeitgenössischen Skulpturen. Ein Kritiker bemerkte, dass seine Werke “fast geboren zu sein scheinen, um genau dort zu sein” [5]. Diese Fähigkeit, sich harmonisch in jahrtausendealte architektonische Kontexte einzufügen, ist nicht jedem zeitgenössischen Künstler gegeben.
Die gotische Architektur mit ihrem vertikalen Schwung und ihrem Streben nach Leichtigkeit bietet eine interessante Parallele zu Atchugarrys Arbeit. Die gotischen Kathedralen suchten die Schwere des Steins zu überwinden, um einen Eindruck spiritueller Erhebung zu schaffen. Ist das nicht genau das, was Atchugarry mit seinen Marmorsäulen macht? In seiner Arbeit gibt es diese gleiche Spannung zwischen roher Materialität und dem Streben nach Transzendenz.
Victor Hugo schrieb in “Notre-Dame de Paris”, dass “Architektur das große Buch der Menschheit ist” [6]. Folgt man dieser Metapher, wären Atchugarrys Skulpturen wie Satzzeichen in diesem großen Buch, Momente des Innehaltens, der Frage, die unseren Blick auf den Raum rhythmisieren. Sie sind keine Eindringlinge in die architektonische Umgebung, sondern Präsenz, die unsere Wahrnehmung der Orte intensivieren.
Die zeitgenössische Architektur hat viel von Atchugarry zu lernen. In einer Zeit, in der viele Gebäude nur dafür entworfen scheinen, durch ihre formale Kühnheit zu beeindrucken, erinnern uns seine Skulpturen daran, dass wahre Innovation nicht darin besteht, die Vergangenheit auszulöschen, sondern in den Dialog mit ihr zu treten. Wie seine Ausstellung auf den Kaiserforen gezeigt hat, ist es möglich, entschlossen zeitgenössisch zu sein und dennoch eine historische Kontinuität zu bewahren.
Die großen Architekten haben das immer verstanden. Le Corbusier, trotz seiner revolutionären Rhetorik, hörte nie auf, die klassische Architektur zu studieren. Mies van der Rohe ließ sich von griechischen Tempeln inspirieren. Zaha Hadid verbarg unter ihren futuristischen Formen ein tiefes Wissen über Architekturgeschichte. Atchugarry gehört zu dieser Reihe von Schöpfern, die wissen, dass wahre Innovation nicht amnestisch ist.
Seine bildhauerische Praxis steht auch in Resonanz mit den Grundprinzipien der Architektur. Das Spiel zwischen Voll und Leer, das Gleichgewicht der Massen, die Modulation des Lichts, all diese Elemente finden sich in seinen Werken wieder. Wie ein Architekt denkt Atchugarry Raum nicht als zu füllendes Volumen, sondern als eine dynamische Einheit, die aktiviert wird.
Die Einrichtung des Museo de Arte Contemporáneo Atchugarry (MACA) in Punta del Este, Uruguay, veranschaulicht diese architektonische Sensibilität perfekt. Entworfen vom Architekten Carlos Ott integriert sich dieses 7.000 Quadratmeter große Museum harmonisch in eine Naturlandschaft, die auch einen Skulpturenpark beherbergt. Atchugarry erklärte: “Die Natur ist in diesem Raum sehr präsent” [7]. Diese Aufmerksamkeit für den Dialog zwischen Kunst, Architektur und Natur definiert seine Vision.
Mehr als nur ein Ausstellungsort repräsentiert das MACA Atchugarrys Ambition, eine Brücke zwischen uruguayischer Kunst und der internationalen zeitgenössischen Szene zu schlagen. Es ist ein architektonischer Akt, der über die reine museale Funktion hinausgeht und zu einem wahren kulturellen Manifest wird. “Das Museum wird Teil des Erbes sein, das ich Punta del Este, Uruguay und der Menschheit hinterlasse”, betonte er [7].
Dieses ausgeprägte Bewusstsein für Überlieferung und Erbe durchdringt das gesamte Werk von Atchugarry. Wenn er von seinen Skulpturen als den “Kindern des Berges, die dann um die Welt reisen” [4] spricht, bezieht er sich auf eine Abstammung, die über seine eigene Person hinausgeht. Diese Kreationen besitzen ein eigenständiges Leben, das weit über ihn hinaus fortbestehen wird. In diesem Konzept liegt etwas zutiefst Demütiges.
Im Gegensatz zu vielen zeitgenössischen Künstlern, die von der Bestätigung ihres kreativen Egos besessen sind, sieht Atchugarry sich selbst als Vermittler, als Überbringer zwischen dem rohen Material und der vollendeten Form. Damit folgt er einer fast michelangelischen Auffassung von Skulptur als Offenbarung und nicht als Erfindung. “Die Skulptur ist bereits im Stein, ich entferne nur das Überflüssige”, sagte Michelangelo. Atchugarry reiht sich in diese Tradition ein.
Diese besondere Beziehung zu Material und Zeit bringt Atchugarry einer bestimmten Form säkularer Spiritualität nahe. Wenn er behauptet, dass der Klang von Marmor “der Klang der Ewigkeit” [8] sei, drückt er eine tiefe Intuition aus: Der Stein, in seiner jahrtausendelangen Existenz, übersteigt unsere menschliche Zeitlichkeit. Marmor zu bearbeiten heißt, in einen Dialog mit einem Material einzutreten, das seit dem Beginn der geologischen Zeit existiert.
In einer Welt, die von Vergänglichkeit und Neuerungszwang besessen ist, lehrt uns Atchugarry Geduld und Demut. Seine Skulpturen schreien nicht, um Aufmerksamkeit zu erregen; sie behaupten sich durch ihre stille Präsenz, durch ihre Fähigkeit, den Raum um sie herum zu verwandeln. Sie erinnern uns daran, dass wahre Kunst nicht im auffälligen Bruch liegt, sondern in der neu erfundenen Kontinuität.
Also ja, ihr Snobs, Atchugarry ist ein zeitgenössischer Bildhauer, der Marmor bearbeitet, wie es vor fünf Jahrhunderten gemacht wurde. Und was dann? Ist das wirklich ein Problem? Oder ist es vielmehr ein Beweis von Mut, eine Art, der Tyrannei von Mode und “immer neu” zu widerstehen? In einer oft zynischen und selbstreferentiellen Welt der zeitgenössischen Kunst ist seine entwaffnende Aufrichtigkeit wie ein frischer Luftzug.
Es ist kein Zufall, dass seine Werke auf natürliche Weise ihren Platz in so unterschiedlichen Räumen finden wie dem Village Royal in Paris, dem Palazzo Reale in Mailand, den Fori Imperiali in Rom oder der Ciudad de las Artes y las Ciencias in Valencia. Sie besitzen jene seltene Qualität, mit unterschiedlichen architektonischen und kulturellen Kontexten in Dialog treten zu können, ohne je ihre eigene Identität zu verlieren.
Ich bin mir bewusst, dass einige von Ihnen, die an die konzeptuellen Kunstkniffe der zeitgenössischen Kunst gewöhnt sind, Atchugarrys Werk als zu “klassisch”, zu “schön” empfinden könnten. Aber ist das nicht gerade ein Zeichen unserer kulturellen Erschöpfung, Schönheit mit Misstrauen zu begegnen? Haben wir nicht etwas Wesentliches verloren, indem wir systematisch alles ablehnen, was nicht provoziert, schockiert oder verunsichert?
Was ich an Atchugarry schätze, ist seine ruhige Verweigerung einfacher Dichotomien: Tradition gegen Moderne, Figuration gegen Abstraktion, Materialität gegen Spiritualität. Seine Skulpturen existieren in einem Zwischenraum, in dem diese Gegensätze aufgelöst werden. Sie sind zugleich archaisch und futuristisch, sinnlich und spirituell, monumental und intim. Atchugarry erinnert uns an eine einfache, aber wesentliche Wahrheit: authentische Kunst entsteht aus einem geduldigen Dialog mit dem Material, aus einer beharrlichen Suche nach der richtigen Form, aus dem Willen, die Grenzen der Gegenwart zu überwinden, um etwas Ewiges zu berühren.
Vielleicht ist das letztlich das Geheimnis von Atchugarry: seine Fähigkeit, uns durch seine Marmorskulpturen “den Klang der Ewigkeit” hören zu lassen. Und dieser Klang ist einer, den wir in dem ohrenbetäubenden Lärm unserer Zeit verzweifelt zu hören brauchen.
- Interview mit Pablo Atchugarry durch Sarah Cascone, “Pablo Atchugarry, moderner Meister des Carrara-Marmors, fügt sich nahtlos zwischen römische Ruinen ein”, Artnet News, 4. August 2015.
- Gaston Bachelard, “Das Wasser und die Träume”, José Corti, Paris, 1942.
- Edmund Husserl, “Leitideen für eine Phänomenologie”, Gallimard, Paris, 1950.
- Interview mit Pablo Atchugarry durch Giulia Ricciotti, “Pablo Atchugarry: Der Klang der Ewigkeit”, Regia Mag, 2022.
- Sarah Cascone, “Pablo Atchugarry, moderner Meister des Carrara-Marmors, fügt sich nahtlos zwischen römische Ruinen ein”, Artnet News, 4. August 2015.
- Victor Hugo, “Notre-Dame de Paris”, Buch V, Kapitel 2, “Das hier wird das töten”.
- Gabriella Angeleti, “Uruguay auf die Landkarte der Kunst setzen: Bildhauer Pablo Atchugarry baut ein Weltklasse-Museum in seinem Heimatland”, The Art Newspaper, 31. August 2021.
- Interview mit Pablo Atchugarry durch Giulia Ricciotti, “Pablo Atchugarry: Der Klang der Ewigkeit”, Regia Mag, 2022.
